Wie Die Brücke (Die Brücke) die Kraft der Farbe feierte
Der deutsche Expressionismus wurde 1905 in der Stadt Dresden geboren. Damals kamen vier Architekturstudenten zusammen, um Die Brücke zu gründen, eine künstlerische Bewegung, die eine deutsche ästhetische Revolution einleiten sollte. Die Brücke bedeutet auf Deutsch „Die Brücke“. Der Ausdruck vermittelt die Wahrnehmung, die die Gruppe von sich selbst hatte, als Übergangsfiguren, die die veralteten deutschen Kunsttraditionen der Vergangenheit mit modernistischen Idealen verbinden, die die Kultur in die Zukunft führen würden. Allgemein tendierte die Ästhetik von Die Brücke zu emotional ausdrucksvollen Kompositionen, die von reinen, flachen, ungraduierenden Farbflächen und vereinfachten Formen geprägt waren, die mit primitiven Strichen erstellt wurden. Die Künstler von Die Brücke strebten danach, Gefühle zu kommunizieren, anstatt die Realität zu kopieren. Ihre Ästhetik war größtenteils von der Holzschnittdruckkunst inspiriert. Aber es gab auch eine andere, frühere Inspiration für die Gruppe – etwas ironischerweise nicht Deutsches und nicht aus ihrem Jahrhundert: die Gemälde von Vincent Van Gogh, einem niederländischen Post-Impressionisten, der 1890 gestorben war. Die vier Gründer von Die Brücke – Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl und Karl Schmidt-Rottluff – besuchten eine Van-Gogh-Retrospektive, die 1905 in Dresden eröffnet wurde. Zu diesem Zeitpunkt waren sie noch keine Maler, aber sie waren fasziniert von dem, was dieser visionäre Künstler mit Farbe kommunizieren konnte. Die Farben, die schnellen Pinselstriche und die vereinfachten Formen hatten eine elektrisierende Wirkung auf sie. Sein Beispiel wies ihnen den Weg, in die zugrunde liegenden Leidenschaften des Lebens einzutauchen. So einflussreich war Van Gogh für Die Brücke, dass ein späteres Mitglied der Gruppe – Emil Nolde – tatsächlich versuchte, sie zu überzeugen, ihren Namen in „Van Goghiana“ zu ändern. Glücklicherweise folgten sie diesem Vorschlag nicht. Eine solche Änderung zu akzeptieren, wäre der Tod einer Bewegung gewesen, die vor allem auf Originalität basierte. Sicher, Van Gogh inspirierte sie, aber was Die Brücke wirklich suchte, war nicht, jemand anderen zu kopieren, sondern ihren eigenen individuellen Instinkten zu folgen. Diese Absichten werden im dritten Satz ihres dreisätzigen Manifests zusammengefasst, das 1906 in einem Holzschnitt veröffentlicht wurde und lautete: „Wer direkt und authentisch das wiedergibt, was ihn zum Schaffen antreibt, ist einer von uns.“
Ein organisiertes Chaos
Für die meisten Deutschen zu Beginn des Jahrhunderts schienen die Künstler von Die Brücke wie wilde Männer. Als Franz Marc zum ersten Mal eine Ausstellung ihrer bunten, primitivistischen Gemälde sah, nannte er sie „die Fauves Deutschlands“, eine Anspielung auf les Fauves, oder „wilde Bestien“, eine Gruppe von Künstlern, die zur gleichen Zeit in Frankreich unter der Leitung von André Derain und Henri Matisse arbeiteten und ebenfalls leuchtende, unrealistische Farben verwendeten. Der Vergleich mit les Fauves war treffend. Tatsächlich war Die Brücke einer noch wilderen Reputation würdig. Sie verwendeten nicht nur empörende Farben in ihren Gemälden, sie waren in jeder Hinsicht wild. Sie lebten illegal in ihren Ateliers, die nicht als Wohnraum ausgewiesen waren, und versteckten ihre Betten tagsüber im Dachboden, um nicht erwischt zu werden. Sie malten auch nackte Modelle in der Natur. Da kein respektables, professionelles Modell einen solchen Auftrag annehmen würde, bezahlten sie Nicht-Modelle, um mit ihnen in den Wald zu gehen, weit weg von Orten, an denen sie gesehen werden könnten. Zusammen mit ihren amateurhaften Nacktmodellen und einer Gruppe anderer Freunde und Liebhaber feierten sie, malten und schwammen und wurden eins mit ihrer künstlerischsten, freiesten und primitivsten Natur.
Das Bild der Die Brücke-Künstler als unkontrollierbar ist jedoch nicht zutreffend. Sie waren Bohemiens, aber sie waren auch eines der am besten organisierten und durchdachten Kunstkollektive in der Geschichte. In den acht Jahren ihres Bestehens hielten sie mehr als 70 Gruppenausstellungen, sowohl in Deutschland als auch im Ausland. Die Gruppe war auch in Bezug auf Marketing-Know-how innovativ. Sie verkauften Abonnements, sodass Zuschauer, die ihre Arbeiten besitzen wollten, sich aber kein Gemälde leisten konnten, Poster, Drucke und andere Ephemera, wie gedruckte Manifestos, erhalten konnten. Die Gruppe war in ihren eigenen Mitgliedschaftsanforderungen äußerst strikt: Kein Mitglied durfte seine Arbeiten außer bei Gruppenausstellungen zeigen. Das immense Organisationstalent, das nötig war, um so viele Ausstellungen durchzuführen und gleichzeitig Mitgliedschaften und Abonnements zu verwalten, ist unbestreitbar beeindruckend. Trotz ihres Rufs als wilde Männer etablierte Die Brücke eine revolutionäre und äußerst effektive Organisationsstruktur – eine, die heute noch von vielen Kunstkollektiven und von Künstlern betriebenen Galerien imitiert wird.
Ernst Ludwig Kirchner - Manifest der Künstlergruppe Brücke (Programm der Künstlergruppe Brücke), 1906. Horst Jähner: Künstlergruppe Brücke. Geschichte einer Gemeinschaft und das Lebenswerk ihrer Repräsentanten. E.A.Seemann, Leipzig 2005.
Die Entarteten
Die Brücke begann um 1912 zu zerfallen, als Max Pechstein, ein später Beitretender, offen gegen ihre Mitgliedschaftsvereinbarung verstieß, indem er seine Arbeiten in Einzelausstellungen zeigte. Der Nagel im Sarg kam 1913, als Kirchner seine Chronik von Die Brücke schrieb, die die anderen Mitglieder entfremdete, indem er behauptete, er sei ihr Anführer (obwohl die Gruppe in Wirklichkeit eine lose organisierte, fast anarchische Versammlung von Individuen war). Durch einen Twist der Geschichte blieben die Mitglieder von Die Brücke jedoch nicht für immer entfremdet. Als die Nazis an die Macht kamen, wurde die Arbeit der Künstler von Die Brücke als entartet angesehen. Die Mitglieder wurden durch diese Ereignisse bewegt, zumindest theoretisch, ihr Engagement füreinander und für das Ideal, für das sie gestanden hatten, neu zu bekräftigen: Freiheit und Unabhängigkeit für Künstler.
Nach ihrer Aufnahme in die Entartete Kunst Ausstellung von 1937 wurden viele Werke von Heckel sowie die von dem später beigetretenen Otto Mueller zerstört. Doch ihr gesamtes Erbe ging nicht verloren. Einige Jahre vor seinem Tod spendete Heckel die verbleibenden Werke, um das Brücke-Museum zu gründen, das 1967 in Berlin eröffnet wurde. Karl Schmidt-Rottluff machte ebenfalls eine beträchtliche Spende seiner Werke, und das Museum hat seitdem viele andere Stücke von anderen Mitgliedern der Gruppe erworben. Heute umfasst die Sammlung Tausende von Gemälden, Skulpturen und Arbeiten auf Papier. Das farbenfrohe Erbe der Gruppe lebt in dieser Sammlung weiter, aber damit hört es nicht auf. Es hallt durch das Gefüge unzähliger anderer expressionistischer Bewegungen im 20. Jahrhundert und durch die zeitgenössische Kunstwelt heute, als Beispiel für die expressive Kraft der Farbe und das revolutionäre Potenzial der Authentizität.
Vorschaubild: Karl Schmidt-Rottluff - Pharisäer, 1912. Öl auf Leinwand. 29 7/8 x 40 1/2" (75,9 x 102,9 cm). Gertrud A. Mellon Fund. MoMa Sammlung. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
