Wie Abstraktion der Avantgarde-Kunst diente

Die meisten Politiker ignorieren heute avantgardistische Kunst. Sie sehen sie als eine harmlose Bastion für Intellektuelle, die mit esoterischen ästhetischen Philosophien handeln. Aber das war nicht immer der Fall. In der nicht allzu fernen Vergangenheit fürchteten Machtbroker avantgardistische Kunst als eine Kraft, die kulturellen Einfluss ausüben oder sogar den nationalen Charakter verändern könnte. Und avantgardistische Kunstbewegungen, die mit Abstraktion verbunden waren, wurden oft als besonders bedrohlich wahrgenommen, wegen der Mehrdeutigkeit ihres Zwecks und der Unvorhersehbarkeit ihres Einflusses. Heute blicken wir zurück auf einige der Wege, wie Abstraktion die avantgardistischen Kunstbewegungen der Vergangenheit beeinflusste und den Einfluss dieser Bewegungen auf unsere Kultur.

Salon der Abgelehnten

1863, Paris

Avantgarde bedeutet Vorhut. Es ist ein französischer Militärbegriff für Soldaten, die den Weg in neues Gebiet gegen ungewisse Feinde anführen. Seine Verwendung zur Beschreibung von Kunst reicht mindestens bis ins Jahr 1863 zurück. Das ist das Jahr, in dem eine avantgardistische Kunstbewegung namens Impressionismus die kulturelle Machtstruktur Frankreichs auf den Kopf stellte. Seit 1667 hatte eine Institution namens Académie des Beaux-Arts die respektable französische Kunst definiert. Sie veranstalteten eine jährliche Ausstellung namens Salon de Paris, die ausgewählten Künstlern den Status verlieh, der mit der Zustimmung der sozialen Elite verbunden war.

Die Impressionisten waren Experimentatoren. Sie erfanden neue Maltechniken; sie malten im Freien, malten alltägliche Szenen und konzentrierten sich mehr darauf, Licht als das Motiv zu vermitteln. Sie suchten nach einer neuen Art zu malen, aber auch nach einer neuen Art, die Welt zu sehen. Ihre Werke wurden vom Salon de Paris abgelehnt. Aber Napoleon entschied, dass die Öffentlichkeit bestimmen sollte, ob es Wert im impressionistischen Stil gab, also organisierte er den Salon des Refusés im Jahr 1963, der Werke ausstellte, die vom formalen Salon abgelehnt wurden. Die Ausstellung war sogar beliebter als der formale Salon, was zum Aufstieg des Impressionismus und zum Rückgang der Macht der Académie des Beaux-Arts führte.

Salon der Unabhängigen

1884, Paris

Trotz des Erfolgs des Salon de Refusés bestand weiterhin die Vorstellung, dass Kunstausstellungen von einer Jury bewertet werden sollten; dass bestimmte Elitepersonen die Macht haben sollten, den Geschmack zu bestimmen. Doch 1884 half eine Gruppe namens Société des Artistes Indépendants, zu der Georges Seurat und Paul Signac, die Gründer des Pointillismus, gehörten, diese Vorstellung zu zerstören, indem sie den ersten Salon des Indépendants ins Leben riefen, eine Ausstellung, die für jeden Künstler offen war. Ihr Motto lautete ohne Jury und ohne Belohnung.

Während seiner 30-jährigen Laufzeit half der Salon des Indépendants, den Neo-Impressionismus, den Divisionismus, die Symbolisten, den Fauvismus, den Expressionismus, Kubismus und Orphismus zu etablieren. Er bot Abstraktion Zuflucht und verband gleichgesinnte avantgardistische Künstler. Er festigte die Reputation von Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Van Gogh und Matisse. Und am wichtigsten ist, dass er feststellte, dass die moderne Kunst nicht unter der Kontrolle einer Institution stand und dass die Gesellschaft zugänglich war und somit von der Avantgarde beeinflusst werden konnte.

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Öl auf Leinwand. 8' x 7' 8" (243,9 x 233,7 cm). MoMA Sammlung. Erworben durch das Lillie P. Bliss Vermächtnis (im Austausch). © 2019 Nachlass von Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Italienischer Futurismus

1909, Italien

Um die Wende zum 20. Jahrhundert fand eine umfassende Evolution im Denken der industrialisierten Menschen statt. Die Kultur wechselte von einem Vertrauen in die alten, antiken Wege der Gesellschaftsführung zu dem Glauben, dass alte und antike Wege nutzlos seien. Die avantgardistische Kunstbewegung, die diese Evolution am deutlichsten ausdrückte und sie im Bewusstsein der Massen festigte, war der italienische Futurismus.

Das Futuristische Manifest, veröffentlicht 1909, äußerte die Absicht einer neuen Generation von Künstlern, die Institutionen und Ideen der Vergangenheit zu zerstören, um Platz für das Neue zu schaffen. Es lobte das Wunder der Maschinen und der Geschwindigkeit und trat für den Krieg ein, um die Gesellschaft zu reinigen. Der abstrakte futuristische Kunststil basierte darauf, Bewegung darzustellen, um die Technologie zu verherrlichen. Ihre Ideen förderten die Rhetorik und Politiken, die zum Ersten Weltkrieg führten. Mehrere aus ihren Reihen starben im Krieg.

Wyndham Lewis - Vorticistisches Gemälde. © Der Nachlass von G A Wyndham Lewis

Suprematismus und Konstruktivismus

1913, Russland

Nach dem Ersten Weltkrieg entstanden zwei gegensätzliche russische Avantgarde-Bewegungen als Reaktion auf die enormen sozialen Herausforderungen, mit denen das Land konfrontiert war. Kazimir Malevich schuf einen abstrakten Kunststil namens Suprematismus, der universelle Wahrheiten auf die einfachste, reinste Weise ausdrücken wollte. Malevich schrieb in seinem Manifest, Die nicht-objektive Welt: „Die Kunst kümmert sich nicht mehr darum, dem Staat und der Religion zu dienen, sie möchte nicht mehr die Geschichte der Sitten illustrieren, sie will mit dem Objekt als solchem nichts mehr zu tun haben und glaubt, dass sie in und für sich selbst existieren kann…"

Gleichzeitig entwickelte Wladimir Tatlin den Konstruktivismus, eine künstlerische Philosophie, die besagt, dass Kunst der materiellen Welt auf objektive Weise dienen sollte. Obwohl Konstruktivismus und Suprematismus direkt gegensätzlich waren, hatten beide einen hohen Einfluss. Der Suprematismus etablierte einen kulturellen Standpunkt, dass abstrakte Kunst und die Menschheit im Allgemeinen eine grundlegende metaphysische Seite haben. Der Konstruktivismus etablierte einen kulturellen Standpunkt, dass Kunst und Leben materiell sind und aus einer utilitaristischen Perspektive betrachtet werden sollten. Beide Standpunkte gedeihen offensichtlich auch heute noch.

Kazimir Malevich - Suprematistische Komposition: Weiß auf Weiß, 1918. Öl auf Leinwand. 31 1/4 x 31 1/4" (79,4 x 79,4 cm). MoMA Sammlung. 1935 Erwerb 1999 durch Vereinbarung mit dem Nachlass von Kazimir Malevich bestätigt und ermöglicht durch Mittel aus dem Nachlass von Mrs. John Hay Whitney (im Austausch)

Brust

1915, New York

1916, Zürich

Während russische Künstler darüber debattierten, ob Kunst objektiv oder nicht objektiv sein sollte, förderten verschiedene Künstler in New York und Zürich eine dritte Perspektive. Sie betrachteten Kunst und Leben als absurd. Als Reaktion auf die Schrecken des Ersten Weltkriegs nahmen die Dadaisten den nihilistischen Standpunkt ein, dass nichts heilig ist. Sie verspotteten alle Institutionen, Stile, Philosophien und Trends, während sie gleichzeitig deren Tendenzen in ihre Kunst appropriierten.

Die Dadaisten schufen eine absichtlich chaotische, unverständliche ästhetische Aussage. In gewisser Hinsicht war es eine Reaktion auf den Wahnsinn. In einer anderen Hinsicht schuf der Dadaismus eine noch nihilistischere Kultur, indem er den Wahnsinn validierte und nährte. Die mit Dada verbundenen Künstler waren sich einig, dass sie keine Satire machten. Sie sagten nichts. Sie zerstörten die Idee, dass Kunst Bedeutung hatte.

Jean Arp - Abstrakte Komposition, 1915. Collage.

Entartete Kunst

1937, Deutschland

In der Nachkriegsdeutschland arbeiteten avantgardistische Künstler kurzzeitig im Einklang mit der größeren Kultur. 1919 führte die Weimarer Republik weitreichende Reformen ein, die ein offenes, liberales, modernes Deutschland förderten. Das Bauhaus entstand im Einklang mit den Weimarer Idealen. 14 Jahre lang pflegten die mit dieser avantgardistischen Institution verbundenen Künstler die kulturelle Perspektive, dass Kunst und Gesellschaft miteinander verknüpft sein sollten, indem sie Kunst, Architektur und Design kombinierten.

Aber 1933, nach einem wirtschaftlichen Zusammenbruch, verlor die Weimarer Republik die Kontrolle an die NSDAP. Die Nazis lehnten den Modernismus ab. Sie verboten jegliche Kunst, die außerhalb ihrer engen Sicht auf die historische deutsche Größe lag. Sie bezeichneten abstrakte Kunst, moderne Kunst und avantgardistische Kunst als entartet. Die erste Ausstellung entarteter Kunst im Jahr 1937 markierte den Beginn eines formalen, offiziellen Angriffs auf alle, die mit sogenannten entarteten Ansichten in Verbindung standen.

Totale Ablehnung

1948, Kanada

Während die Nazis die Kontrolle über Deutschland übernahmen, gab das Vereinigte Königreich die Kontrolle über viele seiner Territorien auf. 1931 verabschiedete das Vereinigte Königreich ein Gesetz, das Kanada erlaubte, sein eigenes rechtliches und nationales Schicksal zu bestimmen. Die Kanadier engagierten sich somit in einem schrittweisen Prozess zur Bestimmung ihres nationalen Charakters. Eine Gruppe von Künstlern übernahm die Führung in diesem kulturellen Gespräch. Unter der Leitung von Paul-Émile Borduas und Jean-Paul Riopelle veröffentlichte die Gruppe 1948 ein Manifest mit dem Titel Le Refuse Global (Total Refusal).

Das Manifest forderte, dass kanadische Künstler von religiöser und akademischer Kontrolle befreit werden. Es umarmte Abstraktion, Experimentieren und kulturellen Säkularismus. Die unmittelbare Reaktion auf das Manifest war negativ, aber über mehrere Jahrzehnte half es, die stille Revolution zu initiieren, eine größere Bewegung, die liberale Reformen in ganz Kanada erreichte. Diese Reformen prägen heute den kanadischen Nationalcharakter und verdanken ihren Ursprung bis zu einem gewissen Grad Le Refuse Global.

Jean-Paul Riopelle - Komposition, 1954. Öl auf Leinwand. © Jean-Paul Riopelle

Gutai-Gruppe

1954, Japan

Als Japan nach dem Zweiten Weltkrieg wiederaufbaute, begann ein avantgardistisches Kunstkollektiv namens Gutai Group mit der Mission, die japanische Kultur neu zu gestalten. Die Gutai-Künstler glaubten, dass die Gewalt der Vergangenheit das Ergebnis einer Kultur der Assimilation und Isolation war. Sie waren der Meinung, dass Individualität, kreative Freiheit, eine Verbindung zur Natur und eine Verbindung zu anderen Kulturen entscheidend für die Förderung des Friedens sind.

Die Gruppe wurde 1954 gegründet und verfasste 1956 ein Manifest, in dem sie ihren Ansatz zur Kunstproduktion darlegten. Ihre Arbeiten waren absichtlich abstrakt und experimentell. Sie lösten eine kulturelle Renaissance in Japan aus. Durch die Post verbanden sie sich mit anderen Künstlern auf der ganzen Welt. Gutai beeinflusste direkt die Fluxus-Bewegung und viele andere konzeptionelle Kunstbewegungen in Europa und Nordamerika.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Öl auf Leinwand. 31 7/8 x 45 5/8 Zoll. (81 x 116 cm). © Shiraga Kazuo

Die Alternative Kunstraumbewegung

1970er Jahre, Global

Beginnend in New York entstand die Alternative Artspace Bewegung in den 1970er Jahren als globale Avantgarde-Bewegung. Oder vielleicht war es auf eine andere Weise eine Anti-Bewegung, denn anstatt einen bestimmten Ansatz zur Kunst zu definieren, bot sie einem Künstler einfach eine Umgebung und die Mittel, um der Öffentlichkeit jegliches ästhetische Phänomen zu präsentieren.

Künstler, die mit alternativen Kunstorten verbunden sind, sind Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno und die Beastie Boys. Als ein einladendes, allumfassendes avantgardistisches Experiment war die Bewegung selbst eine fantastische Abstraktion: eine Idee der Kunstwelt als eine völlig offene Erfahrung, die allen Urteilen, Bewertungen und Kritiken widersteht.

Sol LeWitt - Wandzeichnung 1. © Sol LeWitt

Abstraktion, die Avantgarde und wir

In unzähligen Fällen haben avantgardistische Kunstbewegungen die Kulturen beeinflusst, in denen sie existierten. Es ist kein Wunder, dass das Missverständnis von Abstraktion und die Angst vor avantgardistischer Kunst einige der mächtigsten Regime und Institutionen der Vergangenheit dazu gebracht haben, Kunst offen als Bedrohung für ihre Kontrolle antagonistisch gegenüberzustehen.

Wenn wir auf die vielen avantgardistischen Kunstbewegungen der Vergangenheit zurückblicken (und es gab viele mehr als die, die wir behandelt haben), können wir sehen, dass Abstraktion ein integraler Bestandteil ihrer Philosophien war. Jede avantgardistische Bewegung basiert im Wesentlichen auf Ideen. Und so viele dieser Ideen beinhalteten Experimentieren, Offenheit, Mehrdeutigkeit und künstlerische Freiheit.

Titelbild: Giacomo Balla - Geschwindigkeitslinie (Detail), 1913. Öl auf Leinwand
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio