Wie Abstraktion der Avantgarde-Kunst diente

Die meisten Politiker ignorieren heute avantgardistische Kunst. Sie sehen sie als harmlosen Zufluchtsort für Intellektuelle, die sich mit esoterischen ästhetischen Philosophien beschäftigen. Aber das war nicht immer so. In der nicht allzu fernen Vergangenheit fürchteten Machtinhaber avantgardistische Kunst als eine Kraft, die kulturellen Einfluss ausüben oder sogar den nationalen Charakter verändern könnte. Und avantgardistische Kunstbewegungen, die mit Abstraktion verbunden waren, wurden oft als besonders bedrohlich wahrgenommen, wegen der Mehrdeutigkeit ihres Zwecks und der Unvorhersehbarkeit ihres Einflusses. Heute blicken wir zurück auf einige der Wege, wie Abstraktion avantgardistische Kunstbewegungen der Vergangenheit beeinflusste und welchen Einfluss diese Bewegungen auf unsere Kultur hatten.

Salon der Abgelehnten

1863, Paris

Avantgarde bedeutet Vorhut. Es ist ein französischer Militärbegriff für Soldaten, die den Weg in neues Gebiet gegen ungewisse Feinde anführen. Die Verwendung zur Beschreibung von Kunst reicht mindestens bis 1863 zurück. In diesem Jahr stürzte eine avantgardistische Kunstbewegung namens Impressionismus die kulturelle Machtstruktur Frankreichs. Seit 1667 hatte eine Institution namens Académie des Beaux-Arts die respektable französische Kunst definiert. Sie veranstalteten eine jährliche Ausstellung namens Salon de Paris, die ausgewählten Künstlern den Status verlieh, der mit der Zustimmung der sozialen Elite verbunden war.

Die Impressionisten waren Experimentatoren. Sie erfanden neue Maltechniken; sie malten im Freien, malten Alltagsszenen und konzentrierten sich mehr darauf, Licht als das Motiv darzustellen. Sie suchten eine neue Art zu malen, aber auch eine neue Art, die Welt zu sehen. Ihre Werke wurden vom Salon de Paris abgelehnt. Aber Napoleon entschied, dass das Publikum bestimmen sollte, ob der impressionistische Stil wertvoll sei, und organisierte 1963 den Salon des Refusés, der Werke zeigte, die vom offiziellen Salon abgelehnt worden waren. Die Ausstellung war sogar populärer als der offizielle Salon, was zum Aufstieg des Impressionismus und zum Niedergang der Macht der Académie des Beaux-Arts führte.

Salon des Indépendants

1884, Paris

Trotz des Erfolgs des Salon de Refusés hielt die Vorstellung weiterhin an, dass Kunstausstellungen von einer Jury bewertet werden sollten; dass bestimmte Elitepersonen die Macht haben sollten, den Geschmack zu bestimmen. Aber 1884 half eine Gruppe namens Société des Artistes Indépendants, zu der Georges Seurat und Paul Signac gehörten, die Gründer von Pointillismus, diese Vorstellung zu zerstören, indem sie den ersten Salon des Indépendants ins Leben riefen, eine Ausstellung, die für jeden Künstler offen war. Ihr Motto lautete ohne Jury und ohne Preis.

Während seiner 30-jährigen Laufzeit half der Salon des Indépendants, den Neo-Impressionismus, Divisionismus, die Symbolisten, Fauvismus, Expressionismus, Kubismus und Orphismus zu etablieren. Er bot der Abstraktion Zuflucht und verband gleichgesinnte Avantgarde-Künstler. Er festigte die Reputation von Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Van Gogh und Matisse. Und am wichtigsten: Er stellte fest, dass moderne Kunst nicht unter der Kontrolle irgendeiner Institution stand und dass die Gesellschaft von der Avantgarde erreicht und somit beeinflusst werden konnte.

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Öl auf Leinwand. 8' x 7' 8" (243,9 x 233,7 cm). MoMA Sammlung. Erworben durch den Nachlass von Lillie P. Bliss (durch Tausch). © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Italienischer Futurismus

1909, Italien

Um die Wende zum 20. Jahrhundert vollzog sich eine grundlegende Entwicklung im Denken der industrialisierten Menschen. Die Kultur wandelte sich von einem Vertrauen in die alten, uralten Gesellschaftsordnungen hin zu der Überzeugung, dass alte und uralte Wege nutzlos seien. Die Avantgarde-Kunstbewegung, die diese Entwicklung am deutlichsten ausdrückte und in den Köpfen der Massen verankerte, war der italienische Futurismus.

Das 1909 veröffentlichte Futuristische Manifest äußerte die Absicht einer neuen Künstlergeneration, die Institutionen und Ideen der Vergangenheit zu zerstören, um Platz für das Neue zu schaffen. Es pries das Wunder der Maschinen und der Geschwindigkeit und befürwortete Krieg zur Reinigung der Gesellschaft. Der abstrakte futuristische Kunststil basierte darauf, Bewegung darzustellen, um die Technologie zu verherrlichen. Ihre Ideen förderten die Rhetorik und Politik, die zum Ersten Weltkrieg führten. Mehrere aus ihren Reihen starben im Krieg.

Wyndham Lewis - Vortizistische Malerei. © The Estate of G A Wyndham Lewis

Suprematismus und Konstruktivismus

1913, Russland

Im Anschluss an den Ersten Weltkrieg entstanden zwei gegensätzliche russische Avantgarde-Bewegungen als Reaktion auf die enormen sozialen Herausforderungen, denen das Land gegenüberstand. Kazimir Malevich schuf einen abstrakten Kunststil namens Suprematismus, der versuchte, Universalitäten auf einfachste, reinste Weise auszudrücken. Malevich schrieb in seinem Manifest, Die nicht-objektive Welt, „Kunst kümmert sich nicht mehr darum, dem Staat und der Religion zu dienen, sie will nicht mehr die Geschichte der Sitten illustrieren, sie will nichts mehr mit dem Objekt als solchem zu tun haben und glaubt, dass sie für sich selbst existieren kann…“

Gleichzeitig entwickelte Vladimir Tatlin den Konstruktivismus, eine künstlerische Philosophie, dass Kunst der materiellen Welt auf objektive Weise dienen sollte. Obwohl Konstruktivismus und Suprematismus direkt gegensätzlich waren, waren beide sehr einflussreich. Der Suprematismus etablierte eine kulturelle Sichtweise, dass abstrakte Kunst und die Menschheit im Allgemeinen eine grundlegende metaphysische Seite haben. Der Konstruktivismus etablierte eine kulturelle Sichtweise, dass Kunst und Leben materiell sind und aus einer utilitaristischen Perspektive betrachtet werden sollten. Beide Sichtweisen gedeihen offensichtlich noch heute.

Kazimir Malevich - Suprematistische Komposition: Weiß auf Weiß, 1918. Öl auf Leinwand. 31 1/4 x 31 1/4" (79,4 x 79,4 cm). MoMA Sammlung. 1935 Erwerb bestätigt 1999 durch Vereinbarung mit dem Nachlass von Kazimir Malevich und ermöglicht durch Mittel aus dem Mrs. John Hay Whitney Vermächtnis (durch Tausch)

Dada

1915, New York

1916, Zürich

Während russische Künstler darüber debattierten, ob Kunst objektiv oder nicht-objektiv sein sollte, förderten verschiedene Künstler in New York und Zürich eine dritte Perspektive. Sie betrachteten Kunst und Leben als absurd. Als Reaktion auf die Schrecken des Ersten Weltkriegs nahmen die Dadaisten die nihilistische Sichtweise ein, dass nichts heilig ist. Sie verspotteten alle Institutionen, Stile, Philosophien und Trends, während sie gleichzeitig deren Tendenzen in ihre Kunst übernahmen.

Die Dadaisten schufen eine absichtlich chaotische, unverständliche ästhetische Aussage. In gewissem Sinne war es eine Reaktion auf den Wahnsinn. In einem anderen Sinne schuf der Dadaismus eine noch nihilistischere Kultur, indem er den Wahnsinn bestätigte und nährte. Die mit Dada verbundenen Künstler waren fest davon überzeugt, dass sie keine Satire machten. Sie sagten nichts aus. Sie zerstörten die Vorstellung, dass Kunst Bedeutung habe.

Jean Arp - Abstrakte Komposition, 1915. Collage.

Entartete Kunst

1937, Deutschland

Im Nachkriegsdeutschland arbeiteten avantgardistische Künstler kurzzeitig mit der breiteren Kultur zusammen. 1919 führte die Weimarer Republik weitreichende Reformen ein, die ein offenes, liberales, modernes Deutschland förderten. Das Bauhaus entstand im Einklang mit den Weimarer Idealen. 14 Jahre lang pflegten die mit dieser avantgardistischen Institution verbundenen Künstler die kulturelle Perspektive, dass Kunst und Gesellschaft verbunden sein sollten, indem sie Kunst, Architektur und Design kombinierten.

Aber 1933, nach einem wirtschaftlichen Zusammenbruch, verlor die Weimarer Republik die Kontrolle an die NSDAP. Die Nazis lehnten den Modernismus ab. Sie verboten jede Kunst, die außerhalb ihrer engen Sicht auf die historische deutsche Größe lag. Sie bezeichneten abstrakte Kunst, moderne Kunst und avantgardistische Kunst als entartet. Die erste Ausstellung Entartete Kunst 1937 markierte den Beginn eines formellen, offiziellen Angriffs auf alle, die mit sogenannten entarteten Ansichten in Verbindung standen.

Totale Verweigerung

1948, Kanada

Während die Nazis die Kontrolle über Deutschland übernahmen, gab das Vereinigte Königreich viele seiner Territorien auf. 1931 verabschiedete das Vereinigte Königreich Gesetze, die es Kanada erlaubten, sein eigenes rechtliches und nationales Schicksal zu bestimmen. Die Kanadier begannen somit einen allmählichen Prozess, ihren nationalen Charakter zu bestimmen. Eine Künstlergruppe übernahm die Führung in diesem kulturellen Dialog. Unter der Leitung von Paul-Émile Borduas und Jean-Paul Riopelle veröffentlichte die Gruppe 1948 ein Manifest namens Le Refuse Global (Totale Verweigerung).

Das Manifest forderte, dass kanadische Künstler frei von religiöser und akademischer Kontrolle sein sollten. Es befürwortete Abstraktion, Experimentieren und kulturellen Säkularismus. Die unmittelbare Reaktion auf das Manifest war negativ, aber im Laufe mehrerer Jahrzehnte half es, die Quiet Revolution anzustoßen, eine größere Bewegung, die liberale Reformen in ganz Kanada durchsetzte. Diese Reformen prägen heute den kanadischen Nationalcharakter und verdanken ihre Entstehung bis zu einem gewissen Grad Le Refuse Global.

Jean-Paul Riopelle - Komposition, 1954. Öl auf Leinwand. © Jean-Paul Riopelle

Gutai Group

1954, Japan

Als Japan sich nach dem Zweiten Weltkrieg wieder aufbaute, begann ein avantgardistisches Künstlerkollektiv namens Gutai Group eine Mission, die japanische Kultur neu zu denken. Die Gutai-Künstler glaubten, dass die Gewalt der Vergangenheit das Ergebnis einer Kultur der Assimilation und Isolation war. Sie waren der Ansicht, dass Individualität, kreative Freiheit, eine Verbindung zur Natur und eine Verbindung zu anderen Kulturen wesentlich sind, um Frieden zu fördern.

Die Gruppe wurde 1954 gegründet und verfasste 1956 ein Manifest, das ihren Kunstansatz darlegte. Ihre Arbeiten waren bewusst abstrakt und experimentell. Sie lösten eine kulturelle Renaissance in Japan aus. Per Post standen sie mit anderen Künstlern weltweit in Verbindung. Gutai beeinflusste direkt die Fluxus-Bewegung und viele andere konzeptuelle Kunstbewegungen in Europa und Nordamerika.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962. Öl auf Leinwand. 81 x 116 cm (31 7/8 x 45 5/8 in.). © Shiraga Kazuo

Die Alternative Artspace Bewegung

1970er, global

Beginnend in New York entstand die Alternative Artspace Bewegung in den 1970er Jahren als globale avantgardistische Bewegung. Oder vielleicht war sie auf andere Weise eine Anti-Bewegung, denn anstatt einen bestimmten Kunstansatz zu definieren, bot sie Künstlern einfach eine Umgebung und die Mittel, um der Öffentlichkeit jegliches ästhetische Phänomen zu präsentieren.

Mit Alternative Artspaces verbundene Künstler sind unter anderem Cindy Sherman, Sol LeWitt, Louise Bourgeois, John Cage, Judy Chicago, Sherrie Levine, Laurie Anderson, Brian Eno und die Beastie Boys. Als ein allumfassendes, einladendes avantgardistisches Experiment war die Bewegung selbst eine fantastische Abstraktion: eine Idee der Kunstwelt als ein völlig offenes Erlebnis, das sich jeglichem Urteil, Bewertung und Kritik widersetzt.

Sol LeWitt - Wandzeichnung 1. © Sol LeWitt

Abstraktion, die Avantgarde und wir

In zahllosen Fällen haben avantgardistische Kunstbewegungen die Kulturen beeinflusst, in denen sie existierten. Es ist kein Wunder, dass das Missverständnis von Abstraktion und die Angst vor avantgardistischer Kunst einige der mächtigsten Regime und Institutionen der Vergangenheit dazu veranlasst haben, Kunst offen als Bedrohung ihrer Kontrolle zu bekämpfen.

Wenn wir auf die vielen avantgardistischen Kunstbewegungen der Vergangenheit zurückblicken (und es gab weit mehr als die, die wir behandelt haben), sehen wir, dass Abstraktion ein integraler Bestandteil ihrer Philosophien war. Jede avantgardistische Bewegung basiert im Wesentlichen auf Ideen. Und viele dieser Ideen beinhalteten Experimentieren, Offenheit, Mehrdeutigkeit und künstlerische Freiheit.

Titelbild: Giacomo Balla - Linie der Geschwindigkeit (Detail), 1913. Öl auf Leinwand
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio