Norman Lewis, ein vernachlässigtes Juwel des abstrakten Expressionismus
Als die Pennsylvania Academy of Fine Arts 2015 die Ausstellung „Procession: The Art of Norman Lewis“ veranstaltete, war die Ausstellung für die meisten Zuschauer eine Offenbarung. Das Thema der Ausstellung, der amerikanische Maler Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), gilt als der einzige schwarze Künstler unter der ersten Generation der Abstrakten Expressionisten. Sein Werk ist völlig eigenständig im Vergleich zu dem seiner Kollegen und folgt ästhetischen und intellektuellen Fäden, die ihm auch heute noch ein Gefühl von Frische und Einfallsreichtum verleihen. Doch im Gegensatz zu Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko und den anderen Malern, mit denen er oft ausstellte, erreichte Lewis zu Lebzeiten nie großen Ruhm oder finanziellen Erfolg. Er unterstützte sich und seine Familie hauptsächlich als Lehrer. Einer der Hauptgründe, warum er auf dem Markt kämpfte, war, dass trotz der Art und Weise, wie die weiße, nach dem Krieg entstandene amerikanische Kunstszene die abstrakte Kunst umarmte, die Arbeiten schwarzer Künstler, ob abstrakt oder nicht, dennoch größtenteils abgelehnt wurden. Gleichzeitig wiesen die meisten schwarzen amerikanischen Kunsthändler und Sammler nach dem Krieg auch die abstrakte Kunst zurück, weil sie glaubten, dass soziale Gerechtigkeit nur durch Kunst erreicht werden könne, die direkt soziale Gerechtigkeitsfragen anspreche. Tatsächlich hatte Lewis zu Beginn seiner Karriere in den 1930er Jahren denselben Glauben. Er malte figurative, sozialrealistische Bilder im Rahmen der Works Progress Administration, einem Job, bei dem er den Mit-Abstrakten Expressionisten Pollock traf. Doch während des Zweiten Weltkriegs konnte Lewis die Heuchelei der amerikanischen Armee, die gegen einen weißen suprematistischen Feind kämpfte und gleichzeitig die Rassentrennung ihrer eigenen Truppen durchsetzte, nicht ignorieren. Nach dem Krieg gab Lewis seinen Glauben auf, dass realistische Kunst jemals eine bedeutende Rolle bei der Umgestaltung der Kultur spielen könnte. Er sagte: „Früher malte ich Neger, die enteignet wurden; Diskriminierung, und langsam wurde mir bewusst, dass das niemanden bewegte, es machte die Dinge nicht besser.“ Stattdessen widmete er sich einer lebenslangen Erforschung der universelleren Aspekte der Ästhetik und mobilisierte die Kraft von Farbe, Linie, Textur und Form, um Menschen in einem visuellen Raum der Kontemplation und Transzendenz zusammenzubringen.
Fesselnde Linie und Raum
Einer der markantesten Aspekte des abstrakten Malstils, den Lewis entwickelt hat, ist sein Einsatz von Linien. Seine Pinselstriche sind luftig und energetisch, sogar lyrisch, und doch besitzen sie eine architektonische Struktur, die ihnen ein Gefühl von Stärke und Gewicht verleiht. Er verwendete dieses Element so, dass seine Linien Beziehungen zueinander schufen, was die Anwesenheit von Formen impliziert, anstatt wörtliche Objekte im Raum zu beschreiben. In Gemälden wie „Straßenmusiker“ (1948) besetzt eine Ansammlung von Linien den zentralen Bereich der Leinwand, umgeben von einem rosafarbenen, atmosphärischen Dunst. Das Gemälde ist vollständig abstrakt, und doch scheint es aufgrund der Art und Weise, wie der Raum unterteilt ist, als wäre es ein Bild von etwas Erkennbarem. Die linearen Muster in der Mitte der Leinwand deuten auf das Erscheinungsbild tatsächlicher Musiker hin, vielleicht zerbrochen in ein kubistisches Multiversum von Perspektiven und Ebenen. Aber dies ist kein Bild von Musikern. Es ist mehr ein Ausdruck der Energie und Emotion der Musik, die auf der Straße gespielt wird; die Aufregung der Noten, die den Raum durchdringen, und der Karneval von Farben und Klängen, während sie die Luft erfüllen.
Norman Lewis - Florenz, 1947. Öl auf Masonit. 14 x 18 Zoll. Privatbesitz. © Der Nachlass von Norman W. Lewis, Courtesy of Iandor Fine Arts, New Jersey.
Neben seiner Verwendung von Linien entwickelte Lewis auch eine unverwechselbare und äußerst effektive Methode, um mit dem visuellen Raum zu interagieren. Seine Werke waren keine "all-over"-Gemälde wie die Gemälde von Jackson Pollock, die jede Ecke der Leinwand mit Pinselstrichen bedeckten, sodass kein Teil der Leinwand mehr Aufmerksamkeit verdiente als ein anderer Teil. Vielmehr gab Lewis den Betrachtern etwas, auf das sie im bildlichen Raum fokussieren konnten, selbst wenn das Thema ihres Fokus abstrakt war. In "Green Mist" (1948) erreichte er dies, indem er Techniken so miteinander verband, dass das Auge intuitiv in die Mitte der Leinwand gezogen wurde. Am äußeren Rand der Leinwand ist die Farbe von Hand verwischt und geglättet, um das Gefühl einer atmosphärischen grünen Wolke zu erzeugen, während in der Mitte des Bildes klare, kalligraphische Linien andeuten, dass etwas Konkretes vorhanden ist oder vielleicht innerhalb des Geheimnisses des visuellen Raums entsteht.
Norman Lewis - Crossing, 1948. Öl auf Leinwand. 25 x 54 Zoll. Michael Rosenfeld Galerie. © Der Nachlass von Norman W. Lewis, Courtesy of Iandor Fine Arts, New Jersey.
Die Spiralgruppe
Obwohl seine Entscheidung, die universellen Aspekte der Ästhetik zu erkunden, anstatt realistische Darstellungen des Schwarzen Kampfes in Amerika zu zeigen, wenig dazu beitrug, sein Profil bei Händlern oder Sammlern zu heben, brachte sie Lewis in die Gesellschaft anderer schwarzer amerikanischer Künstler, die seinen Glauben an die Bedeutung ästhetischer Errungenschaften teilten. Am 5. Juli 1963 wurde er ins Studio von Romare Bearden eingeladen, um sich Hale Woodruff, Charles Alston, James Yeargans, Felrath Hines, Richard Mayhew und William Pritchard anzuschließen und eine Gruppe zu bilden, die als The Spiral Group bekannt wurde. Die Gruppe widmete sich der Förderung ästhetischer Meisterschaft und kultureller Universalitäten. Sie trafen sich regelmäßig, um zu diskutieren, inwiefern realistische Darstellungen von Rassenungleichheit der schwarzen Kultur halfen oder nicht, und um zu studieren, wie Exzellenz im Bereich "gemeinsamer ästhetischer Probleme" mehr dazu beitragen könnte, den kulturellen Status zu erhöhen und den Einfluss schwarzer Künstler in Amerika zu steigern.
Norman Lewis - Jazzband, 1948. Eingraviert auf schwarzem beschichtetem Masonite-Board. 20 x 23 7/8 Zoll. Private Sammlung. © Der Nachlass von Norman W. Lewis, Courtesy of Iandor Fine Arts, New Jersey
Der Name Spiral Group wurde von Hale Woodruff vorgeschlagen. Er war eine Anspielung auf den griechischen Mathematiker Archimedes, dessen „Schraube“ „aufwärts in immer breiteren Kreisen spiralte, als Symbol für Fortschritt.“ Obwohl einige der Maler in der Spiral Group figürliche Arbeiten schufen, war ihre vollumfängliche Annahme der Möglichkeiten der Abstraktion bahnbrechend, insbesondere für die afroamerikanische Kunst. Sie legte den Grundstein für Künstler wie den Bildhauer Richard Hunt, dessen Einzelausstellung 1971 im Museum of Modern Art in New York nur die dritte Einzelausstellung eines schwarzen Künstlers in der Geschichte von MoMA war und die erste eines abstrakten Künstlers. Sie brachte auch die unglückliche Realität scharf ins Blickfeld, dass es in Amerika nie nur eine Kunstwelt gegeben hat, sondern mehrere Kunstwelten, die um Anerkennung und Einfluss konkurrieren, anstatt auf gemeinsame kulturelle Ziele hinzuarbeiten. Norman Lewis und die anderen Mitglieder der Spiral Group legten den Grundstein für etwas Besseres: einen Ansatz zur Kunst, der nicht nur universell, sondern auch vereinigend ist.
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Vorschaubild: Norman Lewis - Untitled, 1949. Öl auf Leinwand. 20 x 30 Zoll. Privatbesitz. © Der Nachlass von Norman W. Lewis, Courtesy of Iandor Fine Arts, New Jersey.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
