Norman Lewis, ein vernachlässigtes Juwel des abstrakten Expressionismus

Als die Pennsylvania Academy of Fine Arts 2015 die Ausstellung „Prozession: Die Kunst von Norman Lewis“ zeigte, war dies für die meisten Besucher eine Offenbarung. Das Thema der Ausstellung, der amerikanische Maler Norman Wilfred Lewis (1909 – 1979), gilt als der einzige Schwarze Künstler unter der ersten Generation der Abstrakten Expressionisten. Sein Werk unterscheidet sich völlig von dem seiner Zeitgenossen, da es ästhetischen und geistigen Fäden folgt, die ihm bis heute eine Frische und Einfallsreichtum verleihen. Doch im Gegensatz zu Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko und den anderen Malern, mit denen er oft ausstellte, erreichte Lewis zu Lebzeiten weder großen Ruhm noch finanziellen Erfolg. Er verdiente hauptsächlich seinen Lebensunterhalt und den seiner Familie als Lehrer. Ein Hauptgrund für seine Schwierigkeiten auf dem Kunstmarkt war, dass trotz der Art und Weise, wie das weiße, nach dem Krieg entstandene amerikanische Kunstestablishment die abstrakte Kunst annahm, es dennoch meist die Werke Schwarzer Künstler ablehnte, ob abstrakt oder nicht. Gleichzeitig lehnten die meisten nach dem Krieg tätigen schwarzen amerikanischen Kunsthändler und Sammler abstrakte Kunst ebenfalls ab, da sie glaubten, soziale Gerechtigkeit könne nur durch Kunst erreicht werden, die direkt soziale Gerechtigkeitsthemen ansprach. Tatsächlich hatte Lewis zu Beginn seiner Karriere in den 1930er Jahren selbst diesen Glauben. Er malte figürliche, sozialrealistische Bilder im Rahmen der Works Progress Administration, einer Anstellung, bei der er den ebenfalls abstrakten Expressionisten Pollock kennenlernte. Doch während des Zweiten Weltkriegs konnte Lewis die Heuchelei der amerikanischen Armee nicht übersehen, die einen weißen suprematistischen Feind bekämpfte, während sie gleichzeitig die Rassentrennung ihrer eigenen Truppen durchsetzte. Nach dem Krieg gab Lewis seinen Glauben auf, dass realistische Kunst eine bedeutende Rolle bei der Umgestaltung der Kultur spielen könne. Er sagte: „Früher malte ich Schwarze, die enteignet wurden; Diskriminierung, und langsam wurde mir klar, dass das niemanden bewegte, es machte die Dinge nicht besser.“ Stattdessen widmete er sich einer lebenslangen Erforschung der universelleren Aspekte der Ästhetik und nutzte die Kraft von Farbe, Linie, Struktur und Form, um Menschen in einem visuellen Raum der Betrachtung und Transzendenz zusammenzuführen.

Fesselnde Linie und Raum

Einer der markantesten Aspekte des abstrakten Malstils, den Lewis entwickelte, ist sein Umgang mit der Linie. Seine Pinselstriche sind zart und lebendig, fast lyrisch, besitzen jedoch eine architektonische Struktur, die ihnen Stärke und Gewicht verleiht. Er setzte dieses Element so ein, dass seine Linien zueinander in Beziehung traten und die Anwesenheit von Formen andeuteten, ohne buchstäblich Gegenstände im Raum zu beschreiben. In Gemälden wie „Straßenmusiker“ (1948) nimmt eine Ansammlung von Linien den Mittelgrund der Leinwand ein, umgeben von einem rosa, atmosphärischen Dunst. Das Bild ist völlig abstrakt, doch durch die Art, wie der Raum geteilt ist, scheint es etwas Erkennbares darzustellen. Die linearen Muster in der Mitte der Leinwand deuten das Erscheinungsbild tatsächlicher Musiker an, vielleicht zersplittert in ein kubistisches Viel-Universum von Perspektiven und Ebenen. Doch dies ist kein Bild von Musikern. Es ist vielmehr ein Ausdruck der Energie und Emotion der auf der Straße gespielten Musik; die Aufregung von Noten, die den Raum durchdringen, und das Farben- und Klangkarneval, der die Luft erfüllt.

Norman Lewis - Florenz, 1947. Öl auf Masonit. 14 x 18 Zoll. Privatsammlung. © Der Nachlass von Norman W. Lewis, mit freundlicher Genehmigung von Iandor Fine Arts, New Jersey.

Neben seinem Umgang mit der Linie entwickelte Lewis auch eine unverwechselbare und höchst wirkungsvolle Methode, mit dem visuellen Raum umzugehen. Seine Werke waren keine „all-over“-Gemälde wie die von Jackson Pollock, die jeden Zentimeter der Leinwand mit Pinselstrichen bedeckten, sodass kein Teil der Leinwand mehr Aufmerksamkeit verdiente als ein anderer. Vielmehr gab Lewis den Betrachtern innerhalb des Bildraums einen Fokuspunkt, selbst wenn das Thema ihres Blicks abstrakt war. In „Grüner Nebel“ (1948) erreichte er dies durch eine Mischtechnik, die das Auge intuitiv in die Mitte der Leinwand zog. Am äußeren Rand der Leinwand ist die Farbe verwischt und von Hand geglättet, um die Empfindung einer atmosphärischen grünen Wolke zu erzeugen, während in der Bildmitte klare, kalligraphische Linien andeuten, dass etwas Konkretes vorhanden ist oder sich vielleicht im Geheimnis des Bildraums entwickelt.

Norman Lewis - Kreuzung, 1948. Öl auf Leinwand. 25 x 54 Zoll. Michael Rosenfeld Galerie. © Der Nachlass von Norman W. Lewis, mit freundlicher Genehmigung von Iandor Fine Arts, New Jersey.

Die Spiralgruppe

Obwohl seine Entscheidung, die universellen Aspekte der Ästhetik statt realistischer Darstellungen des Schwarzen Kampfes in Amerika zu erforschen, wenig dazu beitrug, seinen Ruf bei Händlern oder Sammlern zu steigern, brachte sie Lewis in die Gesellschaft anderer schwarzer amerikanischer Künstler, die seinen Glauben an die Bedeutung ästhetischer Leistung teilten. Am 5. Juli 1963 wurde er in das Atelier von Romare Bearden eingeladen, um sich mit Hale Woodruff, Charles Alston, James Yeargans, Felrath Hines, Richard Mayhew und William Pritchard zu einer Gruppe namens Die Spiralgruppe zusammenzuschließen. Die Gruppe widmete sich der Förderung ästhetischer Meisterschaft und kultureller Universalien. Sie trafen sich regelmäßig, um zu diskutieren, inwiefern realistische Darstellungen von Rassenungleichheit der Schwarzen Kultur halfen oder nicht halfen, und um zu erforschen, wie Exzellenz im Bereich „gemeinsamer ästhetischer Probleme“ mehr dazu beitragen könnte, den kulturellen Status zu heben und den Einfluss Schwarzer Künstler in Amerika zu vergrößern.

Norman Lewis - Jazzband, 1948. Eingraviert auf schwarz beschichtetem Masonitbrett. 20 x 23 7/8 Zoll. Privatsammlung. © Der Nachlass von Norman W. Lewis, mit freundlicher Genehmigung von Iandor Fine Arts, New Jersey.

Der Name Spiralgruppe wurde von Hale Woodruff vorgeschlagen. Er bezog sich auf den griechischen Mathematiker Archimedes, dessen „Schraube“ „aufwärts in immer weiteren Kreisen spiralte, als Symbol des Fortschritts.“ Obwohl einige der Maler der Spiralgruppe figürliche Werke schufen, war ihre uneingeschränkte Hinwendung zu den Möglichkeiten der Abstraktion bahnbrechend, besonders für die schwarze amerikanische Kunst. Sie legte den Grundstein für Künstler wie den Bildhauer Richard Hunt, dessen Einzelausstellung 1971 im Museum of Modern Art in New York erst die dritte Einzelausstellung eines schwarzen Künstlers in der Geschichte des MoMA und die erste eines abstrakten Künstlers war. Sie rückte auch die bedauerliche Realität scharf ins Licht, dass es in Amerika nie nur eine Kunstwelt gab, sondern mehrere Kunstwelten, die um Anerkennung und Einfluss konkurrieren, anstatt gemeinsam kulturelle Ziele zu verfolgen. Norman Lewis und die anderen Mitglieder der Spiralgruppe legten den Grundstein für etwas Besseres: einen Zugang zur Kunst, der nicht nur universell, sondern auch verbindend ist.

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Titelbild: Norman Lewis - Ohne Titel, 1949. Öl auf Leinwand. 20 x 30 Zoll. Privatsammlung. © Der Nachlass von Norman W. Lewis, mit freundlicher Genehmigung von Iandor Fine Arts, New Jersey.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio