Jackson Pollocks Konvergenz – Ein Meisterwerk

„Convergence“ von Jackson Pollock ist ein unterschätztes Meisterwerk. Pollock malte es 1952, im selben Jahr, in dem er „Blue Poles“ vollendete, eines der berühmtesten Gemälde seiner Laufbahn, das „Convergence“ und alles andere, was Pollock in jenem Jahr schuf, in den Schatten stellte. Der Ruhm von „Blue Poles“ beruht jedoch nicht nur auf seiner visuellen Pracht. Er ist auch auf die Kontroverse zurückzuführen, die seine Entstehung und den Erwerb umgab. Nach der Premiere gab es skandalöse Berichte, die nahelegten, dass zwei andere Künstler, Tony Smith und Barnett Newman, bei der Entstehung des Bildes mitgeholfen hätten. Als die National Gallery of Australia „Blue Poles“ 1973 für 1,3 Millionen Dollar kaufte, gab es einen öffentlichen Aufschrei über die Kosten. (Das Werk wird heute auf mehr als 300 Millionen Dollar geschätzt – keine schlechte Investition also.) Unterdessen wurde „Convergence“ 1956 stillschweigend von der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, New York, erworben, nur fünf Monate bevor Pollock starb. Dort verblieb es weitgehend und führte ein kontroversfreies Dasein. Doch tatsächlich gibt es etwas Kontroverses an „Convergence“. Es verbirgt ein dunkles Geheimnis. Hinter seinen lebhaften Orangetönen, fließenden Blautönen, zähen Gelbtönen und geisterhaften Weißtönen, die scheinbar die charakteristische „all over“-Tropf- und Spritztechnik verkörpern, für die Pollock am bekanntesten ist, sollte dieses Gemälde eigentlich das ehrgeizigste Werk seiner sogenannten „schwarzen Periode“ sein. Zwischen 1951 und 1953 wandte sich Pollock von den farbenfrohen abstrakten Tropfbildern ab, die ihn berühmt gemacht hatten. Er begann hauptsächlich mit schwarzer Farbe auf rohem Leinwand zu malen, nahm wieder direkten Kontakt mit der Leinwand durch Pinsel auf, goss Farbe kontrolliert und ließ sogar wieder figürliche Elemente in seine Kompositionen einfließen. Mit gewaltigen 237,49 x 393,7 cm hätte „Convergence“ sein größtes schwarzes Gemälde sein sollen, doch es wirkte am Ende eher wie seine früheren Arbeiten. Als es 2015 in der Ausstellung Blind Spots im Dallas Museum of Art gezeigt wurde, der bislang umfassendsten Ausstellung der schwarzen Gemälde, wirkte „Convergence“ wie ein Außenseiter unter den etwa 70 anderen Werken. Der Grund für seine Aufnahme hängt mit dem Grund zusammen, warum es nicht zu passen schien: Beide haben mit der Ablehnung zu tun, die diese Werkgruppe bei ihrer ersten Präsentation erfuhr.

Der Künstler gegen den Schausteller

Heute gelten die schwarzen Gemälde als die letzte große Werkgruppe, die Pollock vor seinem Tod bei einem Autounfall 1956 schuf. Doch als sie erstmals gezeigt wurden, hatten Sammler keinerlei Interesse an ihnen. Betrachter empfanden sie im Vergleich zu den lebhaften Action-Gemälden, die Pollock berühmt gemacht hatten, als zu subtil. Rückblickend erkennen wir die wichtige Phase, die sie in seiner künstlerischen und seelischen Entwicklung markieren. Die abstrakten Gemälde, die Pollock vor der Entwicklung seiner charakteristischen Tropftechnik schuf, waren symbolisch, reich an mythischen Figuren und totemischen Formen. Die schwarzen Gemälde markieren eine Rückkehr zu dieser symbolischen und totemischen Bildsprache. Gleichzeitig streben sie voran, indem sie die „Soak-Stain“-Technik nutzen, die von der Künstlerin Helen Frankenthaler entwickelt und durch ihr wegweisendes Gemälde „Mountains and Sea“ (1952) verkörpert wurde. Bei dieser Technik wird Farbe auf rohen Leinwand gegossen, sodass sie in die ungeschützten Fasern einsickert, frei fließt und biomorphe Formen mit weichen, verschwommenen Rändern schafft.

Diese doppelte Entwicklung, die sowohl zurück- als auch vorwärtsblickt, zeigt, dass Pollock stets nach einem vollständigen Ausdruck seines inneren Selbst strebte. Seine Bereitschaft, seinen Stil auf dem Höhepunkt seines Ruhms zu wechseln, schien auch zu signalisieren, dass er Experimentierfreude über öffentliche Anerkennung stellte. Er ahnte sogar voraus, dass die Öffentlichkeit die schwarzen Gemälde nicht annehmen würde, wie ein Brief an Alfonso Ossorio aus jener Zeit zeigt, in dem es unter anderem heißt: „Ich habe eine Phase, in der ich auf Leinwand in Schwarz zeichne – ich denke, die Nicht-Objektivisten werden sie verstörend finden.“ Doch eines der Dinge, die „Convergence“ so interessant machen, ist, dass es zeigt, wie Pollock möglicherweise mehr um öffentliche Anerkennung besorgt war, als er zugab. Im Einklang mit dem Geschmack des Publikums entschied er, dass die ursprüngliche schwarze Komposition ein Misserfolg war, und malte eine neue, farbenfrohe Schicht darüber. Die neue obere Schicht griff seine alten Techniken wieder auf und macht dieses Gemälde zu einer Verbindung des unterbewussten Geistes des Künstlers und des bewussten Verstandes eines Schaustellers, der geliebt werden wollte.

Was es zu einem Meisterwerk macht

„Convergence“ ist eigentlich zwei Gemälde in einem. Es ist eine Verbindung von Alt und Neu. Daher lässt sich seine Bedeutung auf verschiedenen Ebenen beurteilen. Auf rein ästhetischer Ebene, ohne die Psyche des Künstlers zu betrachten, der es malte, sind die Bilder einfach atemberaubend. Das Gemälde hat eine Unterschicht aus schwarzer Farbe, die den Tropfen und Spritzern von Farbe eine kraftvolle Perspektive verleiht, die in älteren Tropfbildern Pollocks nicht immer zu erkennen ist. Die älteren Tropfbilder weisen auch ein viel stärkeres Gefühl von Einheit zwischen jeder Geste und jeder Schicht auf, was zum Teil darauf zurückzuführen ist, dass die Techniken zur Schaffung jeder Schicht dieselben waren. „Convergence“ hingegen wirkt zerklüfteter und bringt eine echte Spannung in das Werk.

Die Kombination aus Schönheit, Unruhe, Spannung und Fluss im Werk ist genau der Grund, warum das Gemälde so erfolgreich ist. Es erinnert an den Grund, warum Pollock überhaupt abstrakt zu malen begann – um zum Kern seines Unterbewusstseins vorzudringen. An manchen Stellen haben die oberen Schichten von „Convergence“ die Unterschichten zu einem öligen Durcheinander verschmelzen lassen; traditionelle Pinselstriche verbergen sich unter Bereichen, die gegossen und verschmiert wurden, und verschmelzen mit Bereichen, die gespritzt und getropft sind. Das Durcheinander aus Texturen und Techniken deutet auf einen Geist voller Verwirrung, Frustration und sogar Wut hin, während die Gegenwart buchstäblich um Aufmerksamkeit mit der Vergangenheit konkurriert. Rückblickend auf sein spätes Werk ist „Convergence“ auch eines der letzten Tropfbilder, die Pollock malte, bevor er seinen Stil vollständig änderte. Jeder Zentimeter des Gemäldes erzählt die Geschichte von Jackson Pollock im Jahr 1952.

Abgebildetes Bild: Jackson Pollock – Convergence, 1952. Öl auf Leinwand. Träger: 93 1/2 x 155 Zoll (237,49 x 393,7 cm); gerahmt: 95 1/4 x 157 1/8 x 3 Zoll (241,94 x 399,1 x 7,62 cm). Sammlung Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York. Geschenk von Seymour H. Knox, Jr., 1956. K1956:7. © Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Foto nur zu Illustrationszwecken verwendet
Von Phillip Barcio