Was ist gestische Abstraktion in der Malerei?

Der Ausdruck gestische Abstraktion bezeichnet eine Art, Kunst zu schaffen. Es ist ein Prozess, keine Bewegung. Bei einem abstrakten gestischen Gemälde geht es nicht darum, was gemalt wird. Es geht darum, wie es gemalt wird. Anstatt Farbe kontrolliert und überlegt auf eine Oberfläche aufzutragen, tragen gestische Maler die Farbe intuitiv und körperlich auf, indem sie tropfen, gießen, spritzen, wischen, kippen, sprühen oder auf andere Weise vorgehen. Die Art der Farbe spielt keine Rolle, ebenso wenig wie das, was neben der Farbe sonst noch auf der Oberfläche landet. Wichtig sind Körperlichkeit, Ehrlichkeit, Intuition und tiefer persönlicher Ausdruck. Abstrakte gestische Maler erforschen ihre tiefsten Gefühle, ihre ursprünglichen Realitäten und drücken diesen Teil von sich selbst während des körperlichen Aktes des Malens aus. Das Gemälde selbst ist ein Relikt der Handlung; es ist eine Aufzeichnung der ausgeführten Gesten; es ist das ästhetische Überbleibsel von etwas Ernstem, Intuitivem, Eigenwilligem und Freiem.

Die Wurzeln der gestischen Abstraktion

Kreativität ist von Natur aus optimistisch. Dass ein Künstler bestrebt ist, ein originelles Werk zu schaffen, setzt den Glauben an den Wert individueller menschlicher Beiträge voraus. Die gestische Abstraktion entstand in einer Zeit, in der sowohl Originalität als auch Optimismus belastet waren. In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts führten eine Reihe von Revolutionen, Wirtschaftskrisen, Hungersnöten und Kriegen die Welt an den Rand des sozialen Zusammenbruchs. Mitte der 1940er Jahre verfügten mehrere Nationen über Waffen, die mächtig genug waren, um die menschliche Zivilisation zu beenden. Angesichts der Aussicht, dass das Leben nicht heilig sei, ergriff eine existenzielle Krise die kollektive Kultur.

Gleichzeitig hatten mehrere Jahrzehnte intensiver Experimente in den Künsten die Originalität erschwert. Doch einige Künstler entdeckten, dass die Lösung für beide Herausforderungen dieselbe war: sich nach innen zu wenden, zu ihrem Unterbewusstsein. Dort konnten sie sich auf einzigartige, persönliche und somit originelle Weise mit ihrer existenziellen Angst verbinden. Um diese innere Wahrheit zu vermitteln, entwickelten sie Techniken, die es ihnen erlaubten, ungehindert zu malen, um ihre Instinkte nicht zu stören. Sie gaben das Sujet auf. Ihr Thema war der Akt des Malens selbst. Wie der Kunstkritiker Harold Rosenberg es ausdrückte: „Zu einem bestimmten Zeitpunkt begann die Leinwand für einen amerikanischen Maler nach dem anderen als eine Arena zu erscheinen, in der gehandelt wird – und nicht als ein Raum, in dem ein Objekt, real oder vorgestellt, reproduziert, neu gestaltet, analysiert oder ausgedrückt wird. Was auf die Leinwand kommen sollte, war kein Bild, sondern ein Ereignis.“

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Öl- und Metallfarbe auf Leinwand. 6' 3 7/8" x 58" (192,7 x 147,3 cm). MoMA Sammlung. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Links) und Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Emaille und Öl auf Leinwand. 152,4 x 121,6 cm. Privatsammlung. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Rechts)

Pioniere der gestischen Abstraktion

Jackson Pollock ist der bekannteste abstrakte gestische Maler. 1936 nahm Pollock an einem Workshop teil, der vom berühmten mexikanischen Wandmaler David Alfaro Siqueiros in New York City geleitet wurde. Siqueiros ermutigte junge Künstler, ungewöhnliche Materialien und neue Techniken wie das Werfen und Tropfen von Farbe zu verwenden, um die moderne Zeit auszudrücken. Pollock baute im folgenden Jahrzehnt auf diesem Rat auf. Er erforschte das automatische Zeichnen und entwickelte gestische Techniken, bei denen Farbe aufgetragen wurde, ohne die Oberfläche der Leinwand zu berühren. Er erreichte einen kontrollierten Zustand der Zusammenarbeit zwischen seinen inneren Gefühlen, seinen Gesten, seinem Material und seiner Oberfläche und schuf die ikonische Ästhetik, die heute mit der gestischen Abstraktion verbunden ist.

Andere gestische Maler wie Willem de Kooning, Lee Krasner und Franz Kline nutzten weiterhin traditionelle Werkzeuge wie Pinsel und hielten auch weiterhin physischen Kontakt mit der Leinwand, während sie dennoch dramatische, intuitive, körperliche Gesten in ihre Werke einfließen ließen. Diese Künstler entwickelten persönliche Bildsprachen, die auf der Rohheit und Unmittelbarkeit ihrer Spuren basierten. Durch ihre gestischen Pinselstriche vermittelten sie das Drama ihrer emotionalen Zustände und die Intensität ihrer körperlichen Bewegungen.

Jackson Pollock - Nummer 32, 1950. Emaille auf Leinwand. 457,5 x 269 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Deutschland. © The Pollock-Krasner Foundation

Zeitgenössische gestische Malerei

Heute bauen viele Maler die Tradition der gestischen Malerei weiter aus. Joanne Freeman nutzt gestische Techniken, um ihre reduktiven, hartkantigen Abstraktionen zu schaffen und stellt die direkte Körperlichkeit ihres Prozesses in den Vordergrund ihrer Bildsprache. Margaret Neill bezieht sich in ihren gestischen Gemälden auf Lyrische Abstraktion. Ihr Prozess umfasst das intuitive Setzen von Zeichen in verschiedenen Materialien wie Graphit, Farbstift und Farbe, was zu vielschichtigen, räumlichen Kompositionen aus gewundenen, gestischen Linien führt. Francine Tint ist eine führende Vertreterin der zeitgenössischen abstrakten expressionistischen gestischen Malerei. Sie hat die gestische Abstraktion im Laufe ihrer Karriere kontinuierlich vorangetrieben und für diese Generation aktualisiert.

Unabhängig von Moden erforschen diese und viele andere Künstler die gestische Abstraktion, weil sie eine ernsthafte, ehrliche und eindringliche Art ist, sich auszudrücken. Sie verstehen, dass, obwohl die mit diesem Kunstschaffensprozess verbundenen Techniken mal in und mal aus der Mode kommen mögen, seine ästhetische Anziehungskraft immer stark bleiben wird, wegen der innewohnenden emotionalen Tiefe und Kraft, die es sowohl für Künstler als auch für Betrachter vermittelt.

Francine Tint - Männliche Muse, 2016. Acryl auf Leinwand. © Francine Tint

Titelbild: Lee Krasner - Nachtgeschöpfe, 1965. Acryl auf Papier. 30 x 42 1/2 Zoll (76,2 x 108 cm). Geschenk von Robert und Sarah W. Miller, zu Ehren von Lee Krasner, 1995. 1995.595. Die Sammlung des Metropolitan Museum of Art. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Bracio