Was ist gestische Abstraktion in der Malerei?

Der Ausdruck gestische Abstraktion bezieht sich auf eine Art, Kunst zu schaffen. Es ist ein Prozess, keine Bewegung. Bei einem abstrakten gestischen Gemälde geht es nicht darum, was gemalt wird. Es geht darum, wie es gemalt wird. Anstatt Farbe kontrolliert und überlegt auf eine Oberfläche aufzutragen, wenden gestische Maler Farbe intuitiv, physisch an, indem sie tropfen, gießen, spritzen, wischen, schütten, sprühen oder was auch immer. Die Art der Farbe spielt keine Rolle, noch spielt es eine Rolle, was außer Farbe noch auf der Oberfläche landet. Was zählt, sind Körperlichkeit, Ehrlichkeit, Intuition und tiefe persönliche Ausdrucksweise. Abstrakte gestische Maler erkunden ihre tiefsten Emotionen, ihre urtümlichen Realitäten, und sie drücken diesen Teil von sich während des physischen Aktes des Malens aus. Das Gemälde selbst ist ein Relikt der Handlung; es ist eine Aufzeichnung der gemachten Gesten; es ist das ästhetische Überbleibsel von etwas Ernsthaftem, Intuitivem, Eigenwilligem und Freiem.

Die Wurzeln der gesturalen Abstraktion

Kreativität ist von Natur aus optimistisch. Dass ein Künstler danach strebt, ein originales Werk zu schaffen, impliziert einen Glauben an den Wert individueller menschlicher Beiträge. Die gestische Abstraktion entstand zu einer Zeit, als sowohl Originalität als auch Optimismus angespannt waren. In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts führten eine Reihe von Revolutionen, Depressionen, Hungersnöten und Kriegen die Welt an den Rand des sozialen Zusammenbruchs. Mitte der 1940er Jahre besaßen mehrere Nationen Waffen, die mächtig genug waren, um die menschliche Zivilisation zu beenden. Angesichts der Aussicht, dass das Leben nicht heilig war, ergriff eine existenzielle Krise die kollektive Kultur.

Gleichzeitig hatte jahrzehntelange intensive Experimente in den Künsten die Originalität herausfordernd gemacht. Aber mehrere Künstler entdeckten, dass die Lösung für beide Herausforderungen dieselbe war: nach innen zu gehen, zu ihrem Unterbewusstsein. Dort konnten sie sich auf einzigartige persönliche und damit originelle Weise mit ihrer existenziellen Angst verbinden. Um diese innere Wahrheit zu vermitteln, entwickelten sie Techniken, die es ihnen ermöglichten, ungehindert zu malen, um nicht in ihre Instinkte einzugreifen. Sie gaben das Sujet auf. Ihr Sujet war der Akt des Malens selbst. Wie der Kunstkritiker Harold Rosenberg es ausdrückte: „In einem bestimmten Moment begann die Leinwand für einen amerikanischen Maler nach dem anderen als eine Arena zu erscheinen, in der man handelt – anstatt als ein Raum, in dem man ein Objekt, real oder imaginiert, reproduzieren, neu gestalten, analysieren oder ausdrücken kann. Was auf die Leinwand kommen sollte, war kein Bild, sondern ein Ereignis.”

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Öl und metallische Farbe auf Leinwand. 6' 3 7/8" x 58" (192,7 x 147,3 cm). MoMA Sammlung. © 2019 Die Willem de Kooning Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York (Links) und Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Emaille und Öl auf Leinwand. 152,4 x 121,6 cm. Private Sammlung. © 2019 Die Willem de Kooning Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York (Rechts)

Pioniere der gesturalen Abstraktion

Jackson Pollock ist der berühmteste abstrakte gestische Maler. 1936 nahm Pollock an einem Workshop teil, der von dem berühmten mexikanischen Wandmaler David Alfaro Siqueiros in New York City geleitet wurde. Siqueiros ermutigte junge Künstler, ungewöhnliche Medien und neue Techniken wie das Werfen und Tropfen von Farbe zu verwenden, um die moderne Ära auszudrücken. Pollock baute in den folgenden zehn Jahren auf diesem Rat auf. Er erforschte automatisches Zeichnen und entwickelte gestische Techniken, um Farbe aufzutragen, ohne die Oberfläche der Leinwand zu berühren. Er erreichte einen kontrollierten Zustand der Zusammenarbeit zwischen seinen inneren Emotionen, seinen Gesten, seinem Medium und seiner Oberfläche und schuf die ikonische Ästhetik, die jetzt mit gestischer Abstraktion assoziiert wird.

Andere gestische Malereien wie Willem de Kooning, Lee Krasner und Franz Kline nutzten weiterhin traditionelle Werkzeuge wie Pinsel und hatten auch weiterhin physischen Kontakt mit der Leinwand, während sie dennoch dramatische, intuitive, physische Gesten in ihre Werke einfließen ließen. Diese Künstler entwickelten persönliche visuelle Sprachen, die auf der Rohheit und Unmittelbarkeit ihrer Striche basierten. Durch ihre gestischen Pinselstriche vermittelten sie das Drama ihrer emotionalen Zustände und die Intensität ihrer physischen Bewegungen.

Jackson Pollock - Nummer 32, 1950. Emaille auf Leinwand. 457,5 x 269 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Deutschland. © Die Pollock-Krasner-Stiftung

Zeitgenössische gestische Malerei

Heute erweitern viele Maler die Tradition der gesturalen Malerei. Joanne Freeman nutzt gesturalen Techniken, um ihre reduktiven, hard-edge Abstraktionen zu schaffen und bringt die direkte Körperlichkeit ihres Prozesses in den Vordergrund ihrer visuellen Sprache. Margaret Neill verweist in ihren gesturalen Gemälden auf lyrische Abstraktion. Ihr Prozess besteht darin, intuitive Striche in verschiedenen Medien wie Graphit, Buntstift und Farbe zu machen, was zu geschichteten, dimensionalen Kompositionen von gewundenen, gesturalen Linien führt. Francine Tint ist eine führende Persönlichkeit unter den zeitgenössischen gesturalen Malern des Abstrakten Expressionismus. Sie hat die gesturalen Abstraktionen während ihrer gesamten Karriere kontinuierlich vorangetrieben und sie für diese Generation aktualisiert.

Unabhängig von Trends erkunden diese und viele andere Künstler die gestische Abstraktion, weil sie eine aufrichtige, ehrliche und eindringliche Art ist, sich auszudrücken. Sie verstehen, dass die mit diesem Kunstschaffungsprozess verbundenen Techniken zwar im Trend kommen und gehen können, die ästhetische Anziehungskraft jedoch immer stark bleiben wird, aufgrund der inhärenten emotionalen Tiefe und Kraft, die sie sowohl für Künstler als auch für Betrachter vermittelt.

Francine Tint - Männlicher Muse, 2016. Acryl auf Leinwand. © Francine Tint

Vorschaubild: Lee Krasner - Nachtgeschöpfe, 1965. Acryl auf Papier. 30 x 42 1/2 Zoll (76,2 x 108 cm). Geschenk von Robert und Sarah W. Miller, zu Ehren von Lee Krasner, 1995. 1995.595. Sammlung des Metropolitan Museum of Art. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Bracio