Hartkantige Malerei und die Ästhetik der abstrakten Ordnung

Möchten Sie in ein Hard-Edge-Gemälde hineinklettern? Wenn Sie das nächste Mal in Las Vegas sind, gehen Sie zum Cosmopolitan Hotel und Casino. Auf Straßenniveau befindet sich ein Starbucks-Café. Gehen Sie hinein und schauen Sie an die Wände. Sie werden helle Flecken in Primärfarben auf verschiedenen Flächen und Einrichtungsgegenständen bemerken. An einer der Wände sehen Sie die Unterschrift des Mannes, der diese Farbflecken gemalt hat: den französischen Künstler und Fotografen Georges Rousse.

Wenn Sie bis zum hinteren Ende des Raumes gehen, sehen Sie eine Markierung auf dem Boden, die die Betrachter einlädt, darauf zu stehen. Von genau diesem einen Punkt aus, und nur von diesem Punkt, wird Rousses Vision erfüllt. Diese bemalten Flächen sind Teil einer Täuschung, einer dreidimensionalen Umsetzung eines geometrischen abstrakten Gemäldes, das architektonischen Raum einnimmt.

John McLaughlin - Ohne Titel, 1951, Öl auf Masonit, 60,3 × 70,5 cm, Mit freundlicher Genehmigung von Van Doren Waxter

Was ist Hard-Edge-Malerei?

Der Begriff Hard-Edge-Malerei wurde Ende der 1950er Jahre von Jules Langsner geprägt, einem Kunstschriftsteller der Zeitung Los Angeles Times. Der Begriff bezog sich auf eine alte Tendenz, die in verschiedenen abstrakten Kunststilen wieder aufzutauchen begann, aber besonders in Kalifornien zu dieser Zeit verbreitet war. Diese Tendenz beinhaltete die Verwendung geometrischer Formen, die in kräftigen, reinen Farben gemalt und durch harte, klare Kanten deutlich voneinander getrennt waren. Zwei der führenden Hard-Edge-Maler, auf die Langsner sich bei der Prägung des Begriffs bezog, waren John McLaughlin und Helen Lundeberg.

Diese Art der Malerei gab es schon seit Jahrhunderten und sie zeigte sich in vielen verschiedenen Kulturen. Selbst im Bereich der westlichen abstrakten Kunst war diese Tendenz, mit kräftigen Farben, klar definierten Formen und harten Kanten zu arbeiten, schon früher aufgetaucht, zum Beispiel in den Werken von Kazimir Malevich und Piet Mondrian.

Die Ästhetik der Hard-Edge-Malerei war in den 1940er und 50er Jahren aus der Mode gekommen, teilweise wegen des Aufstiegs der emotionalen, gestischen Arbeiten der Abstrakten Expressionisten. Im zeitgenössischen Sinne bezieht sich der Begriff Hard-Edge-Malerei nicht so sehr auf einen bestimmten Stil oder eine Bewegung in der Malerei, sondern eher auf eine Tendenz, die moderne Künstler in vielen verschiedenen Stilen angewandt haben und weiterhin anwenden.

Helen Lundeberg - Blauer Planet, 1965, Acryl auf Leinwand, 152 x 152 cm, Die Marilynn und Carl Thoma Sammlung. © Feitelson Arts Foundation, mit freundlicher Genehmigung von Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Rotes Quadrat, 1915, Öl auf Leinwand, 53 × 53 cm, Russisches Museum, Sankt Petersburg

Die Philosophie der Schönheit

Für viele Menschen ist eines der verwirrendsten Elemente der abstrakten Kunst, dass sie keiner objektiven Definition von Schönheit entspricht. Zumindest in der westlichen Welt wurde ästhetische Schönheit in der Malerei über Jahrhunderte hinweg durch natürliche und gegenständliche Motive definiert, wie Porträts und Landschaften. Vor dem Aufstieg der Abstraktion wurde von einem Kunstwerk erwartet, dass es etwas Schönes aus der objektiven Welt wiedergibt, wie einen Engel, eine historische Figur oder eine Wiese, um als ästhetisch schön zu gelten.

Als Künstler begannen, die Elemente der Malerei zu zerlegen, stellten sie das Konzept dessen, was schön sein kann, infrage. Können die Eigenschaften des Lichts allein als schön gelten? Die Impressionisten dachten ja. Kann Farbe allein als ästhetisch schön gelten? Die Orphisten dachten ja. Viele Künstler und Kunstbewegungen haben seitdem sogar die Frage aufgeworfen, ob ästhetische Schönheit überhaupt relevant ist. Sollte Kunst etwas mit Schönheit zu tun haben?

Piet Mondrian - Komposition II in Rot, Blau und Gelb, 1930, Öl auf Leinwand, 46 x 46 cm, The Metropolitan Museum of Art

Die Schönheit der Ordnung

Unabhängig von den philosophischen Spielchen, die Künstler, Kritiker und Akademiker miteinander treiben, ist die Tatsache, dass Schönheit für Betrachter wichtig ist. Kunstbetrachter möchten sich in der Nähe von Gegenständen aufhalten, die ihnen ein gutes Gefühl geben. Sie wollen, dass Kunst sie auf ihrer Suche nach Zufriedenheit begleitet, was auch immer das für sie bedeutet. Selbst wenn jeder Kunstkritiker der Welt ein bestimmtes Gemälde als von großer historischer Bedeutung ansieht, verliert es seinen Wert zu Recht, wenn niemand es sehen möchte. Die grundlegende Wahrheit, dass Menschen sich gerne mit ästhetisch ansprechenden Dingen umgeben, ist etwas, womit viele abstrakte Kunstbewegungen gerungen haben, und es ist etwas, das die Hard-Edge-Malerei vielen Betrachtern geholfen hat, sich damit auseinanderzusetzen.

Es gibt Schönheit in der Ordnung. Es gibt Schönheit in der Vernunft. Es gibt Schönheit in der Farbe. Es gibt Schönheit in der Linie. Es gibt Schönheit in etwas, das rein, unberührt, sauber und vernünftig ist. Während viele Betrachter auch heute noch Schwierigkeiten haben, die Schönheit kubistischer Werke oder der abstrakten Gemälde von Wassily Kandinsky auf den ersten Blick zu erkennen, ist es unbestreitbar, dass es etwas Anziehendes oder zumindest psychologisch Befriedigendes an Gemälden gibt, die unser Verlangen nach Struktur ansprechen. Die harte, geometrische Abstraktion von Malevichs suprematistischen Gemälden und Mondrians De-Stijl-Gemälden ist schön, weil sie ein ästhetisches Gegenmittel zum Chaos darstellt.

Jackson Pollock - Blue Poles, oder Nummer 11, 1952, Email- und Aluminiumfarbe mit Glas auf Leinwand, 212 × 489 cm, National Gallery of Australia, Canberra

Eine Frage des Geschmacks

Natürlich soll das nicht heißen, dass andere Arten abstrakter Kunst nicht schön sind. Schönheit ist eine Frage des Geschmacks. Zum Beispiel haben verschiedene Betrachter eine unterschiedliche Fähigkeit, Komplexitäten zu entschlüsseln. Was für die einen wie Chaos aussieht, erscheint für andere idyllisch. Offensichtlich ist der Grund, warum Aktionsmaler wie Jackson Pollock und Willem de Kooning so erfolgreich waren, dass viele Betrachter ihre Werke zugänglich, nachvollziehbar und schön fanden. Obwohl sicherlich einige Betrachter ein Gemälde wie Pollocks Blue Poles als Durcheinander ansehen, betrachten viel mehr es als Ausdruck menschlicher Universalien und ursprünglicher persönlicher Wahrheit.

Der Grund, warum die Hard-Edge-Malerei in den 1950er Jahren wieder in Mode kam, liegt vielleicht darin, dass der Abstrakte Expressionismus einfach so emotional war. Er war schließlich aus den gewalttätigsten, katastrophalsten und furchterregendsten Zeiten der Menschheitsgeschichte hervorgegangen, nach dem Zweiten Weltkrieg und dem Aufstieg der Atomwaffen. Es ist verständlich, dass Betrachter, die Tag für Tag in den Abendnachrichten mit ihrer eigenen Auslöschung konfrontiert wurden, sich schließlich nach etwas sehnten, das mehr zu innerer Ruhe und Ordnung beiträgt.

Die Hard-Edge-Malerei der 1950er und 60er Jahre bot genau das. Sie bot eine Rückkehr zu den formalen, klassischen Qualitäten der geometrischen Abstraktion. Anstatt sich dem Schrecken unserer Psyche und dem Chaos unserer Urgefühle zuzuwenden, bot die Hard-Edge-Abstraktion Zuflucht in einem nachdenklichen, meditativen Raum, in dem Form, Farbe, Linie und Oberfläche alles waren, was zählte. Dort konnten wir über die grundlegenden Bausteine der Dinge meditieren und uns vielleicht zumindest vorübergehend in etwas anderes verwandeln.

Donald Judd - 15 unbetitelte Werke in Beton, 1980-1984, Marfa, TX, Die Chinati Stiftung, Marfa

Minimalismus und mehr

Die Rückkehr zur formalen, Hard-Edge-Ästhetik half, eine massive kreative Entwicklung in der abstrakten Kunst Mitte des 20. Jahrhunderts anzustoßen. Sie inspirierte den Aufstieg der Farbflächenmaler, wie Kenneth Noland, die flache Flächen und große Farbflächen nutzten, um meditative Gemälde zu schaffen, durch die Betrachter transzendente Empfindungen erleben konnten. Sie inspirierte die Post-Painterly-Abstraktion, eine Bewegung, die sich der Verbergung der Künstlerhand und der Hervorhebung formaler Qualitäten wie Farbe, Linie, Form und Oberfläche widmete. Sie half auch, das Denken von Künstlern wie Donald Judd und denen, die mit dem Minimalismus verbunden sind, zu prägen, die den Höhepunkt unemotionaler Ausdruckskraft durch die Annahme ästhetischen Formalismus erreichten.

James Turrell - Raethro Pink (Eckprojektion), 1968, © James Turrel

Ein größeres Erbe

Die Hard-Edge-Malerei inspirierte auch die Künstler der Licht- und Raumbewegung. Jeder, der jemals in einem immersiven Werk von James Turrell war oder eines seiner Werke gesehen hat, das „Blenden“ verwendet, harte Kantenlöcher in Flächen, durch die Licht fällt, kann die Verbindung zwischen dieser Arbeit und der Hard-Edge-Malerei klar erkennen.

Sogar der Installationskünstler James Irwin wird durch seine Lichtarbeiten mit dem Erbe der Hard-Edge-Maler in Verbindung gebracht. Die bekanntesten Beispiele sind Irwins Acryl-Installationen, bei denen ein klarer, gebogener, kreisförmiger Acrylblock von einer Wand herausragt und mit Licht bestrahlt wird, wodurch Linien, geometrische Muster und ein Spiel von Licht und Schatten auf der umgebenden Fläche entstehen. Diese Werke erweitern die Prinzipien der Hard-Edge-Malerei in den dreidimensionalen Raum und ermöglichen es dem Betrachter, sie zu betreten.

Robert Irwin - Ohne Titel, 1969, Acrylfarbe auf gegossenem Acryl, 137 cm Durchmesser, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York  

Eine Frage der Perspektive

Ob Hard-Edge-Malerei schöner ist als emotionalere Malstile oder umgekehrt, ist rein eine Frage der Meinung. Und Meinungen ändern sich. Zurück zu jenem Starbucks in Las Vegas: Dort sehen wir die wahre Essenz der Botschaft, die Georges Rousse mit seiner Arbeit vielleicht vermitteln möchte. Ein Hard-Edge-Gemälde einer geometrischen Form kann uns Ordnung und Klarheit geben. Aber nicht jeder findet Glückseligkeit in Ordnung und Klarheit. Manche von uns mögen es, wenn Dinge ungeordnet sind. Manche genießen das Chaos. Die wahre Schönheit von Rousses Hard-Edge-Werken liegt darin, dass mit einem einfachen Schritt in jede Richtung die Kanten weich werden und sich verschieben. Sie beweisen, dass Perspektive wirklich alles ist.

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio