Hartkantige Malerei und die Ästhetik der abstrakten Ordnung

Möchten Sie in ein Hard-Edge-Gemälde klettern? Das nächste Mal, wenn Sie in Las Vegas sind, gehen Sie ins Cosmopolitan Hotel und Casino. Auf Straßenniveau gibt es ein Starbucks-Café. Gehen Sie hinein und schauen Sie nach oben zu den Wänden. Sie werden leuchtende Flecken in Primärfarben auf verschiedenen Oberflächen und Einrichtungsgegenständen bemerken. An einer der Wände sehen Sie die Unterschrift des Mannes, der diese Farbflecken gemalt hat: der französische Künstler und Fotograf Georges Rousse.

"Wenn Sie zum anderen Ende des Raumes gehen, sehen Sie einen auf dem Boden markierten Punkt, der die Zuschauer einlädt, darauf zu stehen. Nur von diesem einen Punkt aus wird Rousses Vision erfüllt. Diese bemalten Flächen sind Teil einer Illusion, einer dreidimensionalen Verwirklichung eines geometrischen abstrakten Gemäldes, das architektonischen Raum einnimmt."

John McLaughlin - Untitled, 1951, Öl auf Masonit, 23 ¾ × 27 ¾ Zoll, Mit freundlicher Genehmigung von Van Doren Waxter

Was ist Hard-Edge-Malerei?

Der Begriff Hard-Edge-Malerei wurde Ende der 1950er Jahre von Jules Langsner, einem Kunstschriftsteller der Los Angeles Times, geprägt. Der Begriff bezog sich auf eine alte Tendenz, die begann, in einer Vielzahl von verschiedenen abstrakten Kunststilen wieder aufzutauchen, aber zu dieser Zeit besonders in Kalifornien verbreitet war. Die Tendenz beinhaltete die Verwendung von geometrischen Formen, die in kräftigen, vollen Farben gemalt wurden, die klar durch harte, solide Kanten voneinander getrennt waren. Zwei der führenden Hard-Edge-Maler, auf die sich Langsner bezog, als er den Begriff prägte, waren John McLaughlin und Helen Lundeberg.

Diese Art der Malerei wurde seit Jahrhunderten praktiziert und hat sich in vielen verschiedenen Kulturen bemerkbar gemacht. Selbst im Bereich der westlichen abstrakten Kunst ist diese Tendenz, mit kräftigen Farben, klar definierten Formen und harten Kanten zu arbeiten, bereits zuvor aufgetaucht, zum Beispiel in den Werken von Kazimir Malevich und Piet Mondrian.

Die Ästhetik der Hard-Edge-Malerei war in den 1940er und 50er Jahren aus der Mode gekommen, teilweise dank des Anstiegs der Popularität der emotionalen, gestischen Arbeiten, die von den Abstrakten Expressionisten geschaffen wurden. In der zeitgenössischen Bedeutung bezieht sich der Begriff Hard-Edge-Malerei nicht so sehr auf einen bestimmten Stil oder eine Bewegung in der Malerei, sondern vielmehr auf eine Tendenz, die moderne Künstler in vielen verschiedenen Stilen angewendet haben und weiterhin anwenden, um ihre Ästhetik zu gestalten.

Helen Lundeberg - Blaue Planet, 1965, Acryl auf Leinwand, 60 x 60 Zoll, Die Marilynn und Carl Thoma Sammlung. © Feitelson Arts Foundation, mit freundlicher Genehmigung von Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Roter Platz, 1915, Öl auf Leinwand, 21 × 21 Zoll, Russisches Museum, Sankt Petersburg

Die Philosophie der Schönheit

Für viele Menschen ist eines der verwirrendsten Elemente der abstrakten Kunst, dass sie nicht an eine objektive Definition von Schönheit appelliert. Zumindest in der westlichen Welt wurde jahrhundertelang ästhetische Schönheit in der Malerei durch natürliche und figurative Motive definiert, wie Porträts und Landschaften. Vor dem Aufstieg der Abstraktion wurde von einem Kunstwerk, das als ästhetisch schön angesehen werden sollte, normalerweise erwartet, dass es etwas repliziert, das in der objektiven Welt als schön gilt, wie einen Engel, eine historische Figur oder eine Wiese.

Als Künstler begannen, die Elemente dessen, was Malerei war, zu zerlegen, stellten sie das Konzept in Frage, was schön sein könnte. Könnten die Qualitäten des Lichts für sich genommen als schön betrachtet werden? Die Impressionisten dachten ja. Könnte Farbe für sich genommen als ästhetisch schön betrachtet werden? Die Orphisten dachten ja. Viele Künstler und Kunstbewegungen haben seitdem sogar die Vorstellung in Frage gestellt, ob ästhetische Schönheit überhaupt relevant ist. Sollte Kunst etwas mit Schönheit zu tun haben?

Piet Mondrian - Komposition II in Rot, Blau und Gelb, 1930, Öl auf Leinwand, 46 x 46 cm, Das Metropolitan Museum of Art

Die Schönheit der Ordnung

Unabhängig von den philosophischen Spielen, die Künstler, Kritiker und Akademiker miteinander spielen, ist die Tatsache, dass Schönheit für die Betrachter von Bedeutung ist. Kunstbetrachter möchten in der Nähe von Objekten sein, die ihnen ein gutes Gefühl geben. Sie möchten, dass Kunst an ihrer Suche nach Zufriedenheit teilnimmt, was auch immer das für sie bedeutet. Selbst wenn jeder Kunstkritiker der Welt ein bestimmtes Gemälde als von immensem historischem Wert erachtet, sinkt sein Wert zu Recht, wenn keine Betrachter in seiner Nähe sein möchten. Die grundlegende Wahrheit, dass Menschen gerne in der Nähe ästhetisch ansprechender Dinge sind, ist etwas, mit dem viele abstrakte Kunstbewegungen gekämpft haben, und es ist etwas, das die harte Malerei vielen Betrachtern geholfen hat, zu konfrontieren.

Es gibt Schönheit in Ordnung. Es gibt Schönheit in Rationalität. Es gibt Schönheit in Farbe. Es gibt Schönheit in Linie. Es gibt Schönheit in etwas, das makellos, unberührt, sauber und sinnvoll ist. Während viele Betrachter selbst heute Schwierigkeiten haben, die Schönheit von kubistischen Werken oder den abstrakten Gemälden von Wassily Kandinsky auf den ersten Blick zu erkennen, ist es unbestreitbar, dass es etwas Anziehendes oder zumindest psychologisch Befriedigendes an Gemälden gibt, die unser Verlangen nach Struktur ansprechen. Die harte geometrische Abstraktion von Malevichs Suprematistischen Gemälden und Mondrians De Stijl-Gemälden ist schön, weil sie ein ästhetisches Gegenmittel zur Chaos ist.

Jackson Pollock - Blue Poles, oder Nummer 11, 1952, Emaille- und Aluminiumfarbe mit Glas auf Leinwand, 83,5 in × 192,5 in, National Gallery of Australia, Canberra

Eine Frage des Geschmacks

Natürlich soll das nicht heißen, dass andere Arten von abstrakter Kunst nicht schön sind. Schönheit ist eine Frage des Geschmacks. Zum Beispiel haben verschiedene Betrachter eine unterschiedliche Fähigkeit, Komplexitäten zu entschlüsseln. Was für die eine Augenpaar wie Chaos aussieht, erscheint einem anderen idyllisch. Offensichtlich ist der Grund, warum Aktionsmaler wie Jackson Pollock und Willem de Kooning so erfolgreich waren, dass so viele Betrachter ihre Arbeiten zugänglich, nachvollziehbar und schön fanden. Obwohl sicherlich einige Betrachter ein Gemälde wie Pollocks Blue Poles als ein Durcheinander betrachten, halten es weit mehr Betrachter für einen Ausdruck menschlicher Universalien und primitiver persönlicher Wahrheit.

Der Grund, warum die Hard-Edge-Malerei in den 1950er Jahren wieder in Mode kam, liegt vielleicht darin, dass der Abstract Expressionismus einfach so emotional war. Er war schließlich aus den gewalttätigsten, katastrophalsten und angsteinflößendsten Zeiten in der Geschichte der Menschheit hervorgegangen, nach dem Zweiten Weltkrieg und dem Aufstieg der Atomkriegsführung. Es ist nachvollziehbar, dass Zuschauer, die Tag für Tag in den Nachrichten mit ihrer eigenen Auslöschung konfrontiert wurden, schließlich den Wunsch verspürten, zu etwas zurückzukehren, das mehr zu einem Gefühl der inneren Ruhe und einer gewissen Ordnung beiträgt.

Die Hard-Edge-Malerei der 1950er und 60er Jahre bot genau das. Sie bot eine Rückkehr zu den formalen, klassischen Qualitäten der geometrischen Abstraktion. Anstatt den Schrecken unserer Psychen und das Chaos, das in unseren primären Emotionen innewohnt, zu betrachten, bot die Hard-Edge-Abstraktion uns Zuflucht in einem kontemplativen, meditativen Raum, in dem Form, Farbe, Linie und Oberfläche alles waren, was zählte. Dort konnten wir über die grundlegenden Bausteine der Dinge meditieren und uns vielleicht, zumindest vorübergehend, in etwas anderes verwandeln.

Donald Judd - 15 unbetitelte Arbeiten in Beton, 1980-1984, Marfa, TX, Die Chinati-Stiftung, Marfa

Minimalismus und mehr

Die Rückkehr zu formalen, klaren Ästhetiken half, eine massive kreative Evolution in der abstrakten Kunst in der Mitte des 20. Jahrhunderts zu inspirieren. Sie inspirierte den Aufstieg der Color Field-Maler, wie Kenneth Noland, die abgeflachte Oberflächen und große Farbflächen verwendeten, um meditative Gemälde zu schaffen, durch die die Betrachter transzendente Empfindungen erleben konnten. Sie inspirierte die Post-Painterly Abstraktion, eine Bewegung, die sich der Verschleierung der Hand des Künstlers widmete und formalistische Qualitäten wie Farbe, Linie, Form und Oberfläche hervorhob. Sie half auch, das Denken von Künstlern wie Donald Judd und jenen, die mit Minimalismus assoziiert sind, zu inspirieren, die den Höhepunkt der unemotionalen Ausdrucksweise erreichten, indem sie den ästhetischen Formalismus umarmten.

James Turrell - Raethro Pink (Eckprojektion), 1968, © James Turrell

Ein größeres Erbe

Die Hard-Edge-Malerei inspirierte auch die Künstler der Light-and-Space-Bewegung. Jeder, der jemals in einem immersiven Werk von James Turrell war oder eines seiner Werke erlebt hat, das "Aperturen" nutzt, harte Löcher, die in Oberflächen geschnitten sind und Licht durchlassen, kann den Zusammenhang zwischen diesem Werk und der Hard-Edge-Malerei deutlich erkennen.

Selbst der Installationskünstler James Irwin wurde mit dem Erbe der Hard-Edge-Maler durch seine Lichtarbeiten in Verbindung gebracht. Die bekanntesten Beispiele sind Irwins Acrylinstallationen, bei denen ein klares, gebogenes, kreisförmiges Stück Acryl von einer Wand nach außen verlängert und dann mit Licht bestrahlt wird, wodurch Linien, geometrische Muster und ein Zusammenspiel von Licht und Schatten auf der umgebenden Fläche entstehen. Diese Werke erweitern die Prinzipien der Hard-Edge-Malerei in den dreidimensionalen Raum und ermöglichen es dem Betrachter, sie zu bewohnen.

Robert Irwin - Untitled, 1969, Acrylfarbe auf gegossenem Acryl, 137 cm Durchmesser, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York  

Eine Frage der Perspektive

Ob Hard-Edge-Malerei schöner ist als emotionalere Malstile oder umgekehrt, ist rein eine Frage der Meinung. Und Meinungen ändern sich. Wenn wir zu diesem Starbucks in Las Vegas zurückkehren, können wir sehen, dass das die wahre Essenz der Botschaft ist, die Georges Rousse mit seiner Arbeit vermitteln möchte. Ein Hard-Edge-Gemälde einer geometrischen Form kann uns Ordnung und Klarheit geben. Aber nicht jeder findet Glück in Ordnung und Klarheit. Einige von uns mögen es, wenn die Dinge chaotisch sind. Einige von uns genießen das Chaos. Die wahre Schönheit von Rousses Hard-Edge-Werken liegt darin, dass sich mit einem einfachen Schritt in jede Richtung die Kanten abmildern und verschieben. Sie beweisen, dass Perspektive wirklich alles ist.

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio