Spontan, Ekstatisch und Frei: Ein Leitfaden zur Lyrischen Abstraktion

Bevor wir darüber sprechen, was Lyrical Abstraction ist und was es für Kunstliebhaber und Sammler bedeutet, sollten wir den Anspruchsvollsten unter uns gerecht werden, indem wir festhalten, dass der Ursprung des Begriffs ein manchmal heftiger Streitpunkt ist. Viele in der Kunstwelt sagen, der Begriff stamme aus Frankreich in den 1940er Jahren, als abstraction lyrique verwendet wurde, um verschiedene sinnliche und abstrakte künstlerische Bewegungen des europäischen Nachkriegs zu beschreiben. Andere behaupten, er sei 1969 von Larry Aldrich, einem einflussreichen amerikanischen Kunstsammler, geprägt worden, der den Begriff nutzte, um Werke amerikanischer Künstler aus den späten 1960er Jahren zu beschreiben. Für unsere Zwecke sagen wir einfach, dass beide Seiten dieses Streits Recht haben. Die Franzosen prägten den Begriff abstraction lyrique. Und Larry Aldrich beschrieb 1969 Werke, die er kaufte und ausstellte, als Lyrical Abstraction.

Der Kern der Debatte

Aus Sicht des Betrachters ist die Debatte darüber, wer den Begriff geprägt hat, nahezu bedeutungslos. Denn die zugrundeliegende Erfahrung, die Betrachter machen, wenn sie auf Werke treffen, die mit einem der beiden Begriffe beschrieben werden, ist im Wesentlichen dieselbe. Die europäischen Vertreter der abstraction lyrique schufen Werke, die sich jeder Einschränkung widersetzten. Sie waren intuitiv und frei. Ihre Spuren wirkten spontan und romantisch. Die Werke waren frei von geistiger Schwerfälligkeit. Die amerikanischen Lyrical Abstractionisten der späten 1960er Jahre erzielten genau denselben Effekt. Ihre Werke sind sinnlich, intuitiv und frei. Ihre Farbwahl und Methoden besitzen eine spontane, natürliche Empfindsamkeit. Die Stimmung der Werke ist beruhigend, verspielt, gefühlvoll und ungezügelt.

Sowohl die europäischen als auch die amerikanischen Lyrical Abstractionisten der Vergangenheit sowie zeitgenössische Künstler, die die Form weiterentwickeln, sind bekannt für malerische und reife Werke. Lyrical Abstraction damals und heute strahlt ein feines Gefühl von Meisterschaft aus. Die Freiheit, Intuition und beruhigende Natur der Werke entspringt nicht Kindlichkeit, sondern einem erleuchteten Bemühen um Ungebundenheit.

Greet Helsen - Sonnentaler, 2017. Acryl auf Leinwand. 65 x 65 cm.

Die Begründer

Georges Mathieu gilt als eine der Schlüsselfiguren der europäischen abstraction lyrique. Mathieus Werke riefen ein Gefühl ungezügelter Freiheit und wilden Bewegungen über die Leinwand hervor. Er war ein eifriger Theoretiker und veröffentlichte umfangreich seine Vorstellungen davon, was Lyrical Abstraction bedeuten sollte. Er formulierte folgende vier Grundsätze zum Stil:

*Es sollte schnell sein: Der Künstler sollte zügig arbeiten, damit die Gesten und Spuren nicht vom bewussten Verstand des Künstlers beeinflusst werden können.
*Formen sollten unerkennbar sein: Der Künstler darf sich nicht auf vorgegebene Formen stützen oder diese referenzieren.
*Es sollte spontan sein: Das Werk darf nicht intellektualisiert oder geplant sein. Es soll spontan und unbewusst entstehen.
*Es sollte ekstatisch sein: Der Künstler soll ein Gefühl der Loslösung von Selbstkontrolle anstreben.

Dan Christensen ist einer der Gründermaler der amerikanischen Schule der Lyrical Abstraction. Für seine bekanntesten Werke nutzte er Spritzpistolen, um komplexe, lebendige und spontane Linienmuster auf Leinwänden zu erzeugen. Die verspielte, unregelmäßige und lebhafte Natur von Christensens Werken rief starke Bezüge zum abstrakten Expressionismus hervor, während die beruhigenden Hintergründe Vergleiche zur Farbfeldmalerei zulassen.

Tenesh Webber - Boxy, 2005. Schwarzweißfotografie. 50,8 x 50,8 cm.

Moderne Verfahren im Einsatz

Zeitgenössische Maler, die sich mit Lyrical Abstraction beschäftigen, bringen anregende Mittel und Methoden in die Diskussion ein. Die Malerin Greet Helsen arbeitet mit verdünnten Acrylfarben, die auf der Leinwand eine ruhige, gedämpfte Transparenz erzeugen, mit der sie sich entwickelnde Kompositionen aus Form und Farbe schichtet. Helsen ist eine in Belgien geborene Künstlerin, die in der Schweiz arbeitet. Ihre Werke sind zugleich zurückhaltend und lebendig. Sie bilden eine natürliche zeitgenössische Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart und verbinden sowohl die europäischen als auch die amerikanischen Ausdrucksformen des Stils.

Tenesh Webber, eine Kanadierin, die derzeit in den USA arbeitet, schafft beeindruckend zeitgenössische Werke, die die Wurzeln der Lyrical Abstraction mit einem tiefen Gespür für das digitale Zeitalter verbinden. In gewisser Weise ist sie Fotografin, doch ihre Technik umfasst mehrere Disziplinen und Mittel. Sie beginnt mit einer intuitiven Skizze, die sie dann weiterentwickelt, indem sie auf Plexiglas mit Markern und Faden Spuren zieht. Nach der Herstellung mehrerer solcher „Platten“ schichtet sie die Plexiglasscheiben und nutzt sie, um das Endprodukt zu schaffen, eine „kameralose“ Fotografie. Die entstehenden Bilder enthalten viel von der Verspieltheit und Experimentierfreude der Lyrical Abstraction und fügen eine deutlich zeitgenössische Note hinzu.

Die weitgehend autodidaktische amerikanische Künstlerin Ellen Priest verkörpert vielleicht am deutlichsten die zeitgenössische Lyrical Abstraction in der Praxis. Ihre vom Jazz inspirierten Werke enthalten die Wildheit, Leidenschaft, Sinnlichkeit und die Neuartigkeit der Formen, die von den europäischen Begründern des Stils so geschätzt werden. Ihre leuchtend farbigen Leinwände bieten die perfekte Erneuerung des Stils. Sie enthalten zugleich etwas Ursprüngliches und geben einen Ausblick auf die mögliche Zukunft der Lyrical Abstraction.

Abgebildetes Bild: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papiere, Öl, Flashe, Bleistift, MSA-Gel. 81,3 x 119,4 cm.