Spontan, Ekstatisch und Frei: Ein Leitfaden zur Lyrischen Abstraktion

Bevor wir darüber sprechen, was Lyrische Abstraktion ist und was es für Kunstliebhaber und Sammler bedeutet, sollten wir den anspruchsvollsten unter uns den gebührenden Respekt zollen, indem wir festhalten, dass der Ursprung des Begriffs ein Thema ist, das manchmal heftig diskutiert wird. Viele in der Kunstwelt sagen, der Begriff sei in den 1940er Jahren in Frankreich entstanden, als abstraction lyrique verwendet wurde, um verschiedene sinnliche und abstrakte europäische Kunstbewegungen nach dem Krieg zu beschreiben. Andere behaupten, er sei 1969 von Larry Aldrich geprägt worden, einem einflussreichen amerikanischen Kunstsammler, der den Begriff verwendete, um Arbeiten amerikanischer Künstler Ende der 1960er Jahre zu beschreiben. Für unsere Zwecke wollen wir einfach festhalten, dass beide Seiten dieser Debatte recht haben. Die Franzosen prägten den Begriff abstraction lyrique. Und Larry Aldrich beschrieb 1969 die Arbeiten, die er kaufte und ausstellte, als Lyrische Abstraktion.

Die Substanz hinter der Debatte

Aus der Sicht des Betrachters ist die Debatte darüber, wer den Begriff geprägt hat, nahezu irrelevant. Das liegt daran, dass die zugrunde liegende Erfahrung, die Betrachter erhalten, wenn sie auf das Werk stoßen, das durch einen dieser beiden Begriffe beschrieben wird, im Wesentlichen dieselbe ist. Die europäischen Praktiker der Abstraktion lyrique schufen Werke, die sich der Einschränkung widersetzten. Sie waren intuitiv und frei. Ihre Striche schienen spontan und romantisch. Das Werk war selig frei von intellektueller Plackerei. Die amerikanischen Lyrischen Abstraktionisten der späten 1960er Jahre erzielten genau denselben Effekt. Ihr Werk ist sinnlich, intuitiv und frei. Ihre Farbauswahlen und -methoden haben eine spontane, natürliche Sensibilität. Die Stimmung des Werkes ist beruhigend, verspielt, emotional und ungebunden.

Sowohl die europäischen als auch die amerikanischen lyrischen Abstraktionisten der Vergangenheit, sowie zeitgenössische Künstler, die weiterhin die Form erweitern, sind bekannt für Arbeiten, die malerisch und reif sind. Lyrische Abstraktion, Vergangenheit und Gegenwart, strahlt ein verfeinertes Gefühl von Meisterschaft aus. Die Freiheit, Intuition und beruhigende Natur der Werke kommen nicht aus Kindlichkeit, sondern aus einem erleuchteten Bestreben, ungebunden zu sein.

Greet Helsen - Sonnentaler, 2017. Acryl auf Leinwand. 65 x 65 cm.

Die Gründer

Georges Mathieu gilt als eine der Schlüsselfiguren der europäischen Abstraktion lyrique. Mathieus Werk weckte ein Gefühl von ungebändigter Freiheit und wildem Bewegung über die Leinwand. Er war ein leidenschaftlicher Theoretiker und veröffentlichte umfangreich seine Ideen darüber, was Lyrische Abstraktion bedeuten sollte. Er formulierte die folgenden vier Ideen über den Stil:

*Es sollte schnell sein: Der Künstler sollte schnell arbeiten, damit die Gesten und Striche nicht vom bewussten Verstand des Künstlers beeinflusst werden können.
*Formen sollten nicht erkennbar sein: Der Künstler darf sich nicht auf bereits existierende Formen stützen oder diese referenzieren.
*Es sollte spontan sein: Die Arbeit sollte nicht intellektualisiert oder geplant werden. Sie sollte spontan und unbewusst sein.
*Es sollte ekstatisch sein: Der Künstler sollte ein Gefühl der Befreiung von Selbstkontrolle suchen.

Dan Christensen ist einer der Gründungskünstler der amerikanischen Schule der lyrischen Abstraktion. Die Arbeiten, für die er am bekanntesten ist, verwendeten Spritzpistolen, um komplexe, lebendige und spontane Linienmuster auf Leinwänden zu schaffen. Die verspielte, unberechenbare und lebendige Natur von Christensens Arbeiten weckte stark Assoziationen zum abstrakten Expressionismus, während die beruhigenden Hintergründe Vergleiche zur Farbflächenbewegung einladen.

Tenesh Webber - Boxy, 2005. Schwarzweißfotografie. 50,8 x 50,8 cm.

Moderne Prozesse am Arbeitsplatz

Zeitgenössische Maler, die Erkundungen in der Lyrischen Abstraktion machen, fügen der Diskussion anregende Medien und Methoden hinzu. Die Malerin Greet Helsen arbeitet mit verdünnten Acrylfarben, die auf der Leinwand ein ruhiges Gefühl von gedämpfter Transparenz erzeugen, das sie nutzt, um sich entwickelnde Kompositionen aus Form und Farbe zu schichten. Helsen ist eine in Belgien geborene Künstlerin, die in der Schweiz arbeitet. Ihr Werk ist gleichzeitig gedämpft und lebendig. Es bildet eine natürliche zeitgenössische Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart und vereint sowohl die europäischen als auch die amerikanischen Ausdrucksformen des Stils.

Tenesh Webber, eine Kanadierin, die derzeit in den USA arbeitet, schafft atemberaubend zeitgenössische Werke, die die Wurzeln der Lyrischen Abstraktion mit einem tiefen Gefühl für das aktuelle digitale Zeitalter verbinden. In gewissem Sinne ist sie eine Fotografin, aber ihre Technik umfasst mehrere Disziplinen und Medien. Sie beginnt mit einer intuitiven Skizze, die sie dann weiterentwickelt, indem sie mit Markern und Faden auf Plexiglas zeichnet. Nachdem sie auf diese Weise mehrere "Platten" hergestellt hat, schichtet sie die Plexiglasscheiben und verwendet sie, um das Endprodukt zu erstellen, ein "kameraloses" Foto. Die resultierenden Bilder enthalten viel von der Verspieltheit und dem Experimentieren der Lyrischen Abstraktion und fügen eine deutlich zeitgenössische Note hinzu.

Die weitgehend autodidaktische amerikanische Künstlerin Ellen Priest repräsentiert vielleicht am deutlichsten die zeitgenössische Lyrische Abstraktion in der Arbeit. Ihre von Jazz inspirierten Kreationen enthalten die Wildheit, die Leidenschaft, die Sinnlichkeit und die Neuheit der Form, die von den europäischen Gründern des Stils so geschätzt werden. Ihre leuchtend bunten Leinwände bieten das perfekte Update für den Stil. Sie enthalten zugleich etwas Primitives und geben einen Hinweis auf die potenzielle Zukunft der Lyrischen Abstraktion.

Vorschaubild: Ellen Priest- Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papier, Öl, Flashe, Bleistift, MSA-Gel. 81,3 x 119,4 cm.