Licht auf die Tropfmalereien von Janet Sobel werfen
1945, im Alter von 52 Jahren, hatte Janet Sobel den gemischten Segen, dass ihre Arbeiten von Peggy Guggenheim in eine Ausstellung mit dem Titel The Women in der Art of This Century Gallery kuratiert wurden. Die Gemälde, die Sobel in die Ausstellung einbrachte, wurden mit einer "All-Over"-Tropftechnik geschaffen, bei der sie schnell Farbe auf die Leinwand spritzte, goss und tropfen ließ, um eine visuelle Konvergenz von unterbewussten Gefühlen und physischen Handlungen zu erreichen. Die Ausstellung war ein Triumph für Sobel, eine autodidaktische Malerin. Doch die Erfahrung führte auch zu einem berüchtigten Aufruhr. Der einflussreiche Kunstkritiker Clement Greenburg besuchte zufällig die Ausstellung zusammen mit seinem Freund, dem Maler Jackson Pollock. Obwohl Pollock 1936 an einem Seminar teilgenommen hatte, bei dem der große mexikanische Muralist Alfaro Siqueiros die Studenten ermutigte, Farbe zu spritzen, zu tropfen und zu gießen, um Energie in ihren Arbeiten zu vermitteln, hatte er solche Techniken noch nicht in seine Gemälde integriert. Als er sah, wie Sobel es tat, verstand er, was ihm gefehlt hatte. Zwei Jahre später schuf Pollock seine ersten "All-Over"-Tropfgemälde. 1955 schrieb Greenburg einen Aufsatz, in dem er sich an die Erfahrung erinnerte, die Ausstellung The Women mit Pollock besucht zu haben. "Pollock (und ich selbst) bewunderten diese Gemälde", schrieb Greenburg. "Pollock gab zu, dass diese Bilder einen Eindruck auf ihn gemacht hatten." Als autodidaktische Künstlerin fiel Sobel in die Obskurität, während Pollock, als ausgebildeter männlicher Künstler, dessen bester Freund der einflussreichste Kunstkritiker in Amerika war, international als Erfinder der "All-Over"-Tropftechnik bekannt wurde. Viele Schriftsteller erzählen jetzt die Geschichte, wie Sobel übersehen wurde. Einige haben in einem fehlgeleiteten Versuch, die Geschichte zu korrigieren, sogar fälschlicherweise Sobel als die rechtmäßige Erfinderin der Tropftechnik bezeichnet – ein Ruhm, der nachweislich nicht ihr, sondern Alfaro Siqueiros gehört. Während diese Bemühungen in einem aufrichtigen Wunsch verwurzelt sind, das Richtige zu tun, fügen sie Sobel leider denselben Trick zu. Sie lenken das Licht auf unbedeutende Kleinigkeiten wie die Frage, wer Anerkennung verdient, und hindern uns daran, das einzige Gespräch zu führen, das zählt: das, in dem wir über ihre Kunst sprechen.
Wenn Sie einen Sobel sehen könnten
Der beste Ort, um die Werke von Janet Sobel zu sehen, ist das Crystal Bridges Museum of American Art in Bentonville, Arkansas. Im Gegensatz zu den meisten anderen Museen macht Crystal Bridges keine künstlichen Unterscheidungen zwischen Künstlern, die sie in Konflikt miteinander bringen. Zum Beispiel unterscheiden sie nicht zwischen "ausgebildeten" und "selbstgelernten" Künstlern. Was normalerweise in einem traditionellen Museum als "Outsider-Kunst" bezeichnet wird, wird in diesem Museum neben zeitgenössischen Werken von weltberühmten, etablierten Namen ausgestellt. Dieser kuratorische Ansatz ermöglicht es den Zuschauern, selbst zu entscheiden, welche Werke für sie am bedeutungsvollsten sind. Crystal Bridges besitzt sieben Werke von Sobel, eine Auswahl, die den Zuschauern eine Vorstellung von der Entwicklung ihres Schaffens vermittelt. Sie haben sechs abstrakte "Tropf- und Spritz"-Gemälde und eines ihrer figurativeren Werke.
Janet Sobel - Der brennende Busch, 1944. Öl auf Leinwand. Rahmen (Gerahmt): 35 × 27 × 3 Zoll. American Art Acquisition Fund (M.2008.77). LACMA Sammlung.
Das figurative Stück bietet eine Verbindung zu den Volkskunsttraditionen, die Sobel beeinflussten. Als sie ein Kind war, wurde ihr Vater in einem antisemitischen Massaker in der Ukraine hingerichtet. Sobel emigrierte in die Vereinigten Staaten, wo sie erst im Alter von 39 Jahren begann, ihre Arbeit als Künstlerin zu verfolgen. Ihre ersten Gemälde imitierten den brutalen Stil von Volkskünstlern in ihrem Heimatland. In Crystal Bridges können wir ihre Technik bewerten, während sie sich von der Volksfigurierung zu einer Mischung aus Volksbildern und Abstraktion entwickelt, bis hin zu rein abstrakten „All-Over“-Tropfmalereien. Eines der eindrucksvollsten Werke in ihrer Sammlung ist das Gemälde „Hiroshima“ (1948). In diesem atemberaubenden Werk zeigt Sobel die gesamte Bandbreite ihres Talents. Ein einzelnes verdunkeltes Gesicht überblickt eine Szene, die von Trauma überrannt wird. Sorgfältige Gitter, die mit traditioneller Pinselarbeit konstruiert wurden, beschwören Visionen von zerbrochenen Gebäuden; gespritzte Wellen von Grün und Blau erinnern an die schreckliche Kraft der Natur, die als Waffe eingesetzt und entfesselt wurde; Schicht um Schicht von getropften, gestischen Linien bilden Netze der Verwirrung, die zu einem visuellen Höhepunkt von immensem Komplexität aufbauen. In sowohl seinen technischen Aspekten als auch seiner visuellen Kraft ist „Hiroshima“ ein Meisterwerk.
Janet Sobel - Untitled, ca. 1946. Öl und Emaille auf Verbundplatte. 18 x 14" (45,5 x 35,5 cm). Geschenk von William Rubin. MoMA Sammlung.
Sobel im MoMA
Theoretisch ist der zweitbeste Ort, um ein Gemälde von Janet Sobel zu sehen, das Museum of Modern Art in New York. Ich sage theoretisch, weil das MoMA trotz des Besitzes von zwei der berühmtesten Sobel-Gemälde – „Milky Way“ (1945) und „Untitled“ (1946) – die Gemälde nicht ausstellt. Wenn Sie das Glück haben, sie zu sehen, werden Sie reich belohnt. „Untitled“ ist das kleinere der beiden, mit 45,5 x 35,5 cm, aber es zeigt die Großartigkeit, Eleganz und Dramatik, mit der Sobel malte. Ein gespenstischer Grund aus Gelb und Schwarz strahlt hinter einem glorreichen Geflecht aus gespritztem Lila, Rot und Schwarz. Organische Formen erscheinen und verschwinden im Dschungel der gestischen Tropfen, wie Öltropfen im Wasser oder Ausbrüche von Sternengas im Weltraum. Aber das sind keine figürlichen Markierungen. Der größte Genuss kommt einfach durch das Betrachten der Materialität der Farbe selbst. Dies ist ein Bild von Farbe, ein Relikt dessen, was Elaine de Kooning „ein Gemälde“ nannte, als Verb. Es ist ein Relikt der Leidenschaft.
Janet Sobel - Milchstraße, 1945. Emaille auf Leinwand. 44 7/8 x 29 7/8" (114 x 75,9 cm). Geschenk der Familie der Künstlerin. MoMA Sammlung.
Wegen des Titels, den Sobel ihm gab, „Milky Way“, lädt es die Betrachter ein, darin etwas Figuratives zu sehen. Mit 114 x 75,9 cm ist dieses Gemälde viel größer und kann einen nahen Betrachter umhüllen, die Augen tief in die illusorische Welt zu ziehen, die Sobel innerhalb ihres bildlichen Raums geschaffen hat. Unmöglich komplex und geschichtet, erinnert das Bild an den Moment, als das Universum begann. Es ist nicht so sehr ein Bild der Geburt unserer Galaxie, sondern eine Nachstellung der Energie der Schöpfung. Unzählige rosa, gelbe, grüne, blaue und rote Farbtöne ziehen Nuancen aus einander durch ihre Beziehungen. Obwohl die meiste Farbe in diesem Bild getropft, gegossen und auf die Leinwand geschleudert wurde, vermittelt die Vielzahl der Techniken, die in den Linien und Formen sichtbar sind, ein natürliches Talent, die Kräfte der Schwerkraft und der Physikalität zu kontrollieren. Wie all ihre abstrakten Werke ist dieses Gemälde komplex, subtil und organisch und erinnert uns daran, dass sie, obwohl sie einst übersehen wurde, zu den aufregendsten Malern ihrer Generation gehört.
Vorschaubild: Janet Sobel - Hiroshima, 1948. Öl und Emaille auf Leinwand. 151,1 x 100,3 cm. Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, Arkansas, 2011.10. Fotografie von Edward C. Robison III.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
