Licht auf die Tropfmalereien von Janet Sobel werfen

Im Jahr 1945, im Alter von 52 Jahren, hatte Janet Sobel den zwiespältigen Segen, dass ihre Werke von Peggy Guggenheim in einer Ausstellung namens Die Frauen in der Galerie The Art of This Century kuratiert wurden. Die Gemälde, die Sobel in der Ausstellung zeigte, entstanden mit einer „All-Over“-Tropftechnik, bei der sie schnell Farbe auf die Leinwand spritzte, goss und tropfen ließ, um eine visuelle Verbindung von unterbewussten Gefühlen und körperlichen Handlungen zu erreichen. Die Ausstellung war ein Triumph für Sobel, eine autodidaktische Malerin. Doch die Erfahrung führte auch zu einem berüchtigten Aufruhr. Der einflussreiche Kunstkritiker Clement Greenburg besuchte die Ausstellung zusammen mit seinem Freund, dem Maler Jackson Pollock. Obwohl Pollock 1936 an einem Seminar teilgenommen hatte, bei dem der große mexikanische Wandmaler Alfaro Siqueiros die Studenten ermutigte, Farbe zu spritzen, tropfen und zu gießen, um Energie in ihre Werke zu bringen, hatte Pollock diese Techniken noch nicht in seine Gemälde aufgenommen. Als er sah, wie Sobel es tat, verstand er, was ihm gefehlt hatte. Zwei Jahre später schuf Pollock seine ersten „All-Over“-Tropfbilder. 1955 schrieb Greenburg einen Aufsatz, in dem er die Erfahrung schilderte, die Ausstellung Die Frauen mit Pollock besucht zu haben. „Pollock (und ich selbst) bewunderten diese Gemälde“, schrieb Greenburg. „Pollock gab zu, dass diese Bilder einen Eindruck auf ihn gemacht hatten.“ Als autodidaktische Künstlerin geriet Sobel in Vergessenheit, während Pollock, ein ausgebildeter männlicher Künstler, dessen bester Freund der einflussreichste Kunstkritiker Amerikas war, international als Erfinder der „All-Over“-Tropftechnik berühmt wurde. Viele Autoren erzählen heute die Geschichte, wie Sobel übersehen wurde. Einige haben in einem fehlgeleiteten Versuch, die Geschichte zu korrigieren, sogar fälschlicherweise behauptet, Sobel sei die rechtmäßige Erfinderin der Tropftechnik – ein Ruhm, der nachweislich nicht ihr, sondern Alfaro Siqueiros gebührt. Obwohl diese Bemühungen aus aufrichtigem Wunsch entstehen, das Richtige zu tun, fügen sie Sobel leider denselben Nachteil zu. Sie richten den Fokus auf belanglose Kleinigkeiten wie die Frage, wer den Verdienst verdient, und hindern uns daran, das einzig Wichtige zu besprechen: ihr Werk.

Wenn Sie eine Sobel sehen könnten

Der beste Ort, um die Werke von Janet Sobel zu sehen, ist das Crystal Bridges Museum of American Art in Bentonville, Arkansas. Anders als die meisten anderen Museen macht Crystal Bridges keine künstlichen Unterscheidungen zwischen Künstlern, die sie gegeneinander ausspielen. Zum Beispiel unterscheiden sie nicht zwischen „ausgebildeten“ und „autodidaktischen“ Künstlern. Was in einem traditionellen Museum normalerweise als „Außenseiterkunst“ bezeichnet würde, wird in diesem Museum Seite an Seite mit zeitgleichen Werken weltberühmter, erstklassiger Namen ausgestellt. Dieser kuratorische Ansatz erlaubt es den Betrachtern, selbst zu entscheiden, welche Werke für sie am bedeutungsvollsten sind. Crystal Bridges besitzt sieben Werke von Sobel, eine Auswahl, die es ermöglicht, die Entwicklung ihres Schaffens nachzuvollziehen. Sie besitzen sechs abstrakte „Tropf- und Spritz“-Gemälde und eines ihrer eher figürlichen Werke.

Janet Sobel – Der brennende Dornbusch, 1944. Öl auf Leinwand. Rahmen (gerahmt): 35 × 27 × 3 Zoll. American Art Acquisition Fund (M.2008.77). LACMA Sammlung.

Das figürliche Werk bietet eine Verbindung zu den Volkskunsttraditionen, die Sobel beeinflussten. Als Kind wurde ihr Vater bei einem antisemitischen Massaker in der Ukraine hingerichtet. Sobel wanderte in die Vereinigten Staaten aus, wo sie erst mit 39 Jahren begann, als Künstlerin zu arbeiten. Ihre ersten Gemälde ahmten den rohen Stil der Volkskünstler ihres Heimatlandes nach. Im Crystal Bridges Museum können wir ihre Technik verfolgen, wie sie sich von volkstümlicher Figuration zu einer Mischung aus Volksbildern und Abstraktion bis hin zu reinen abstrakten „All-Over“-Tropfbildern entwickelt. Eines der eindrucksvollsten Werke in ihrer Sammlung ist das Gemälde „Hiroshima“ (1948). In diesem beeindruckenden Werk zeigt Sobel die ganze Bandbreite ihres Talents. Ein einzelnes verdunkeltes Gesicht blickt auf eine von Trauma überflutete Szene. Sorgfältig angelegte Raster, die mit traditionellem Pinselstrich gefertigt sind, rufen Visionen zertrümmerter Gebäude hervor; gesprenkelte Wellen in Grün und Blau erinnern an die schreckliche Macht der Natur, die als Waffe entfesselt wurde; Schicht um Schicht von getropften, gestischen Linien bilden Netze der Verwirrung, die zu einem visuellen Höhepunkt von großer Komplexität führen. Sowohl in technischer Hinsicht als auch in seiner visuellen Kraft ist „Hiroshima“ ein Meisterwerk.

Janet Sobel – Unbetitelt, um 1946. Öl und Emaille auf Pressspanplatte. 18 x 14 Zoll (45,5 x 35,5 cm). Geschenk von William Rubin. MoMA Sammlung.

Sobel im MoMA

Theoretisch ist der zweitbeste Ort, um ein Gemälde von Janet Sobel zu sehen, das Museum of Modern Art in New York. Ich sage theoretisch, weil das MoMA trotz des Besitzes von zwei der berühmtesten Sobel-Gemälde – „Milchstraße“ (1945) und „Unbetitelt“ (1946) – diese nicht ständig ausstellt. Wenn Sie das Glück haben, sie zu sehen, werden Sie reich belohnt. „Unbetitelt“ ist das kleinere der beiden mit 45,5 x 35,5 cm, zeigt aber die Großartigkeit, Eleganz und Dramatik, mit der Sobel malte. Ein gespenstischer Grund aus Gelb und Schwarz strahlt hinter einem herrlichen Geflecht aus gesprenkeltem Lila, Rot und Schwarz. Organische Formen erscheinen und verschwinden im Dschungel gestischer Tropfen, wie Öltropfen im Wasser oder Sternengas-Ausbrüche im Weltall. Doch dies sind keine figürlichen Markierungen. Die größte Freude bereitet das Betrachten der Materialität der Farbe selbst. Dies ist ein Bild von Farbe, ein Relikt dessen, was Elaine de Kooning als „ein Malen“ im Sinne des Verbs bezeichnete. Es ist ein Relikt der Leidenschaft.

Janet Sobel – Milchstraße, 1945. Emaille auf Leinwand. 44 7/8 x 29 7/8 Zoll (114 x 75,9 cm). Geschenk der Familie der Künstlerin. MoMA Sammlung.

Durch den Titel, den Sobel dem Werk gab, lädt „Milchstraße“ die Betrachter ein, darin etwas Figürliches zu sehen. Mit 114 x 75,9 cm ist dieses Gemälde viel größer und kann den Betrachter einhüllen, die Augen tief in die illusionäre Welt ziehen, die Sobel in ihrem Bildraum erschuf. Unmöglich komplex und vielschichtig erinnert das Bild an den Moment, als das Universum begann. Es ist weniger ein Bild von der Geburt unserer Galaxie als eine Nachstellung der Energie der Schöpfung. Unzählige rosa, gelbe, grüne, blaue und rote Farbtöne entlocken einander Nuancen durch ihre Beziehungen. Obwohl die meiste Farbe in diesem Bild getropft, gegossen und auf die Leinwand geschleudert wurde, zeigen die Vielzahl der Techniken in Linien und Formen ein natürliches Talent, die Kräfte der Schwerkraft und der Körperlichkeit zu beherrschen. Wie alle ihre abstrakten Werke ist dieses Gemälde komplex, subtil und organisch und erinnert uns daran, dass sie, obwohl sie einst übersehen wurde, zu den aufregendsten Malern ihrer Generation gehört.

Titelbild: Janet Sobel – Hiroshima, 1948. Öl und Emaille auf Leinwand. 151,1 x 100,3 cm. Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, Arkansas, 2011.10. Fotografie von Edward C. Robison III.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio