Die hypnotisierende Welt von Franco Grignani

Im Februar wird das m.a.x. museo und das Kulturzentrum Chiasso in der Schweiz eine Ausstellung eröffnen, die die Karriere von Franco Grignani (1908 – 1999) beleuchtet. Auch wenn Sie vielleicht noch nie von Grignani gehört haben, besteht die Chance, dass Sie mindestens ein Exemplar seines bekanntesten Werks besitzen. Grignani entwarf das berühmte „Woolmark“-Logo: die dreiseitige, ineinander verwobene Spirale aus schwarzen und weißen Linien, die auf Etiketten erscheint, die anzeigen, wenn etwas aus reiner Schurwolle hergestellt ist. Dieses unschuldig aussehende Logo ist Ihnen vielleicht nie aufgefallen, aber wenn Sie genauer hinsehen, könnten Sie eine Welt optischer Geheimnisse entdecken. Das Logo hat Eigenschaften, die dem ähneln, was Mathematiker als nicht-orientierbare Fläche bezeichnen: einen zweidimensionalen, miteinander verbundenen Pfad, der sich ständig in sein Spiegelbild verwandelt. Je mehr Sie versuchen, Sinn aus dem zu machen, was Sie in diesem Logo sehen, desto mehr spielen Ihre Augen Ihrem Verstand Streiche. Es ist jedoch nicht nur eine einfache optische Täuschung. Das Logo nutzt auch die Psychologie der Formen. Seine dreieckige Struktur signalisiert Stabilität und Stärke. Seine kreisförmigen Linien deuten auf Zärtlichkeit und Unterstützung hin. Seine gebogenen Seiten projizieren Harmonie und Frieden. Darüber hinaus nutzt seine schwarz-weiße Farbpalette die Psychologie der Farbtheorie. Schwarz steht für Stärke und Autorität. Weiß suggeriert Offenheit und Reinheit. Schwarz und Weiß zusammen projizieren Harmonie und Inklusivität. Grignani war sich all dessen bewusst, als er das Logo entwarf. Jede Entscheidung, die er traf, war absichtlich. Als er das Design 1963 entwickelte, war er 55 Jahre alt. Er hatte bereits jahrzehntelang die Wissenschaft der Wahrnehmung erforscht und Tausende von Skizzen, Logos, Zeichnungen, Plakaten und Gemälden erstellt, die von dem, was er gelernt hatte, inspiriert waren. Grignani goss alles, was er über Vision, Optik und die verborgene Bedeutung von Symbolen wusste, in dieses eine einfache Design. Das Ergebnis war eines der bekanntesten Verbraucherlogos aller Zeiten. Doch wie die bevorstehende Ausstellung in Chiasso andeutet, war es nicht nur das, was das Woolmark-Logo und den Rest seiner Arbeiten so erfolgreich machte, sondern dass Grignani kein gewöhnlicher Designer war. Er war ein vollständiger Künstler, der vollständig verstand, wie Menschen metaphysisch mit der visuellen Welt interagieren.

Mehr Bauhaus als das Bauhaus

Es ist passend, dass wir 2019, dem 100. Jahrestag der Gründung des Bauhauses, die Arbeit von Grignani feiern. Obwohl Grignani nicht direkt mit dem Bauhaus verbunden war, verkörperte seine Karriere die höchsten Ideale der Schule. Grignani studierte Architektur und gründete nach seinem Abschluss ein Designbüro, das sich der Erstellung von Unternehmenslogos für italienische Firmen wie den Automobilhersteller Fiat und das Verlagsunternehmen Arnoldo Mondadori Editore widmete. Seine Designs waren nicht nur für grafische Wirkung konzipiert; sie basierten auf einer detaillierten Untersuchung, wie Menschen im Laufe ihres Alltags mit visuellen Phänomenen interagieren. Wie die Mitglieder des Bauhauses strebte Grignani danach, dass jedes seiner Designs ein "Gesamtkunstwerk" war, etwas, das nicht nur schön und nützlich war, sondern auch die psychologischen Bedürfnisse derjenigen berücksichtigte, für die es gedacht war.

Franco Grignani - Numerische Operation, 1965

Seine Auffassung von Grafikdesign war, dass es ein Werkzeug für sofortige visuelle Kommunikation ist. Aber er erkannte, dass die Botschaft einer Werbung nur teilweise durch Worte und Fotografien vermittelt wird. Seine Forschung zeigte ihm, dass die meisten Informationen, die durch ein Bild vermittelt werden, durch formale ästhetische Elemente kommuniziert werden, die von den Betrachtern auf einer unbewussten Ebene interpretiert werden. Seine Meisterschaft in diesem Aspekt seiner Arbeit kam nicht aus seinen Designkursen, sondern aus einem rigorosen Studium der modernen abstrakten Kunst. In einem seiner berühmtesten frühen Fiat-Poster schrieb Grignani das Wort Fiat in schwer lesbaren, klein geschriebenen, kursiven Buchstaben. Die Botschaft der Werbung ist dennoch offensichtlich: Dies ist ein Produkt, das für die Zukunft gedacht ist. Das Bild kombinierte Dada-Collagetechniken (schwarz-weiße fotografische Elemente, die über einen farbigen Hintergrund gelegt sind), futuristische Kompositionstaktiken (scharfe diagonale Linien) und eine suprematistische Sprache der Formen (ein einzelnes grünes Quadrat auf einem weißen Träger). Trotz der Tatsache, dass das Auto in der Werbung nach zeitgenössischen Standards veraltet ist, schreit das Bild dank seines Designs auch heute noch nach Modernität.

Franco Grignani - Dissociation vom Rand, 1967

Der verlorene Op-Artist

Während Grignani Logos, Buchcover, Poster und Unternehmenswerbung entwarf, schuf er auch fleißig Kunst in seinem Atelier. Die Gemälde, die er bereits in den 1950er Jahren schuf, antizipieren die Op Art-Bewegung und zeigen wahrnehmungsgestörte Anordnungen von Linien und Formen, die nach längerem Betrachten kinetisch zu werden scheinen. Trotz der Schaffung dieser Art von Gemälden, noch bevor die anerkannten Pioniere der Op Art, wie Victor Vasarely und Bridget Riley, Grignani nicht in die Ausstellung The Responsive Eye im MoMA aufgenommen wurde, die dafür bekannt ist, Op Art der Öffentlichkeit vorzustellen. MoMA besitzt jedoch ein Werk von Grignani: eine Lithografie, die vom Künstler selbst gespendet wurde, datiert auf 1965, dem gleichen Jahr wie die Ausstellung The Responsive Eye. Das Bild auf der Lithografie hätte perfekt in die Ausstellung gepasst, was sicherlich der Grund ist, warum Grignani sie gespendet hat – um eine Botschaft zu senden, dass er ungerechtfertigt ausgeschlossen wurde.

Franco Grignani - Radiale Fragmentierung, 1964

Interessanterweise wurde Grignani bereits in einer viel früheren MoMA-Ausstellung – Modern Art In Your Life – im Jahr 1949 aufgenommen. Seine Arbeiten in dieser Ausstellung hätten auch gut zu The Responsive Eye gepasst, nur war es kein Gemälde, sondern eine Werbung. Diese Tatsache könnte die Quelle des Vorurteils sein, das Grignani aus der Op Art-Diskussion ausschloss, und könnte auch der Grund sein, warum so wenige Menschen heute von ihm gehört haben. Aber das war ein bedauerlicher und ungerechtfertigter Fehler. Es steht außer Frage, dass Grignani einer der effektivsten Designer des 20. Jahrhunderts war, aber er war noch viel mehr. Er war ein optimistischer und nachdenklicher Künstler, der sein Leben der Entdeckung der Beziehungen zwischen dem, was wir sehen, und dem, wie wir uns fühlen, widmete, und ein brillanter Fragesteller dessen, was uns das wiederum glauben lässt. Franco Grignani (1908-1999) – Multi-sensoriality between art, graphics and photography wird vom 17. Februar bis 15. September 2019 im m.a.x. museo und im Kulturzentrum Chiasso in der Schweiz zu sehen sein.

Vorschaubild: Franco Grignani - N. 265, (Dissociation vom Rand), 1969. Acryl auf Schoeller-Karton. 50 x 70 cm.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio