Außenseiterkünstler, deren Werke als abstrakt angesehen werden

Outsider-Kunst ist ein umfassender Begriff, der Künstler beschreibt, die außerhalb der formalen Kunstwelt arbeiten. Outsider-Künstler sind oft autodidaktisch. Manchmal arbeiten sie in volkstümlichen Traditionen. Andere Male sind sie institutionalisiert, entweder weil sie kriminelle Handlungen begangen haben oder weil sie mit bestimmten mentalen Realitäten konfrontiert sind, die sie stark verletzlich oder möglicherweise gefährlich machen. Abgesehen von ihrer ästhetischen Rohheit ist das, was an Outsider-Kunst faszinierend ist, die mehrdeutige oder unbekannte Absicht der Künstler. Formell ausgebildete Künstler, egal ob sie es als Karriere oder nur als Hobby betreiben, sind fast immer in der Lage und manchmal sogar bereit, über ihre Kunst zu sprechen, ihre Absichten zu erklären und sie gegenüber denen zu rechtfertigen, die es nicht verstehen. Aber Outsider-Künstler suchen keine Validierung und bieten fast immer keine Rechtfertigung an. Sie schaffen Kunst aus ihren eigenen Gründen, die normalerweise nichts mit dem Rest von uns zu tun haben. Erinnerst du dich an das erste Mal, als du Kunst gemacht hast? Warum hast du es getan? War es ein Instinkt? Hast du nach etwas gesucht, wie Schönheit? Oder hast du einfach nur gespielt? Dieser früheste künstlerische Impuls – der ungeminderte, unschuldige Funke der Kreativität, der uns drängt, etwas Visuelles zu manifestieren – das ist es, was wir so oft in der Outsider-Kunst sehen. Zur Feier der reichen Geschichte der Outsider-Kunst heben wir heute sechs abstrakte Outsider-Künstler hervor. Ihre Absichten sind vielleicht nicht klar, und die Bedeutung ihrer Werke wird möglicherweise nie einvernehmlich festgelegt. Aber in ihren ästhetischen Kreationen sehen wir etwas Intuitives und Reines, das grundlegend für die Funktion der Abstraktion in der Kunst ist.

Anna Zemánková

Tragödie, Spiritualität und die Schönheit der Natur prägten das Werk von Anna Zemánková. Geboren 1908 in Mähren, einem Teil der heutigen Tschechischen Republik, brachte sie sich in ihren 20ern das Landschaftsmalen selbst bei. Doch erst in ihren 50ern, nachdem sie in eine tiefe Depression gefallen war, die nach mehreren Umzügen und dem Tod eines ihrer Kinder folgte, kehrte sie zur Kunst zurück. Während des Malens glaubte sie, mit spirituellen Kräften verbunden zu sein, und channelte magnetische Energie, die nicht objektiv dargestellt werden konnte. Um die Kräfte auszudrücken, mit denen sie kommunizierte, malte sie abstrakte Kompositionen, die lose von den Mustern, Formen und Farben inspiriert waren, die sie in der Natur, insbesondere in Blumen, wahrnahm. Ihre Gemälde sind das, wofür sie am bekanntesten ist, aber neben Gemälden fertigte sie auch aufwendige Lampenschirme an, in die sie Löcher stach, um abstrakte Muster mit Licht zu erzeugen.

Anna Zemánková - Untitled, 1980er, Satin-Collage und kombinierte Techniken auf Papier (Links) und Untitled, Pastell auf Papier, 1970er (Rechts)

Pascal Tassini

Der belgische Künstler Pascal Tassini entdeckte seine Leidenschaft für die Kunst spät im Leben. Aufgrund einer lebenslangen obsessiven Erkrankung war er nicht in der Lage, sich selbst vollständig zu versorgen, und lebte als Erwachsener bei seinen Eltern, bis diese verstarben. Dann übernahm einer seiner Brüder die Pflege und stellte ihn der Créahm-Werkstatt in Lüttich, Belgien, vor. Zunächst war Pascal damit zufrieden, das Zentrum zu reinigen und zu organisieren, aber bald wurde er inspiriert, Kunst zu schaffen. Zuerst malte und zeichnete er, begann dann aber, komplexe Objekte aus Stoff zu kreieren. Oft umhüllte er die verschiedenen Gegenstände, die er fand oder die ihm als Geschenke gegeben wurden. Mit einer Technik, die er sich selbst ausgedacht hatte, baute er sich sogar ein Studiozelt, in dem er arbeitet. Besucher, die ihn sehen möchten, müssen ihm zuerst erlauben, einen Laborkittel anzuziehen und ihren Puls zu messen, um sie von ihren Beschwerden zu heilen, bevor sie sein Studio betreten können.

Pascal Tassini - Untitled Stoffassemblagen

Pascal Tassini - Untitled Stoffassemblagen

Eugene Andolsek

Wie viele Außenseiter betrachtete sich Eugene Andolsek nie als Künstler. Er zeichnete mit Stiften auf kariertem Papier zur Entspannung an seinem Küchentisch als eine Auszeit vom Alltag. Jahrzehntelang sammelte er seine spektakulären geometrischen Zeichnungen in einer Truhe, während er als Eisenbahnstenograf arbeitete und sich um seine kranke Mutter kümmerte. Nachdem er in den Ruhestand gegangen war und seine Mutter verstorben war, verlor er schließlich sein Augenlicht und musste sich in eine Pflegeeinrichtung einweisen lassen. Dort entdeckte ein Mitarbeiter seine Kunstwerke und erkannte sie als etwas Besonderes. Im Jahr 2005, im Alter von 84 Jahren, drei Jahre bevor er starb, sah Eugene seine Werke zum ersten Mal in der American Folk Art Museum ausgestellt. Er war überrascht über die positive Aufmerksamkeit, die seine Gemälde erhielten, da er sie zuvor bestenfalls als nützlich, vielleicht als bunte Tischsets, betrachtet hatte.

Eugene Andolsek - Zwei unbetitelte geometrische abstrakte Tuschzeichnungen auf kariertem Papier

Judith Scott

Die abstrakten skulpturalen Kreationen von Judith Scott bieten einen herzzerreißend kraftvollen Ausdruck der Menschlichkeit dieser Außenseiterkünstlerin. Geboren taub, stumm und mit Down-Syndrom, lebte Judith fast vier Jahrzehnte ihres Lebens unter erbärmlichen Bedingungen in verschiedenen Institutionen. Schließlich, im Jahr 1986, im Alter von 44 Jahren, übernahm ihre Zwillingsschwester das Sorgerecht für Judith und brachte sie mit nach Oakland, Kalifornien. Dort konnte Judith sich für Kurse im Creative Growth Art Center anmelden. Dort begann sie zum ersten Mal, Kunst zu schaffen. Sie sammelte verschiedene Objekte und wickelte sie in aufwendige Netzwerke von Fasern, bis ihre Form unkenntlich wurde. Die resultierenden Skulpturen spiegeln manchmal die Form des Objekts wider, mit dem sie begonnen hat, manchmal jedoch nicht. Obwohl sie Kokons ähneln, ist es genauer zu sagen, dass sie einen gegenteiligen, aber dennoch transformierenden Prozess durchlaufen haben. Es ist, als wäre durch das Bedecken ihre wesentliche Präsenz offenbart worden.

Faserumhüllte Abstraktion von Judith Scott (Links) und Judith Scott mit einer ihrer Kreationen (Rechts)

Tetsuaki Hotta

Der japanische Künstler Tetsuaki Hotta wurde im Alter von 19 Jahren wegen einer als geistige Behinderung beschriebenen Erkrankung institutionalisiert. Doch als er begann, Kunstkurse in der Einrichtung zu besuchen, in der er lebte, wurde schnell offenbar, dass seine Fähigkeit zum fortgeschrittenen abstrakten Denken intakt war. Seit 1970 malt Hotta ausschließlich abstrakte geometrische Kompositionen, die Häuser ähneln. Er ist völlig desinteressiert an den Formen, die in seinen Werken vorhanden sind. Er nutzt die Kompositionen rein als Untersuchungen von Farbe und Raum auf einer flachen Ebene. Zusammen betrachtet sind diese ausdrucksvollen, intuitiven Gemälde wie die Outsider-Art-Entsprechung der Arbeiten des deutsch-amerikanischen Künstlers und Lehrers Josef Albers, der sein Leben damit verbrachte, Farbe durch seine Homage to the Square-Serie ähnlich zu untersuchen.

Tetsuaki Hotta - Kunstwerk

Dan Miller

Der in Kalifornien geborene Dan Miller wuchs gegenüber der Bucht von San Francisco in einer Stadt namens Castro Valley auf. Als Autist geboren, fand er, ähnlich wie Judith Scott, seine künstlerische Berufung im Creative Growth Art Center in Oakland. Dan Miller ist von Texten besessen und nutzt sie nicht so sehr als ausdrucksvolles Element an sich, sondern vielmehr als ästhetisches Medium, durch das kompositorische und ästhetische Bedeutungen erzeugt werden können. Seine Kompositionen haben Vergleiche mit den Werken des abstrakten Künstlers Cy Twombly hervorgerufen, der ebenfalls glyphische Formen und spärliche Farbpaletten in seinen Gemälden verwendete. Im Gegensatz zu Twombly jedoch greift Miller auf tatsächliche Texte zurück, die aus seiner inneren Welt stammen, und schichtet sie kontinuierlich, bis sie einen Punkt erreichen, der über die Lesbarkeit hinausgeht. Seine Arbeiten wurden weithin gelobt und sind sogar im New Yorker MoMA vertreten.

Dan Miller - Untitled, UD, Acryl, Marker auf Papier, 57 x 76 in

Dan Miller - Untitled (weiß über schwarz), 2013, Acryl und Tinte auf Papier, 56 x 76 Zoll

Grundlegende Instinkte

Während unserer Recherche für diesen Artikel stießen wir auf die faszinierende Geschichte des britischen Zoologen Desmond Morris. Neben seiner Arbeit als Wissenschaftler war Morris ein Außenseiter-Surrealist. Er zeigte seine Kunst in London in den späten 1940er und frühen 50er Jahren. Doch sein größter Beitrag zur Kunst materialisierte sich, als er 1957 die abstrakten Gemälde eines seiner Kollegen aus seinem Tagesjob ausstellte: einen Schimpansen namens Congo. Die Idee von abstrakter Kunst, die von einem Schimpansen geschaffen wurde, mag lächerlich erscheinen. Sie könnte sogar beleidigend wirken. Doch einige der berühmtesten Künstler der Welt suchten Desmond Morris auf, um Gemälde von Congo zu erwerben. Salvador Dali und Pablo Picasso besaßen jeweils eines, und Joan Miro tauschte sogar eines seiner eigenen Werke mit Morris im Austausch für ein Gemälde von Congo.

Was Dali, Picasso und Miro verstanden, war, dass Menschen ein primales, abstraktes ästhetisches Verlangen mit anderen Tieren teilen. Der kreative Akt ist unser universelles Erbe als Bewohner dieses Planeten. Viele verschiedene Tiere finden Freude an der Erkundung von Muster, Form, Linie, Farbe, Textur und Komposition. Dali ging sogar so weit zu sagen, dass der Schimpanse wie ein Mensch malte und dass Jackson Pollock wie ein Tier malte. Vielleicht spricht das dafür, warum wir so viel Freude an den Arbeiten von autodidaktischen Künstlern und anderen Menschen haben, die Outsider-Kunst schaffen. Sie repräsentieren unsere Hoffnung, dass es etwas Reines, Rohes, Primales, Essentielles und Universelles in uns allen gibt und dass es durch Kunst ausgedrückt und möglicherweise verstanden werden kann.

Vorschaubild: Judith Scott - Eine ihrer mit Fasern umhüllten Abstraktionen
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio