Außenseiterkünstler, deren Werke als abstrakt angesehen werden

Outsider-Kunst ist ein umfassender Begriff, der Künstler beschreibt, die außerhalb der formalen Kunstwelt arbeiten. Outsider-Künstler sind meist Autodidakten. Manchmal arbeiten sie in volkstümlichen Traditionen. Andernfalls sind sie institutionalisiert, entweder weil sie Straftaten begangen haben oder weil sie mit bestimmten geistigen Zuständen konfrontiert sind, die sie stark verletzlich oder möglicherweise gefährlich machen. Abgesehen von ihrer ästhetischen Unverfälschtheit ist das Faszinierende an Outsider-Kunst oft die mehrdeutige oder unbekannte Absicht der Künstler. Formal ausgebildete Künstler, egal ob sie es beruflich oder als Hobby betreiben, sind fast immer in der Lage und manchmal sogar bereit, über ihre Kunst zu sprechen, ihre Absichten zu erklären und sie denen zu rechtfertigen, die sie nicht verstehen. Outsider-Künstler hingegen suchen keine Anerkennung und bieten fast immer keine Rechtfertigung an. Sie schaffen Kunst aus ihren eigenen Gründen, die normalerweise nichts mit dem Rest von uns zu tun haben. Erinnern Sie sich an das erste Mal, als Sie Kunst gemacht haben? Warum haben Sie es getan? War es ein Instinkt? Haben Sie nach etwas gesucht, wie Schönheit? Oder haben Sie einfach nur gespielt? Dieser früheste künstlerische Impuls – der ungehemmte, unschuldige Funke der Kreativität, der uns drängt, etwas Sichtbares zu schaffen – das ist es, was wir so oft in Outsider-Kunst sehen. Zur Feier der reichen Geschichte der Outsider-Kunst stellen wir Ihnen heute sechs abstrakte Outsider-Künstler vor. Ihre Absichten mögen unklar sein, und die Bedeutung ihrer Werke wird vielleicht nie einhellig verstanden werden. Doch in ihren ästhetischen Schöpfungen sehen wir etwas Intuitives und Reines, etwas Grundlegendes für die Funktion der Abstraktion in der Kunst.

Anna Zemánková

Tragik, Spiritualität und die Schönheit der Natur prägten das Werk von Anna Zemánková. Geboren 1908 in Mähren, dem heutigen Tschechien, brachte sie sich in ihren Zwanzigern selbst das Landschaftsmalen bei. Doch erst in ihren Fünfzigern, nachdem sie nach mehreren Umzügen und dem Tod eines ihrer Kinder in eine tiefe Depression gefallen war, kehrte sie zur Kunst zurück. Beim Malen glaubte sie, mit geistigen Kräften verbunden zu sein und magnetische Energie zu kanalisieren, die nicht objektiv dargestellt werden konnte. Um die Kräfte auszudrücken, mit denen sie in Verbindung stand, malte sie abstrakte Kompositionen, die lose von den Mustern, Formen und Farben inspiriert waren, die sie in der Natur wahrnahm, besonders in Blumen. Ihre Gemälde sind das, wofür sie am bekanntesten ist, aber neben Gemälden fertigte sie auch aufwändige Lampenschirme an, in die sie Löcher stach, um abstrakte Lichtmuster zu erzeugen.

Anna Zemánková – Ohne Titel, 1980er Jahre, Satin-Collage und Mischtechniken auf Papier (links) und Ohne Titel, Pastell auf Papier, 1970er Jahre (rechts)

Pascal Tassini

Der belgische Künstler Pascal Tassini entdeckte seine Leidenschaft für die Kunst spät im Leben. Aufgrund einer lebenslangen zwanghaften Erkrankung konnte er sich nicht vollständig selbst versorgen und lebte als Erwachsener bei seinen Eltern, bis diese verstarben. Danach übernahm einer seiner Brüder seine Betreuung und führte ihn in die Créahm-Werkstatt in Lüttich, Belgien, ein. Zunächst war Pascal zufrieden damit, das Zentrum zu reinigen und zu organisieren, doch bald wurde er inspiriert, selbst Kunst zu schaffen. Zuerst malte und zeichnete er, begann dann aber, komplexe Objekte aus Stoff zu fertigen. Oft hüllte er verschiedene Gegenstände, die er fand oder als Geschenke erhielt, in Kokons ein. Mit einer von ihm selbst erfundenen Technik baute er sich sogar ein Atelierzelt, in dem er arbeitet. Besucher, die ihn sehen möchten, müssen ihm zuerst erlauben, einen Laborkittel anzulegen und ihren Puls zu messen, um sie von ihren Leiden zu heilen, bevor sie sein Atelier betreten dürfen.

Pascal Tassini – Untitled Stoffassemblagen

Pascal Tassini – Untitled Stoffassemblagen

Eugene Andolsek

Wie viele Outsider betrachtete sich Eugene Andolsek nie als Künstler. Er zeichnete mit Stiften auf Millimeterpapier zur Entspannung an seinem Küchentisch, als Ausgleich zum Alltag. Jahrzehntelang sammelte er seine spektakulären geometrischen Zeichnungen in einer Truhe, während er als Eisenbahnstenograf arbeitete und sich um seine kranke Mutter kümmerte. Nach seiner Pensionierung und dem Tod seiner Mutter verlor er schließlich sein Augenlicht und musste sich in eine Pflegeeinrichtung begeben. Dort entdeckte eine Mitarbeiterin seine Kunstwerke und erkannte deren Besonderheit. 2005, im Alter von 84 Jahren, drei Jahre vor seinem Tod, wurden seine Werke erstmals im American Folk Art Museum ausgestellt. Er war überrascht über die positive Aufmerksamkeit, die seine Bilder erhielten, da er sie zuvor bestenfalls als bunte Untersetzer betrachtet hatte.

Eugene Andolsek – Zwei unbetitelte geometrische abstrakte Tuschezeichnungen auf Millimeterpapier

Judith Scott

Die abstrakten skulpturalen Werke von Judith Scott bieten einen herzzerreißend kraftvollen Ausdruck der Menschlichkeit dieser Outsider-Künstlerin. Taub, stumm und mit Down-Syndrom geboren, verbrachte Judith fast die ersten vier Jahrzehnte ihres Lebens unter erbärmlichen Bedingungen in verschiedenen Einrichtungen. Erst 1986, im Alter von 44 Jahren, nahm ihre Zwillingsschwester Judith in Obhut und brachte sie mit nach Hause nach Oakland, Kalifornien. Dort konnte Judith Kurse im Creative Growth Art Center besuchen. Zum ersten Mal begann sie, Kunst zu schaffen. Sie sammelte verschiedene Gegenstände und wickelte sie in aufwändige Fasergeflechte, bis ihre Form verborgen war. Die entstandenen Skulpturen spiegeln manchmal die Form des Ausgangsobjekts wider, manchmal auch nicht. Obwohl sie Kokons ähneln, ist es treffender zu sagen, dass sie einen gegenteiligen, aber dennoch verwandlungsreichen Prozess durchlaufen haben. Es ist, als ob durch das Bedecken ihre wesentliche Präsenz erst sichtbar geworden ist.

Faserumhüllte Abstraktion von Judith Scott (links) und Judith Scott mit einer ihrer Schöpfungen (rechts)

Tetsuaki Hotta

Der japanische Künstler Tetsuaki Hotta wurde im Alter von 19 Jahren wegen einer als geistige Behinderung beschriebenen Diagnose in eine Einrichtung eingewiesen. Doch als er dort Kunstunterricht nahm, zeigte sich schnell, dass seine Fähigkeit zu fortgeschrittenem abstraktem Denken intakt war. Seit 1970 malt Hotta ausschließlich abstrakte geometrische Kompositionen, die Häuser ähneln. Er ist völlig uninteressiert an den Formen, die in seinen Werken erscheinen. Er nutzt die Kompositionen rein als Untersuchungen von Farbe und Raum auf einer ebenen Fläche. Zusammengenommen sind diese ausdrucksstarken, intuitiven Gemälde das Outsider-Kunst-Äquivalent zu den Werken des deutsch-amerikanischen Künstlers und Lehrers Josef Albers, der sein Leben lang Farbe durch seine Hommage an das Quadrat-Reihe erforschte.

Tetsuaki Hotta – Kunstwerk

Dan Miller

Der in Kalifornien geborene Dan Miller wuchs in einer Stadt namens Castro Valley gegenüber von San Francisco auf. Autistisch geboren, fand er, wie Judith Scott, seine künstlerische Berufung im Creative Growth Art Center in Oakland. Dan Miller beschäftigt sich intensiv mit Text, den er nicht so sehr als eigenständiges Ausdrucksmittel nutzt, sondern als ästhetisches Medium, durch das kompositorische und ästhetische Bedeutung entstehen kann. Seine Kompositionen wurden mit den Werken des abstrakten Künstlers Cy Twombly verglichen, der ebenfalls glyphenartige Formen und sparsame Farbpaletten in seinen Gemälden verwendete. Im Gegensatz zu Twombly greift Miller jedoch auf tatsächlichen Text zurück, der aus seiner inneren Welt stammt, und schichtet ihn fortwährend, bis er unlesbar wird. Seine Werke wurden weithin gelobt und sind sogar im New Yorker MoMA vertreten.

Dan Miller – Ohne Titel, UD, Acryl, Marker auf Papier, 145 x 193 cm

Dan Miller – Ohne Titel (weiß auf schwarz), 2013, Acryl und Tusche auf Papier, 142 x 193 cm

Ursprüngliche Instinkte

Im Verlauf unserer Recherche für diesen Artikel stießen wir auf die faszinierende Geschichte des britischen Zoologen Desmond Morris. Neben seiner Arbeit als Wissenschaftler war Morris ein Outsider-Surrealist. Er stellte seine Kunst Ende der 1940er und Anfang der 1950er Jahre in London aus. Sein größter Beitrag zur Kunst entstand jedoch 1957, als er die abstrakten Gemälde eines Kollegen aus seinem Hauptberuf ausstellte: eines Schimpansen namens Congo. Die Idee abstrakter Kunst, geschaffen von einem Schimpansen, mag albern klingen. Sie könnte sogar anstößig erscheinen. Doch einige der berühmtesten Künstler der Welt suchten Desmond Morris auf, um Gemälde von Congo zu erwerben. Salvador Dali und Pablo Picasso besaßen jeweils eines, und Joan Miró tauschte sogar eines seiner eigenen Werke gegen ein Gemälde von Congo mit Morris.

Was Dali, Picasso und Miró verstanden, war, dass Menschen einen ursprünglichen, abstrakten ästhetischen Drang mit anderen Tieren teilen. Der schöpferische Akt ist unser universelles Erbe als Bewohner dieses Planeten. Viele verschiedene Tiere finden Freude an der Erforschung von Mustern, Formen, Linien, Farben, Texturen und Kompositionen. Dali ging sogar so weit zu sagen, dass der Schimpanse wie ein Mensch malte und Jackson Pollock wie ein Tier. Vielleicht erklärt das, warum wir so viel Freude an der Arbeit autodidaktischer Künstler und anderer Menschen haben, die Outsider-Kunst schaffen. Sie verkörpern unsere Hoffnung, dass es etwas Reines, Unverfälschtes, Ursprüngliches, Wesentliches und Universelles in uns allen gibt, das durch Kunst ausgedrückt und vielleicht verstanden werden kann.

Titelbild: Judith Scott – Eine ihrer faserumhüllten Abstraktionen
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio