Interview mit Claude Viallat

Die französische Kunstgeschichte der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wäre ohne die Erwähnung einer bedeutenden Figur der französischen und internationalen Kunstszene – Claude Viallat – unvollständig. Dieser bemerkenswerte Schöpfer ist einer der größten französischen abstrakten Künstler der letzten Jahrzehnte. Obwohl es Phasen gab, in denen er mit verschiedenen Stilen und Ansätzen experimentierte, blieb Claude Viallat seiner eigenen visuellen Sprache treu und brach oft die konventionellen Regeln und traditionellen Maltechniken. Viallat wird insbesondere für seine berühmte Methode gelobt, bei der eine einzelne Form ohne Keilrahmen auf die Leinwand angebracht wird. Vor der bevorstehenden Einzelausstellung von Claude Viallat in der Galerie Daniel Templon in Paris hatte IdeelArt in Zusammenarbeit mit Art Media Agency die Gelegenheit, einen Nachmittag im Atelier des Künstlers in Nîmes, Frankreich, zu verbringen, wo er lebt und arbeitet, und ein exklusives Interview zu führen.

Claude Viallat - Essenz und Negation

Was in Viallats Karriere herausragt, ist die Tatsache, dass er seinen eigenen Regeln und Normen immer treu geblieben ist, egal wie andere sie wahrnahmen. Früh in seiner Karriere war Viallat Mitglied der Supports/Surfaces-Bewegung, wo er zusammen mit anderen Künstlern den Fokus auf Materialien und kreative Gesten legte und das Subjekt selbst in den Hintergrund stellte. Seine Experimente mit Farbe und Textur führten zur Schaffung einer Reihe von Werken, für die er am besten bekannt ist. Darüber hinaus malte Viallat auf verschiedenen Oberflächen, einschließlich recycelter Materialien, Regenschirmen, verschiedenen Stoffen, gewebtem oder geknotetem Seil. Claude Viallat, die große Figur der zeitgenössischen abstrakten Kunst, ist noch aktiv und blickt auf eine Karriere von 50 Jahren zurück. Die Pariser Galerie Templon organisiert eine Ausstellung, die eine neue historische Perspektive auf Werke dieses bedeutenden französischen Künstlers präsentiert. Die Ausstellung eröffnet am 4. Juni und ist bis zum 23. Juli 2016 zu sehen.

Ihre Arbeit spielt stark mit dem Paar Wiederholung-Differenz. Wiederholung von Gesten, Verfahren; Unterschied in Materialien, Farben…

Ich würde sagen, dass meine Arbeit in erster Linie von der alltäglichen Natur der Dinge handelt. Wir sind alle Menschen, die ständig dieselben Gesten wiederholen, und wir erhalten immer unterschiedliche Situationen aus diesen Gesten. Jeder Tag ist eine Wiederholung des Gleichen, die zu unterschiedlichen Dingen führt.

Dies ist das Prinzip hinter meiner Arbeit: Wenn man dieselben Gesten auf ähnlichen Materialien und noch mehr auf unterschiedlichen Materialien ausführt, erhält man jeden Tag sehr unterschiedliche Ergebnisse. Ich versuche nicht, etwas Neues zu erfinden: Ich lasse die Dinge so geschehen, dass die Neuheit von selbst erfunden wird.

Jeden Tag lebe ich, unterwerfe mich, sammle, reflektiere, rette Eindrücke, Gefühle, Visionen. Ich lasse all dies mich nähren. Während ich an Leinwänden arbeite, die weder beschichtet noch beklebt sind, sind Materialien bedeutend. Je nach der Geschmeidigkeit einer Farbe nimmt das Material sie unterschiedlich auf: es kann sie absorbieren, widerstehen, sie stehen lassen, ohne sie aufzusaugen, oder andererseits aufsaugen und verteilen. Ich erforsche, wie Materialien, Stoffe, die Samt, Plane, Laken sein können, einen ganz anderen Effekt im Umgang mit Farbe erzeugen.

Sie’wird oft als großer Kolorist beschrieben.

Ich akzeptiere, wie sich Farbe zeigt, das ist alles. Ein Maler sucht Töne so, dass sie zusammenpassen. Ich lege Töne auf einen Stoff, ein Material, und ich akzeptiere das

Durch diese Begriffe von Akzeptanz, Resignation, Wiederholung der Geste können wir einige Parallelen zu asiatischen Philosophien ziehen. Ist das ein Einfluss für Ihre Arbeit??

Was mich an der Philosophie interessiert, ist die Anstrengung, nicht einzugreifen, wenn etwas geschieht. Akzeptieren, was passiert, es sich merken, es danach analysieren – auch die Möglichkeiten sehen, wenn man anders gearbeitet hätte, die Unterschiede, die dasselbe Material ausdrückt. Ich versuche, all dies im Gedächtnis zu behalten, es zu vergessen und dann neu zu beginnen.

Claude Viallat in seinem Atelier

 Claude Viallat - Sans titre n°39, 1985, Acryl auf Überzug, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 in

Über den Malstil

Wäre das Ihre Definition von Malerei?

Etwas davon ist darin. Ich gehöre zu einer Generation, die über das Ende der Malerei nachdachte. In den 1950er Jahren hörte man oft vom Konzept des „letzten Gemäldes“. Kurz gesagt, es war notwendig, eine andere Art zu erfinden,

Meiner Meinung nach besteht anders zu malen darin, meinen Beruf zu hinterfragen. Woraus besteht er? Leinwände nehmen, sie auf Rahmen legen, aufkleben, einkleiden und dann eine Farbpalette hinzufügen, um die richtigen Töne zu finden. Ich habe versucht, eine rohe Leinwand über einen Rahmen zu spannen und mit Farben zu arbeiten, die aus heißer Gelatine mit universeller Färbung bestehen. Ich habe auch Holzfärbung verwendet, versucht, Pigmente mit Wasser, Alkohol zu verdünnen; ich habe vergängliche Färbungen benutzt, die keine Sicherheit bieten, oder Acrylfarben.

Die ersten Monochrome zeigten noch den Wunsch, die Leinwand über einen Rahmen zu spannen. Aber wenn das Spannen der Leinwand über einen Rahmen ein Gemälde machte, dann war es notwendig, diesen Mechanismus zu demontieren, indem man den Rahmen beiseitelegt, die Leinwand auf die andere Seite – mit der Spannung zwischen diesen beiden Elementen, die eine neue Art von Gemälde entstehen lässt.

Wir fanden dies mit Supports/Surfaces. Dezeuze arbeitete am Rahmen ohne Leinwand; Saytour stellte Gitter auf rohen Leinwänden dar, das heißt, er legte das Bild des Rahmens auf die Leinwand; und ich arbeitete auf Leinwand ohne Rahmen, daher die Dekonstruktion des Gemäldes.

Rückblickend, wie sehen Sie diese Dekonstruktion der Malerei als Medium?

Es war notwendig. Junge Amerikaner wundern sich immer noch über die Dekonstruktion der Malerei, bringen aber den Rahmen immer wieder in den Vordergrund. Es ist, als ob das Abnehmen der Leinwand vom Rahmen der Kunstgeschichte widerspräche. Für mich ist es eine parallele Geschichte, die die Malerei befreit hat, zumindest in eine Richtung. Wenn wir die internationale Szene betrachten, sind Künstler, die auf ungespannter Leinwand arbeiten, selten. Amerikaner tun sich schwer, den Rahmen loszuwerden.

Ihre Arbeit knüpft an die von Matisse aufgeworfene Idee an, der Malerei Aufmerksamkeit zu schenken’s grundlegendes Objekt.

Als Matisse malte, erschien manchmal das Weiß der Leinwand auf dem Bild — was traditionell als Ketzerei galt. In meiner Arbeit wird der Stoff selbst zum mittleren Support und gleichzeitig zur durchschnittlichen Farbe, mit anderen Worten zum Standard, nach dem die Farbverteilung organisiert wird, ihr Material. Alles reagiert in Bezug auf diesen Standard. Je nach Qualität dieses mittleren Supports erhalten wir Dinge, die eine Beziehung zu ihm bilden.

Wie positionieren Sie sich in Bezug auf die Abstraktion?

Meine Malerei ist weniger eine Frage von Abstraktion oder Figuration als ein System, das in der Wiederholung derselben Form besteht. Wenn ich Formen ändere, aber nicht das System, dann ändere ich nichts. Ich werde mir der Freiheit bewusst, die ich habe, indem ich auf denselben Formen beharre und das Paradox der täglichen Routine spüre, das durch die Wiederkehr derselben Form verkörpert wird. Jeden Tag konstruiere ich unendlich verschiedene Leinwände, und das gibt mir eine äußerst große Freiheit.

Im Allgemeinen wähle ich meine Stoffe nicht aus, die Leute bringen sie mir. Ich versuche, mit unwahrscheinlichen Materialien zu arbeiten. Es ist vor allem das Material und seine Qualität, die den Großteil meiner Arbeit ausmachen.

Sie reisten in den 1970er Jahren in die Vereinigten Staaten und wurden von der Amerindianischen Kunst berührt.

Was nährt meine Arbeit? Die Geschichte der westlichen Malerei, natürlich, aber auch die Geschichte aller Malerei: östliche, fernöstliche, australische, amerikanische — und mit amerikanisch meine ich „indigen“. Alle indianischen Ethnien, die auf Zelten oder Schilden gemalt haben, inspirieren mich. Die Schildmalerei wurde meist auf runden Supports ausgeführt und war beladen mit Totemtieren und den Früchten von Heldentaten — Fuchs- oder Wolfschwänze, Skalps…. Kurz gesagt, alles, was die Geschichte des Kriegers erzählt. Der indianische Schild ist nicht nur defensiv, er ist auch ein symbolisches Bild des Kriegers. Der Schild ist rund, meist aus einem Weidenzweig gefertigt, der zu einem Reifen gebogen und gebunden wurde. Mit anderen Worten, der primäre Kreis. Dies ist das primäre Bild des runden Rahmens; so wie der Bogen das extremste Bild der aufgespannten Leinwand ist — eine Saite, die auf Holz gespannt ist. Diese zwei Objekte sind grundlegend.

Ebenso war die Vorgeschichte die Ära der ersten bildlichen Darstellungen. Und was war die erste bildliche Darstellung? Ein menschlicher Abdruck; mit anderen Worten, jemand ist ausgerutscht, im Schlamm gefallen und hat dann seine Hand an die Wand einer Höhle gelegt. Der Akt des Ausrutschens und Eintauchens der Hand in den Schlamm führte zu einer beladenen Hand, die sich dann an der Wand entlud… Als der Schlamm trocknete, entstand das Bild der Hand: das war das erste Porträt. Der Andere wurde durch einen Teil von sich selbst dargestellt, eine Spur, ein Abdruck. Nach diesem ersten Bild wurde die Darstellung komplexer, indem der Mensch einen Gegentyp seiner Hand schuf, indem er Farbe aus dem Mund über die Hand spuckte. Die rechte Hand war eine umgedrehte linke Hand. Der Akt des Überspuckens der Hand erweiterte und verengte zugleich die Perspektive. Schon damals lagen unendliche Möglichkeiten der Darstellung zugrunde.

Ihre Arbeit scheint sich auf die Reflexion über das Wesen, über die Ursprünge zu beziehen.

Das ist es, was ich versuche. Der Kreis, der Reifen, der Schild und der Bogen sind primäre Elemente. In der Geschichte gibt es Wissen über eine bestimmte Anzahl von Gesten oder Systemen, die sowohl elementar als auch primär sind. Zum Beispiel der Keil, der Dinge anhebt oder blockiert, um zu verhindern, dass etwas herumrollt. Die Lotlinie ist ein Seil und ein Stein, gleichzeitig ist sie ein Bullroarer – ein Musikinstrument –, eine Möglichkeit, etwas zu beschweren, die Vertikale zu bestimmen. All diese Elemente sind in diesem Seil und diesem Stein enthalten. Es gibt auch die Garrotte oder die Waage mit dem Ausgleichsgewicht... Das sind universelle, primäre Systeme. Was mich interessiert, nämlich in der Skulptur, ist die Wiederverwendung oder das Hinterfragen all dieser einfachen, universellen Systeme.

Bildet Ihre Skulptur eine universelle Grammatik?

Es sind Objekte, die prekär, unbefestigt sind, die in ihrer Prekarität belassen werden und keine Sicherheit bieten. Aber die Kunstgeschichte ist auch die Geschichte des Kunstmarktes, und das sind keine Merkmale, die traditionell vom Markt geschätzt werden. Sie bieten keine Sicherheit.

Das Studio von Claude Viallat

 

Claude Viallat Studio

Über den Kunstmarkt und Supports/Surfaces

Da Ihre Arbeit so produktiv ist, geht sie gegen den Markt. Wie ist Ihre Beziehung zum Markt?

Alle meine Arbeiten zielen darauf ab, die Kunst zu entmystifizieren. Einige Elemente kennzeichnen traditionell den Markt, wie die Unterschrift des Künstlers oder die Seltenheit. Ich gehe dagegen an. Meine Arbeit ist produktiv und ich messe einem gemalten Faden genauso viel Bedeutung bei wie einer gemalten Leinwand. Alle Malereielemente bilden Malerei. Ein Faden aus einem Gemälde ist ein Gemälde in derselben Weise wie das Gemälde selbst. Ich kann eine Leinwand signieren, aber keinen Faden, also warum sollte ich die Leinwand signieren, wenn ich den Faden nicht signieren kann?

Dann gibt es den Status schöner Materialien, einen schönen Beruf sowie die Sicherheit der Materialien und die Sakralisierung der Leinwand. Meine gesamte Arbeit widerspricht dem ebenfalls. Ich habe Freude an der Arbeit und sehe nicht ein, warum ich mir diese Freude nehmen sollte – und vor allem im Namen von was. Vielleicht leiden meine Leinwände darunter, aber ich nicht. Der Rest ist Sache des Händlers, das betrifft mich nicht.

Vielleicht bin ich anmaßend. Ich mache nie Fehler, weil ich nichts suche. Ich erschaffe und akzeptiere, was ich erschaffe. Für mich haben alle Leinwände die gleiche Bedeutung.

Haben Sie alle Absichten zur Kontrolle aufgegeben?

Das Schwierigste ist, zu akzeptieren, nicht zu beherrschen, was wir von Tag zu Tag tun. Es ist eine Form der Selbstbeherrschung, nicht zu beherrschen, was wir tun. Der beste Weg, meine Arbeit zu verändern, ist, nicht zu wissen, was ich tun werde, mich zu zwingen, zu entdecken, zu analysieren, was ich gerade getan habe, und vorherzusagen, was ich tun könnte. Für mich bedeutet das, sich aller Möglichkeiten bewusst zu bleiben, die ich mir vorgestellt habe, und sie dann nicht zu brauchen, weil die Arbeit ihr Ergebnis von selbst liefert.

Supports/Surfaces wurde in den Vereinigten Staaten wiederentdeckt. Wie fühlen Sie sich damit?

Dass die Arbeit von Supports/Surfaces in den Vereinigten Staaten angekommen ist und amerikanische Maler dieselben Fragen stellen wie wir damals – aber auf ihre eigene Weise – erscheint mir völlig normal.

So funktioniert das. Anfang der 1970er Jahre zeigte ich ein Netz auf der Pariser Biennale. Es geschah, dass ein amerikanischer Maler und ein japanischer Maler zur gleichen Zeit dasselbe taten, obwohl wir uns nicht kannten. Durch ihre eigenen Kulturen kamen sie auf der Grundlage unterschiedlicher Logiken zu diesem Bild. Das finde ich faszinierend.

Aber wenn sich die Malerei verändert, betrifft dies nicht in erster Linie das Bild – Künstler sehen nur das Bild, das ist der blinde Fleck unserer Zeit. Die Veränderung des Bildes betrifft die Malerei nicht, denn es ist die Malerei selbst, die interessant ist. Die grundlegende Frage lautet: „Was ist Malerei?“

Titelbild: Claude Viallat in seinem Atelier

Die Art Media Agency (AMA) beteiligte sich an der Durchführung dieses Interviews. AMA ist eine internationale Nachrichtenagentur, die sich auf den Kunstmarkt spezialisiert hat. AMA produziert jede Woche über 300 Artikel, die alle Aspekte der Kunstwelt abdecken, einschließlich Galerien, Auktionshäuser, Messen, Stiftungen, Museen, Künstler, Versicherungen, Versand und Kulturpolitik.

Bilder aus dem Atelier von Claude Viallat ©IdeelArt