Interview mit Claude Viallat

Die französische Kunstgeschichte der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wäre unvollständig, ohne eine bedeutende Figur der französischen und internationalen Kunstszene zu erwähnen – Claude Viallat. Dieser bemerkenswerte Schöpfer ist einer der größten französischen abstrakten Künstler der letzten Jahrzehnte. Obwohl es Phasen gab, in denen er mit verschiedenen Stilen und Ansätzen experimentierte, blieb Claude Viallat seiner eigenen visuellen Sprache treu und brach oft mit den konventionellen Regeln und traditionellen Maltechniken. Viallat wird insbesondere für seine berühmte Methode gelobt, bei der eine einzige Form ohne Spannrahmen auf die Leinwand aufgebracht wird. Vor der bevorstehenden Einzelausstellung von Claude Viallat in der Galerie Daniel Templon in Paris hatte IdeelArt, in Zusammenarbeit mit der Art Media Agency, die Gelegenheit, einen Nachmittag im Atelier des Künstlers in Nîmes, Frankreich, zu verbringen, wo er lebt und arbeitet, und ein exklusives Interview zu führen.

Claude Viallat - Essenz und Negation

Was in Viallat's Karriere herausragend ist, ist die Tatsache, dass er seinen eigenen Regeln und Normen immer treu geblieben ist, egal wie die anderen sie wahrnahmen. Früh in seiner Karriere war Viallat Mitglied der Supports/Surfaces-Bewegung, wo er zusammen mit anderen Künstlern den Fokus auf Materialien und kreative Gesten legte und das Sujet selbst in den Hintergrund stellte. Seine Experimente mit Farbe und Textur führten zur Schaffung einer Reihe von Werken, für die er am bekanntesten ist. Darüber hinaus malte Viallat auf einer Vielzahl von verschiedenen Oberflächen, einschließlich recycelter Materialien, Regenschirmen, verschiedenen Stoffen, gewebtem oder geknotetem Seil. Claude Viallat, die große Figur der zeitgenössischen abstrakten Kunst, ist weiterhin aktiv, mit einer Karriere, die sich über 50 Jahre erstreckt. Die Pariser Galerie Templon organisiert eine Ausstellung, die eine neue historische Perspektive auf die Werke dieses bedeutenden französischen Künstlers präsentiert. Die Ausstellung eröffnet am 4. Juni und ist bis zum 23. Juli 2016 zu sehen.

"Ihre Arbeit spielt stark mit dem Paar Wiederholung-Unterschied. Wiederholung von Gesten, Verfahren; Unterschied in Materialien, Farben…"

Ich würde sagen, dass meine Arbeit vor allem die Alltäglichkeit der Dinge betrifft. Wir sind alle Menschen, die ständig die gleichen Gesten wiederholen, und wir erhalten immer unterschiedliche Situationen aus diesen Gesten. Jeder Tag ist eine Wiederholung des Gleichen, die zu unterschiedlichen Dingen führt.

Das ist das Prinzip hinter meiner Arbeit: Wenn Sie die gleichen Gesten auf ähnlichen Materialien und noch mehr auf unterschiedlichen Materialien ausführen – werden Sie jeden Tag sehr unterschiedliche Ergebnisse erzielen. Ich strebe nicht danach, etwas Neues zu erfinden: Ich lasse die Dinge so kommen, dass die Neuheit von selbst erfunden wird.

Jeden Tag lebe ich, reiche ich ein, sammle ich, reflektiere ich, rette ich Eindrücke, Gefühle, Visionen. Ich lasse all dies mich nähren. Während ich an Leinwänden arbeite, die weder beschichtet noch geklebt sind, sind die Materialien bedeutend. Je nach der Geschmeidigkeit einer Farbe wird das Material unterschiedlich darauf reagieren: es kann sie absorbieren, ihr widerstehen, sie stehen lassen, ohne sie einzuweichen, oder andererseits sie einweichen und diffundieren. Ich erkunde, wie Materialien, Stoffe, die Samt, Plane, Laken sein können, einen völlig anderen Effekt im Umgang mit Farbe erzeugen.

Du’wird oft als großartiger Kolorist beschrieben.

Ich akzeptiere die Art und Weise, wie Farbe sich zeigt, das ist alles. Ein Maler sucht Töne, um sie abzugleichen. Ich lege Töne auf einen Stoff, ein Material, und ich akzeptiere die

Durch diese Vorstellungen von Akzeptanz, Resignation, Wiederholung von Gesten können wir einige Parallelen zu asiatischen Philosophien ziehen. Ist das ein Einfluss auf Ihre Arbeit??

Was mich an der Philosophie interessiert, ist der Aufwand, der damit verbunden ist, nicht einzugreifen, wenn etwas passiert. Das Akzeptieren dessen, was geschieht, es zu memorieren, es danach zu analysieren – auch die Möglichkeiten zu sehen, wenn man anders gearbeitet hätte, die Unterschiede, die durch dasselbe Material ausgedrückt werden. Ich habe mir vorgenommen, all dies im Gedächtnis zu behalten, es zu vergessen und dann von vorne zu beginnen.

Claude Viallat in seinem Atelier

 Claude Viallat -  Ohne Titel Nr. 39, 1985, Acryl auf Deckel, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 in

Über Malstil

Wäre das Ihre Definition von Malerei?

Darüber gibt es etwas. Ich gehöre zu einer Generation, die über das Ende der Malerei nachgedacht hat. In den 1950er Jahren hörten wir oft von dem Konzept des "letzten Gemäldes". Kurz gesagt, es war notwendig, eine andere Art von ... zu erfinden.

Meiner Meinung nach ist es eine Frage meines Berufs, anders zu malen. Woraus besteht es? Leinwände nehmen, sie auf Rahmen legen, sie bekleben, sie anziehen und dann eine Reihe von Farben hinzufügen, um die richtigen Töne zu finden. Ich habe versucht, eine rohe Leinwand über einen Rahmen zu spannen und mit Farben zu arbeiten, die aus heißer Gelatine mit universeller Färbung bestehen. Ich habe auch Holzbeize verwendet, versucht, Pigmente mit Wasser, Alkohol zu verdünnen; ich habe flüchtige Färbungen verwendet, die keine Sicherheit bieten, oder Acrylfarben.

Die ersten Monochrome zeigten immer noch den Wunsch, Leinwand über einen Rahmen zu spannen. Aber wenn das Spannen von Leinwand über einen Rahmen ein Gemälde machte, dann war es notwendig, diesen Mechanismus zu demontieren, indem man den Rahmen zur Seite stellte, die Leinwand auf die andere Seite, wobei die Spannung zwischen diesen beiden Elementen eine neue Art von Gemälde erzeugte.

Wir fanden dies mit Supports/Surfaces. Dezeuze arbeitete am Rahmen ohne Leinwand; Saytour stellte Gitter auf rohen Leinwänden dar, das heißt, er setzte das Bild des Rahmens auf die Leinwand; und ich arbeitete an Leinwänden ohne Rahmen, daher die Dekonstruktion des Gemäldes.

Rückblickend, wie sehen Sie diese Dekonstruktion der Malerei als Medium?

Es war notwendig. Junge Amerikaner fragen sich immer noch über die Dekonstruktion der Malerei, bringen aber immer den Rahmen wieder in den Vordergrund. Es ist, als ob das Abnehmen der Leinwand vom Rahmen gegen die Kunstgeschichte verstoßen würde. Für mich ist es eine parallele Geschichte, die die Malerei befreit hat, zumindest in eine Richtung. Wenn wir uns die internationale Szene ansehen, sind Künstler, die mit ungespannten Leinwänden arbeiten, selten. Amerikaner haben Schwierigkeiten, sich vom Rahmen zu lösen.

Ihre Arbeit verbindet sich mit der Idee, die von Matisse aufgebracht wurde, Interesse an der Malerei zu zeigen.’s Grundobjekt.

"Als Matisse malte, erschien manchmal das Weiß der Leinwand im Gemälde – was traditionell als Häresie galt. In meiner Arbeit wird der Stoff selbst zur medianen Unterstützung und gleichzeitig zur durchschnittlichen Farbe, mit anderen Worten, zum Standard, nach dem die Farbauswahl organisiert ist, zu seinem Material. Alles reagiert in Bezug auf diesen Standard. Je nach Qualität dieser medianen Unterstützung erhalten wir Dinge, die eine Beziehung zu ihr bilden."

Wie situierst du dich in Bezug auf Abstraktion?

"Mein Gemälde ist nicht so sehr eine Frage der Abstraktion oder Figuration, sondern ein System, das aus der Wiederholung derselben Form besteht. Wenn ich Formen ändere, aber nicht die Systeme, dann ändere ich nichts. Ich werde mir der Freiheit bewusst, die ich habe, indem ich auf denselben Formen bestehe und das Paradox der täglichen Routine spüre, das durch die Wiederkehr derselben Form verkörpert wird. Jeden Tag konstruiere ich unendlich unterschiedliche Leinwände, und das gibt mir extrem große Freiheit."

Im Allgemeinen wähle ich meine Stoffe nicht aus, die Leute bringen sie mir. Ich versuche, mit unwahrscheinlichen Materialien zu arbeiten. Es sind vor allem das Material und seine Qualität, die den Großteil meiner Arbeit ausmachen.

Du bist in den 1970er Jahren in die Vereinigten Staaten gereist und wurdest von der amerikanischen Indianerkunst berührt.

Was nährt meine Arbeit? Natürlich die Geschichte der westlichen Malerei, aber auch die Geschichte aller Malerei: östlich, fernöstlich, australisch, amerikanisch – und mit amerikanisch meine ich „indigen“. Alle indischen Ethnien, die auf Zelten oder Schilden gemalt haben, inspirieren mich. Die Schildmalerei wurde normalerweise auf runden Unterlagen durchgeführt und war beladen mit Totem-Tieren und den Früchten von Heldentaten – Fuchs- oder Wolfsschwänzen, Schädels.... Kurz gesagt, alles, was die Geschichte des Kriegers erzählt. Der indianische Schild ist nicht nur defensiv, er ist auch ein symbolisches Bild des Kriegers. Der Schild ist rund, besteht in der Regel aus einem Weidenzweig, der zu einem Ring gebogen und gebunden ist. Mit anderen Worten, der primäre Kreis. Dies ist das primäre Bild des runden Rahmens; ebenso wie der Bogen das extremste Bild der auf einem Rahmen gespannten Leinwand ist – eine Schnur, die auf Holz gespannt ist. Diese beiden Objekte sind grundlegend.

Ähnlich war die Vorgeschichte die Ära der ersten bildlichen Darstellungen. Und was war die erste bildliche Darstellung? Ein menschlicher Abdruck; mit anderen Worten, jemand rutschte aus, fiel in den Schlamm und legte dann seine Hand an die Wand einer Höhle. Der Akt des Ausrutschens und das Eintauchen einer Hand in den Schlamm führten zu einer beladenen Hand, die sich dann an der Wand entlud… Als der Schlamm trocknete, entstand das Bild der Hand: das war das erste Porträt. Der Andere wurde durch einen Teil von sich selbst dargestellt, eine Spur, ein Abdruck. Nach diesem ersten Bild wurde die Darstellung komplexer, da der Mensch einen Gegenentwurf seiner Hand schuf, indem er Farbe aus seinem Mund über die Hand spuckte. Die rechte Hand war eine umgedrehte linke Hand. Der Akt des Spuckens über die Hand erweiterte und verengte die Perspektive zugleich. Bereits unendliche Möglichkeiten lagen der Darstellung zugrunde.

Ihre Arbeit scheint mit der Reflexion über das Wesen, über die Ursprünge, verbunden zu sein.

Das ist es, was ich versuche zu tun. Der Kreis, der Reifen, das Schild und der Bogen sind grundlegende Elemente. In der Geschichte gibt es Wissen über eine bestimmte Anzahl von Gesten oder Systemen, die sowohl elementar als auch primär sind. Zum Beispiel der Keil, der Dinge anhebt oder blockiert, um zu verhindern, dass etwas herumrollt. Die Senklot ist ein Seil und ein Stein, gleichzeitig ist es ein Bullroarer – ein Musikinstrument – eine Möglichkeit, etwas zu wiegen, um die Vertikale zu bestimmen. All diese Elemente sind in diesem Seil und diesem Stein enthalten. Es gibt auch die Garotte oder die Balkenwaage... Diese sind universelle, primäre Systeme. Was mich interessiert, nämlich in der Skulptur, ist die Wiederverwendung oder die Infragestellung all dieser einfachen, universellen Systeme.

Bildet Ihre Skulpturen eine universelle Grammatik?

Sie sind Objekte, die prekär, unfixiert sind, die in ihrer Prekarität belassen werden und keine Sicherheit bieten. Aber die Geschichte der Kunst ist auch die Geschichte des Kunstmarktes, und das sind keine Merkmale, die traditionell vom Markt geschätzt werden. Sie bieten keine Sicherheit.

Das Studio von Claude Viallat

 

Claude Viallat Studio

Über den Kunstmarkt und Unterstützungen/Oberflächen

So produktiv zu sein, steht Ihrer Arbeit im Widerspruch zum Markt. Wie ist Ihre Beziehung zum Markt?

"All meine Arbeit zielt darauf ab, die Mythen der Kunst zu entlarven. Einige Elemente charakterisieren traditionell den Markt, wie die Unterschrift des Künstlers oder die Seltenheit. Ich gehe gegen sie. Meine Arbeit ist produktiv und ich lege ebenso viel Wert auf einen gemalten Faden wie auf eine gemalte Leinwand. Alle Malereielemente bilden die Malerei. Ein Faden aus einer Malerei ist eine Malerei aus demselben Grund wie die Malerei. Ich kann eine Leinwand signieren, aber keinen Faden, also warum sollte ich die Leinwand signieren, wenn ich den Faden nicht signieren kann?"

Dann gibt es den Status schöner Materialien, einen schönen Beruf sowie die Sicherheit der Materialien und die Sakralisierung der Leinwand. All meine Arbeit steht auch dem entgegen. Ich habe Freude an der Arbeit und sehe nicht ein, warum ich mir dieses Vergnügen verwehren sollte – und vor allem im Namen von was. Vielleicht leiden meine Leinwände darunter, ich jedoch nicht. Der Rest ist Sache des Händlers, das betrifft mich nicht.

Vielleicht bin ich eingebildet. Ich mache nie Fehler, weil ich nichts suche. Ich erschaffe und akzeptiere, was ich erschaffe. Für mich haben alle Leinwände die gleiche Bedeutung.

Hast du alle Absichten, Kontrolle auszuüben, aufgegeben?

"Das Schwierigste ist, zu akzeptieren, dass wir nicht beherrschen, was wir von Tag zu Tag tun. Es ist eine Form der Selbstbeherrschung, zu akzeptieren, dass wir nicht beherrschen, was wir tun. Der beste Weg, meine Arbeit zu verändern, besteht darin, nicht zu wissen, was ich tun werde, mich zu zwingen, zu entdecken, zu analysieren, was ich gerade getan habe, und vorherzusagen, was ich tun könnte. Für mich bedeutet das, sich aller Möglichkeiten bewusst zu bleiben, die ich in Betracht gezogen habe, und sie dann nicht zu benötigen, weil die Arbeit ihr Ergebnis von selbst liefert."

"Supports/Surfaces" wurde in den Vereinigten Staaten exhumiert. Wie fühlen Sie sich darüber?

"Dass die Arbeit von Supports/Surfaces in den Vereinigten Staaten angekommen ist und dass amerikanische Maler die gleichen Fragen stellen wie wir damals – aber auf ihre eigene Art – erscheint mir ganz normal."

So funktioniert das. Zu Beginn der 1970er Jahre zeigte ich ein Netz auf der Pariser Biennale. Es kam so, dass ein amerikanischer Maler und ein japanischer Maler zur gleichen Zeit dasselbe taten, obwohl wir uns nicht kannten. Durch ihre eigenen Kulturen kamen sie auf der Grundlage unterschiedlicher Logiken zu diesem Bild. Ich finde das faszinierend.

"Aber wenn sich die Malerei verändert, betrifft das nicht in erster Linie das Bild – Künstler sehen nur das Bild, das ist der blinde Fleck unserer Zeit. Die Modifikation des Bildes betrifft die Malerei nicht, denn es ist die Malerei selbst, die interessant ist. Die grundlegende Frage lautet: 'Was ist Malerei?'"

Vorgestelltes Bild: Claude Viallat in seinem Studio

Die Art Media Agency (AMA) hat an der Durchführung dieses Interviews teilgenommen. AMA ist eine internationale Nachrichtenagentur, die sich auf den Kunstmarkt konzentriert. AMA produziert wöchentlich über 300 Artikel, die alle Aspekte der Kunstwelt abdecken, einschließlich Galerien, Auktionshäuser, Messen, Stiftungen, Museen, Künstler, Versicherungen, Versand und Kulturpolitik.

Bilder aus dem Studio von Claude Viallat ©IdeelArt