Louise Bourgeois Kunst und die Reduktion der Form

Für diejenigen, die abstrakte Kunst als Weg zu einem introspektiveren und erfüllteren Leben sehen, war Louis Bourgeois die Verkörperung eines Ideals. Aber nicht wegen ihrer Ehrungen oder Auszeichnungen oder des Ruhms, den sie erlangte: ganz im Gegenteil. Es ist, weil Louis Bourgeois Kunst das anspricht, was für unser tägliches Leben relevant ist. Um Gichin Funakoshi, den Vater des modernen Karate, zu paraphrasieren: Wenn wir erkennen, wie etwas mit unserem Alltag zusammenhängt, entdecken wir seine Essenz. Die Kunstwelt wird zu oft durch Manifeste definiert und in Bewegungen, Epochen und Stile unterteilt. Künstler werden zu oft nach Geschlecht, Rasse, Nationalität und Bildungshintergrund kategorisiert. Wir vergessen leicht, dass der wahre Wert der Kunst jenseits solcher kleinlichen Überlegungen liegt. Die Werke von Louise Bourgeois erheben sich selbstbewusst über Klassifizierungen. Ihr ästhetischer Beitrag bewohnt ernsthaft einen Raum, der sowohl gegenständlich als auch symbolisch ist. Er ist grotesk und doch erhaben. Sie erforschte jede vorstellbare Disziplin, ohne sich an einen bestimmten Trend zu binden, und erfand dennoch einige Trends auf ihrem Weg. Im Verlauf einer sieben Jahrzehnte währenden Karriere erreichte sie, was nur wenige andere abstrakte Künstler schafften: Sie schuf persönliche Kunstwerke, die universell waren.

Widersprüchliche Kräfte

Louise Bourgeois wurde in eine Familie voller Widersprüche geboren. Ihr Vater war ein erfolgreicher Versorger, aber zugleich die größte Bedrohung für Louises Sicherheit. Ihre Eltern waren Partner im Geschäft und im Leben, doch ihr Vater führte unverhohlen sexuelle Affären, die die Stabilität beider bedrohten. Louises im Haus lebende Kindermädchen und Lehrerin, angeblich Beschützerin und Führerin, war tatsächlich die Geliebte ihres Vaters. Louises Mutter, eine Weberin für das Familien-Textilunternehmen, war eine liebevolle, schützende Kraft und ihre stärkste Fürsprecherin, war aber auch körperlich schwach und starb schließlich jung.

Während ihrer gesamten Jugend erlebte Louise täglich die Brutalität eines Zuhauses, das zugleich von Zuneigung geprägt und von ihr bedroht war. Sie erfuhr die nackte Wahrheit über die Zerbrechlichkeit des menschlichen Charakters. Sie fühlte Eifersucht, Wut, Angst, Einsamkeit und Verwirrung. Doch sie mangelte nie an Schutz, Nahrung, Kleidung oder Schulbildung. Sie wurde geliebt und geschätzt, zumindest von einem Elternteil. Als ihre Mutter starb, war Louise 21 Jahre alt und studierte Mathematik an der Universität. Anstatt diesen Weg weiterzugehen, wie es ihr Vater wünschte, wurde Louise durch den Tod ihrer Mutter inspiriert, ihr Leben radikal zu verändern. Sie schlug einen Weg ein, der es ihr erlaubte, ihre Gefühle zu konfrontieren und auszudrücken. Sie gab die Mathematik auf und widmete sich stattdessen dem Leben als Künstlerin.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronze, Silbernitratpatina. 33 × 41,9 × 19,7 cm; 13 × 16 1/2 × 7 3/4 Zoll. © 2018 The Easton Foundation

Symbolik und Psychotherapie

Sechs Jahre nach dem Tod ihrer Mutter studierte Louise Kunst und erhielt eine praktische Ausbildung, indem sie die Ateliers erfolgreicher Künstler besuchte und bei deren Ausstellungen half. Mit 27 eröffnete sie kurzzeitig einen Laden in einer Ecke des Textilgeschäfts ihres Vaters, in dem sie Kunstdrucke verkaufte. Er erlaubte ihr die Nutzung des Raums, da es ein Geschäftsunternehmen war. Eines Tages kam sie im Laden mit einem Sammler ins Gespräch. Dann, wie sie es ausdrückte, „zwischen Gesprächen über Surrealismus und die neuesten Trends,“ heirateten sie.

Dieser Sammler war Robert Goldwater, ein angesehener Kunsthistoriker aus Amerika. Robert und Louise zogen nach New York, wo Louise weiterhin Kunst studierte und ihr ästhetisches Spektrum erweiterte. Beeinflusst vom Surrealismus und dem Konzept der Psychotherapie wandte sich Louise ihrer traumatischen Kindheit als Thema ihrer Kunst zu. Sie entwickelte eine symbolische Formensprache, die auf einer Kombination ihrer Erinnerungen und Träume basierte.

Louise Bourgeois - Give or Take (Wie fühlst du dich heute Morgen), 1990. Gegossene und polierte Bronzeskulptur. 11,4 × 22,9 × 15,2 cm; 4 1/2 × 9 × 6 Zoll. Auflage 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Die Symbolik von Louise Bourgeois

Louises symbolische Bildsprache bestand aus persönlichen Bildern, die für sie eine offensichtliche Bedeutung hatten. Für Betrachter wirkte ihre Kunst jedoch wild, kühn, abstrakt und sogar schockierend. Eine der häufigsten symbolischen Formen bei Louise war die Spinne. Bereits in den 1940er Jahren integrierte Louise Spinnen und Netze in Zeichnungen und Drucke und schuf sogar eine Reihe abstrakter, netz-inspirierter Häkelarbeiten. Sie erklärte, dass Spinnen eine symbolische Anspielung auf ihre Mutter seien. Ihre Mutter war Weberin, und wie ihre Mutter sind Spinnen Beschützer, da sie Mücken fressen, die Krankheiten übertragen.

Schließlich nahmen ihre Spinnenformen monumentale Ausmaße an und erreichten ihren Höhepunkt mit einer 9 Meter hohen Skulptur mit dem Titel Maman. Neben Spinnen umfasste Bourgeois’ symbolische Bildsprache Käfige, Häuser, männliche und weibliche Geschlechtsorgane, Haushaltsgegenstände wie Stühle und Kleidung, und sie stellte oft biomorphe Formen dar, die Körperteile ähneln. Eines ihrer bekanntesten Werke trägt den Titel Die Zerstörung des Vaters und zeigt eine Auswahl von Objekten, die Organen und Fleisch ähneln, ausgebreitet auf einem Tisch, umgeben von Kugeln, die einen riesigen offenen Mund voller Zähne darstellen.

Louise Bourgeois - Spinne, 1997. Stahl, Wandteppich, Holz, Glas, Stoff, Gummi, Silber, Gold und Knochen. 449,6 × 665,5 × 518,2 cm; 177 × 262 × 204 Zoll. © 2018 The Easton Foundation

Getrennt und doch verbunden

Der rote Faden, der sich durch alle Werke von Bourgeois zieht, ist, dass alle ihre Bilder mit ihren privaten, persönlichen Erfahrungen zusammenhängen. Eines der stärksten Gefühle, das sie mit ihren Betrachtern teilen wollte, war das Zusammenspiel von Gemeinschaft und Isolation. In den 1940er Jahren schuf sie eine Reihe von skulpturalen Formen, die verschiedene ihr bekannte Personen darstellten. Sie zeigte die Formen auf scheinbar zufällige Weise. Doch allmählich, beim Betrachten der Anordnungen, beginnen die einzelnen Formen ihre Eigenschaften auszudrücken und jede erhält eine eigene Persönlichkeit, bis sich ein Gefühl der Wechselwirkung zwischen ihnen entwickelt.

Gefühle von Gemeinschaft und Isolation sind auch integraler Bestandteil einer Reihe von skulpturalen Objekten, die Bourgeois in den 1950er Jahren schuf, einer Zeit, in der sie sich von ihrem Ehemann und ihren Kindern inspirieren ließ und sich auf die sanfteren Seiten des Lebens konzentrierte. Objekte wie Night Garden, Cumul I und Clamart Other zeigen jeweils eine Ansammlung von Formen. Die Ansammlungen wirken organisch, scheinen aber auch Wesen darzustellen, die sich zum Schutz oder Trost zusammengefunden haben.

Louise Bourgeois - Messerpaar, 1949 (Guss 1991). Bronze und rostfreier Stahl. 171,5 × 30,5 × 30,5 cm; 67 1/2 × 12 × 12 Zoll. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Jenseits von Etiketten

Obwohl viele von Bourgeois’ Werken gegenständlich erscheinen, liegt das Wesen ihrer Arbeit darin, dass sie symbolisch und persönlich ist. Sie stellte oft Nacktheit dar und konzentrierte sich auf die weibliche Form, lehnte jedoch entschieden jede sozialen oder politischen Aussagen in ihrer Arbeit ab. Sie war weiblich, und Sexualität war eine starke Kraft in ihrer Erziehung; es gab wenig oder keine soziale oder politische Absicht in solchen Bildern. Dennoch wurde sie wegen der kraftvollen Bilder in vielen ihrer Werke häufig mit feministischer und LGBTQ-Kunst in Verbindung gebracht. Obwohl sie einer solchen Darstellung heute wohl nicht widersprechen würde, stellte sie auch klar, dass es nicht ihr Ziel war, diese Themen in ihrer Arbeit zu behandeln. Sie sagte einmal: „Meine Arbeit behandelt Probleme, die vor dem Geschlecht liegen. Zum Beispiel ist Eifersucht weder männlich noch weiblich.“

Es ist sinnvoll, Bourgeois’ Werk auf persönlicher Ebene zu betrachten. Schließlich ist ihre Symbolik relativ zu ihren eigenen Erfahrungen. Dennoch kann jeder von uns darin etwas finden, mit dem er sich identifizieren kann. Wenn wir offen sind, können wir es aus der Perspektive einer größeren Weisheit annehmen. Wenn wir einen Körper sehen können, ohne in männlich oder weiblich zu denken, werden wir weniger isoliert und universeller menschlich. Wenn wir uns erlauben, sowohl vom Leiden als auch von der Liebe unserer Mitmenschen zu profitieren, entsteht ein Mehrwert für ihre Erfahrung und unsere eigene.

Titelbild: Louise Bourgeois - Bogen der Hysterie, 1993. Bronze, polierte Patina. 83,8 × 101,6 × 58,4 cm; 33 × 40 × 23 Zoll. Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio