Drei Meister der Farbe Blau in der zeitgenössischen Kunst

Wenn Sie die Farbe Blau sehen, was empfinden Sie? Würden Sie es anders beschreiben als das Gefühl, das Sie haben, wenn Sie das Wort Blau hören oder auf einer Seite lesen? Ist die Information, die durch einen Farbton vermittelt wird, anders als die Information, die durch seinen Namen übermittelt wird? Was auch immer Sie fühlen, ist es möglich, dass dieses Gefühl universell ist? Oder bedeutet die Farbe Blau für verschiedene Menschen unterschiedliche Dinge? Und wie sieht es bei Tieren aus? Verbinden sie Farbe mit Emotionen, oder nutzen sie ihre Farbrezeptoren nur zum Überleben? Diese Fragen haben Farbexperten seit Jahrhunderten beschäftigt, und in mancher Hinsicht sind wir heute nicht näher an einer Antwort als vor hundert Jahren. Doch ein kürzlich von Phaidon Press veröffentlichtes Buch bringt uns zumindest im Hinblick auf Kunst ein Stück weiter zum Verständnis von Farbe. Geschrieben von Stella Paul, einer ehemaligen Kuratorin des Los Angeles County Museum of Art und ehemaligen Programmleiterin des Metropolitan Museum of Art in New York, hebt Chromaphilia: The Story of Color in Art 240 einzelne Kunstwerke hervor. Ihre umfassende Erforschung der Farbe wirft nicht nur neues Licht auf die unzähligen Arten, wie zehn verschiedene Farbkategorien von Künstlern im Laufe der Geschichte verwendet wurden, sondern untersucht auch die vielfältigen Verbindungen von Farbe mit Wissenschaft, Emotion, Ästhetik und anderen Bereichen der menschlichen Kultur. Heute möchten wir einen genaueren Blick auf die Werke einiger der Künstler werfen, die Paul in ihrem Buch erwähnt, um die Vielfalt und Kraft der Farbe Blau zu veranschaulichen: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso und Yves Klein.

Farbe sehen

Eine der merkwürdigen Eigenschaften von Farbe ist, wie oft zwei Menschen gleichzeitig am selben Ort dasselbe Objekt betrachten und dennoch behaupten, das Objekt habe eine unterschiedliche Farbe. Wir fragen uns: „Wie kann das sein? Ist Farbe nicht objektiv?“ Die kurze Antwort lautet: Nein. Farbe ist oft subjektiv. Der Grund liegt in der Wissenschaft dahinter, wie Menschen Farbe sehen. Menschen (und die meisten anderen Tiere, die Farbe sehen) sind Trichromaten. Das bedeutet, dass die Rezeptoren in den menschlichen Augen drei Grundwellenlängen wahrnehmen, die Farben entsprechen. Vielleicht haben Sie schon vom RGB-Farbmodell gehört, das von einigen Druckern verwendet wird. Die Buchstaben RGB stehen für Rot, Grün und Blau. Dieses Farbmodell entspricht am ehesten dem menschlichen Sehen. Natürlich sind Rot, Grün und Blau nicht die einzigen Farben, die das menschliche Auge wahrnehmen kann. Tatsächlich können die meisten Menschen bis zu sieben Millionen verschiedene Farbtöne unterscheiden. Doch jeder dieser Farbtöne wird im Gehirn interpretiert, nachdem das Auge ihn zunächst als eine Kombination aus Rot, Grün und Blau wahrgenommen hat.

Außerdem hängt die Farbe, die wir einem Objekt zuschreiben, nicht nur vom Objekt selbst ab. Ja, wir könnten das Material eines Objekts analysieren und auf Grundlage seiner chemischen Zusammensetzung eine Vorstellung davon bekommen, welche Farbe dieses Material wahrscheinlich hat. Aber die chemische Zusammensetzung ist nicht der einzige Faktor, der bestimmt, welche Farbe wir wahrnehmen. Der Grund, warum Menschen überhaupt Farbe wahrnehmen können, ist das Licht. Und Licht kann ebenfalls gefärbt sein, wodurch es die Farbe verändern kann, die unsere Augen sehen, wenn sie eine Oberfläche betrachten. Zudem kann ein Augenpaar empfindlicher oder einfach anders empfindlich auf Licht reagieren als ein anderes, was dazu führt, dass zwei Gehirne Farbe unterschiedlich interpretieren. Im Grunde kann das, was uns das Sehen von Farbe ermöglicht, auch unsere Farbwahrnehmung verändern. Daher kann es manchmal tatsächlich subjektiv erscheinen, über Farbe zu sprechen, und es kann geradezu albern wirken, darüber zu streiten, welche Farbe etwas hat.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, Acryl auf Leinwand, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Die Farbe Blau

Dennoch variieren die Unterschiede, die verschiedene Menschen sehen, wenn sie etwas in einer bestimmten Farbe betrachten, normalerweise nicht so dramatisch, dass zum Beispiel eine Person Rot sieht und eine andere Blau. Meistens sind die Unterschiede subtiler, etwa wenn eine Person Himmelblau sieht und eine andere Aquamarin. Was jedoch stark variieren kann, ist die Bandbreite der anderen Dinge, die unser Gehirn wahrnimmt, wenn wir eine bestimmte Farbe betrachten, über ihre physikalischen Eigenschaften hinaus. Wie der erste Satz des Kapitels über die Farbe Blau in Chromaphilia: The Story of Color in Art feststellt: „Es gibt viele Arten von Blau – alle derselbe Farbton, doch mit unerschöpflichen Variationen in Aussehen, Wirkung, Herkunft und Bedeutung.“

Das Aussehen haben wir bereits behandelt. Aber der Spaß beginnt wirklich, wenn wir „Wirkung, Herkunft und Bedeutung“ betrachten. Was die Wirkung betrifft, kann eine Person die Farbe Blau sehen und sich beruhigt fühlen. Eine andere kann beim Anblick von Blau traurig werden. Vieles davon, wie wir auf Farbe reagieren, hängt von unseren bisherigen Erfahrungen mit dieser Farbe ab. Die Herkunft ist eine weitere faszinierende Überlegung, denn jede Variation der Farbe Blau entsteht aus einer grundlegend anderen Mischung von Elementen. Unterschiede in blauen Farbpigmenten können aus verschiedenen Kombinationen von Bindemitteln und Mineralien resultieren. Unterschiede im blauen Licht können mit verschiedenen Partikeln in der Luft zusammenhängen. Und was die Bedeutung betrifft, wird es richtig kompliziert. Jeder Einzelne, jede Gruppe und jede Kultur entwickelt eine eigene eigentümliche Beziehung zur Farbe Blau. Daher ist es bei der Verwendung von Blau in einem Kunstwerk buchstäblich unmöglich vorherzusagen, welche Bedeutung beim Betrachten des Kunstwerks wahrgenommen wird. Um zu erkunden, wie wild die Unterschiede in der Wahrnehmung von Blau in der Kunst sein können, betrachten wir die Werke der drei in Chromaphilia: The Story of Color in Art genannten Künstler: Yves Klein, Helen Frankenthaler und Picasso.

Pablo Picasso - Mutter und Kind, 1902, Öl auf Leinwand

Blau in den Werken von Yves Klein

Wenn es um Kunst des 20. Jahrhunderts und die Farbe Blau geht, fällt den meisten Menschen sofort Yves Klein ein. Der Legende nach hing Klein als junger Mann mit seinen Freunden, dem Künstler Arman und dem französischen Komponisten Claude Pascal, am Strand ab. Die drei teilten die Welt unter sich auf. Arman wählte die Erde. Pascal wählte geschriebene Symbole. Und Klein wählte den Himmel, hob sofort die Hand und zeichnete seinen Namen in die Luft. Von diesem Moment an wurde Farbe für Klein wichtig. Eine seiner ersten Ausstellungen zeigte monochrome Leinwände in verschiedenen reinen Farben. Als das Publikum jedoch nicht verstand, was er ausdrücken wollte, erkannte er, dass er vereinfachen und nur eine Farbe verwenden musste, um seinen Punkt zu machen. So begann er, seinen eigenen charakteristischen Farbton zu entwickeln.

Wie Stella Paul in Chromaphilia: The Story of Color in Art erklärt: „[Klein] arbeitete mit Edouard Adam, einem Pariser Farbverkäufer, der mit Chemikern bei Rhone-Poulenc zusammenarbeitete, um ein synthetisches Bindemittel zu schaffen... Das Ergebnis war Rhodopas M60A, das mit Ethanol und Ethylacetat auf verschiedene Viskositätsstufen verdünnt werden konnte. Dieses Bindemittel bewahrt die magische Leuchtkraft des Pigments...Klein ließ sich seine eigene synthetische Farbe mit diesem neuen Bindemittel anfertigen, die er als IKB (International Klein Blue) patentieren ließ; ab 1957 verwendete er dieses Pigment fast ausschließlich.“ Klein nutzte International Klein Blue, um seine ikonischen monochromen blauen Leinwände und mehrere monumentale öffentliche Installationen zu schaffen. Er verwendete es auch für einige seiner einflussreichsten Werke: Performance-Stücke, bei denen sich nackte Modelle mit IKB bedeckten und ihre Körper in verschiedenen Konfigurationen gegen Leinwände drückten.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archiv

Blau in den Werken von Helen Frankenthaler

Die abstrakte Malerin Helen Frankenthaler war eine weitere meisterhafte Verfechterin der Farbe Blau im 20. Jahrhundert. Frankenthaler erfand eine Maltechnik namens Soak-Stain. Dabei wird Farbe direkt auf die Oberfläche einer ungeprimten, nicht aufgespannten Leinwand gegossen, die auf dem Boden ausgebreitet liegt, und die Farbe darf in die Fasern einsickern und sich von selbst über die Oberfläche ausbreiten. Frankenthaler begann diese Technik zunächst mit Ölfarben, erkannte aber bald, dass Ölfarben die rohe Leinwand schnell beschädigen. Deshalb wurde sie eine frühe Verfechterin von Acrylfarben, die diesen schädigenden Effekt nicht haben. Acrylfarben besitzen jedoch lebendige, leuchtende Eigenschaften in Bezug auf den Farbton. Indem sie verschiedene reine Farbtöne direkt auf ihre Leinwände goss, konnte Frankenthaler die Farbflüsse so lenken, dass sie Farbbeziehungen auf neue Weise erforschte, ohne konzeptuelle Einflüsse durch Elemente wie Linie, Form, Struktur oder Gestalt.

In Chromaphilia: The Story of Color in Art widmet Stella Paul besonderes Augenmerk dem Gemälde Mountains and Sea, das Helen Frankenthaler 1952 malte. Es gilt als die erste Leinwand, die Frankenthaler mit ihrer Soak-Stain-Technik schuf. Paul sagt über das Werk: „Nachdem sie aus einer Zwischenzeit in Nova Scotia in ihr New Yorker Atelier zurückgekehrt war, erinnerte sich Frankenthaler später, dass sie die kanadische Landschaft verinnerlicht hatte, die nicht nur in ihrem Geist, sondern auch in ihrer Schulter und ihrem Handgelenk verankert war. Mit diesem Hintergrund von Geist und Körper schuf sie eine lyrische, pastorale Abstraktion, um eine Erinnerung an einen Ort durch Farbe heraufzubeschwören.“ Frankenthaler verstand den Prozess des Farbengießens als eine Art Übersetzung von etwas, das in ihrem Körper verinnerlicht war, in etwas, das auf der Leinwand äußerlich sichtbar wurde. Das Gemälde verwendet fast ausschließlich Rottöne, Grüntöne und Blautöne, wobei die verschiedenen Blautöne am deutlichsten als abstrakte, nicht gegenständliche Darstellung des Meeres hervorstechen.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Blau in den Werken von Picasso

Farbe war für Pablo Picasso von größter Bedeutung, besonders in den frühen Phasen seiner Künstlerlaufbahn. Oft wird seine Arbeit aus dieser Zeit nach Farben eingeteilt, etwa in seine Rosa-Periode und seine Blaue Periode. Diese Einteilungen hängen offensichtlich mit den vorherrschenden Pigmenten zusammen, die er damals in seinen Gemälden verwendete, beziehen sich aber auch auf die Umstände seines Privatlebens, die angeblich die Themen beeinflussten, die er mit diesen verschiedenen Farbtönen darstellte. Seine Rosa-Periode erstreckte sich ungefähr von 1904 bis 1906. Sie fiel mit dem Beginn seiner Beziehung zu seiner Geliebten Fernande Olivier und seinem Umzug in das Montmartre-Viertel von Paris zusammen. Seine Werke aus der Rosa-Periode zeigen fröhliche Bilder von Harlekinen und Zirkussen. Am Ende seiner Rosa-Periode malte Picasso sein wegweisendes Werk, das rosafarbene Les Demoiselles d’Avignon, das oft als Vorläufer des Kubismus genannt wird.

Die Blaue Periode von Picasso lag vor seiner Rosa-Periode, etwa von 1901 bis 1904. Es war eine Zeit in seinem Leben, die von Bewusstsein für Depression und Traurigkeit geprägt war. Picasso sagte einmal: „Ich begann in Blau zu malen, als ich vom Tod Casagemas erfuhr.“ Die Bemerkung bezieht sich auf seinen lieben Freund Carlos Casagemas, der sich in einem Pariser Café erschoss, während Picasso außer Haus war. Als Picasso nach Paris zurückkehrte, lebte und arbeitete er im Atelier von Casagemas, wo er begann, fast monochrome Kompositionen in Blau zu malen. Wie Stella Paul in Chromaphilia: The Story of Color in Art hervorhebt: „Das allgegenwärtige Blau von The Old Guitarist ist der materielle Ausdruck von etwas Traurigem, Ausgegrenztem und Randständigem. Eine Dämmerstimmung von Niedergeschlagenheit liegt über der unnatürlich blau getönten Haut des Subjekts, seiner Kleidung und dem umgebenden Raum. Die kantigen Gesten und die schlanken Glieder und Züge dieses niedergeschlagenen, blinden Musikers verstärken die Eindrücke, die durch die beharrliche blaue Farbe entstehen.“ Aber wie wir an diesen drei Beispielen von Yves Klein, Helen Frankenthaler und Pablo Picasso sehen, vermittelt Blau nicht immer Traurigkeit, genauso wenig wie es immer auf den Himmel oder das Meer verweist. Die potenzielle Bandbreite der Farbtöne, die wir mit Blau meinen, ist scheinbar endlos. Ebenso groß ist die Vielfalt der Gefühle, Stimmungen, Zusammenhänge und Bedeutungen, die wir der Farbe entlocken können.

Pablo Picasso - Frühstück eines Blinden, 1903, Öl auf Leinwand

Titelbild: Yves Klein - Untitled Blue Monochrome, 1960, Foto © Yves Klein Archiv
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio