Was die Section d’Or für den Kubismus und die abstrakte Kunst im Allgemeinen bedeutete

Der Kubismus entstand aus den Köpfen und Pinseln von Pablo Picasso und Georges Braque. Aber das Verdienst, das Wissen über die kubistische Methode der breiten Masse zugänglich zu machen, gebührt zweifellos der Groupe de Puteaux und ihrer bahnbrechenden kubistischen Ausstellung von 1912, La Section d'Or. Die ersten kubistischen Gemälde erschienen um 1909 und lösten eine Schockwelle durch die Pariser Avantgarde aus, die wiederum eine Reihe anderer Maler dazu brachte, die Theorien und Prinzipien zu übernehmen, die Picasso und Braque entwickelten. Picasso und Braque äußerten sich selten öffentlich zu ihren Experimenten, aber ihre Anhänger griffen das Wenige auf, was sie teilten, und nutzten diese Ideen, um eine definitive konzeptuelle Bewegung zu formulieren. Zu den frühesten Kubisten-Konvertiten gehörten Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier, Fernand Léger und die Brüder Duchamp – Marcel Duchamp, Jacques Villon und Raymond Duchamp-Villon. Einige dieser Künstler stellten gemeinsam auf dem Salon des Indépendants 1911 aus, wonach sie begannen, sich formell in den Pariser Vororten zu treffen, entweder im Atelier von Albert Gleizes in Courbevoie oder im Haus der Duchamp-Brüder in Puteaux. Dieser zweite Treffpunkt gab der Groupe de Puteaux, oder Puteaux-Gruppe, ihren Namen. Bei diesen Treffen führte die Gruppe tiefgehende Diskussionen darüber, was Kubismus ist und was nicht, und skizzierte sowohl seine Wurzeln als auch seine Ziele. Bis 1912 hatten sie eine vollständig ausgearbeitete Vorstellung ihrer Methode, weshalb sie diesen Moment mit der ersten großen kubistischen Ausstellung markierten: La Section d'Or. Zur Begleitung der Ausstellung veröffentlichten Gleizes und Metzinger „Du Cubism“, die erste – und einzige – Erklärung des Kubismus, die von frühen kubistischen Künstlern selbst verfasst wurde. Die Wirkung sowohl der Ausstellung als auch des Essays auf die Entwicklung der künstlerischen Kultur ihrer eigenen Zeit und auf die jeder kommenden Generation ist kaum zu überschätzen.

Die goldene Idee

Die Puteaux-Gruppe nannte ihre erste Ausstellung „La Section d’Or“ als Anspielung auf das „Goldene Verhältnis“, ein mathematisches Konzept, das mehr als 2000 Jahre zurückreicht. Das Konzept beinhaltet geometrische Werte, die regelmäßig in der Natur vorkommen. Es ist eine objektive Formel, hat aber im Laufe der Jahrhunderte auch bestimmte mystische Zuschreibungen erhalten. Die Puteaux-Künstler diskutierten bei ihren Treffen häufig mathematische Formeln, einschließlich des Goldenen Verhältnisses. Sie wählten den Begriff als Titel für ihre Ausstellung wegen dessen, was sie darin sahen. In keiner Weise behaupteten sie, das Goldene Verhältnis tatsächlich in ihrer Arbeit angewandt zu haben. Sie waren lediglich an der Bedeutung der Idee des Goldenen Verhältnisses für die Menschen interessiert. Dennoch stürzten sich Kritiker darauf, Beweise für das Goldene Verhältnis in den auf der „La Section d’Or“ ausgestellten Gemälden zu suchen.

Albert Gleizes - Les Baigneuses (Die Badenden), 1912. Öl auf Leinwand. 105 x 171 cm. Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Goldenes Rechteck (Gemälde, 1 zu 1,618 ± 0,07), Goldener Verhältnis Raster (goldenes/gelbes Raster, so1 - so4) und 4 : 6 Verhältnis Rasterüberlagerung. Quelle: wikipedia.

In einigen Gemälden von Juan Gris fanden sie solche Beweise in der Kompositionsanordnung, und mindestens ein Gemälde von Gleizes hatte ungewöhnliche Maße, die der Formel entsprechen. Aber in „Du Cubism“ steht klar: „Wir sind weder Geometer noch Bildhauer; für uns sind Linien, Flächen und Säulen nur Nuancen des Begriffs der Fülle. Geometrie ist eine Wissenschaft, Malerei ist eine Kunst. Der Geometer misst, der Maler genießt.“ Für viele Betrachter ist diese Erklärung unbefriedigend, besonders wenn sie Kubismus in konkreten Begriffen verstehen wollen. Mir wurde zunächst beigebracht, dass Kubismus eine Art ist, vierdimensionalen Raum auszudrücken, indem mehrere gleichzeitige Perspektiven gezeigt werden – und ich habe dies in mehreren früheren Artikeln so geschrieben. Und obwohl ich immer noch glaube, dass dies eine genaue Beschreibung vieler kubistischer Gemälde ist, verstehe ich nach der Lektüre von „Du Cubism“ meinen Fehler. Die Sprache des Kubismus war nicht explizit definiert. Sie basierte nur teilweise auf Logik und teilweise auf Gefühl und entwickelte sich im Laufe der Zeit. Das Ziel der kubistischen Künstler war nicht zu definieren, sondern zu suggerieren. Wie Gleizes und Metzinger schrieben: „Bestimmte Formen müssen implizit bleiben, damit der Geist des Betrachters der gewählte Ort ihrer konkreten Geburt ist.“

Juan Gris - Mann in einem Café, 1912. Öl auf Leinwand. 127,6 x 88,3 cm. Philadelphia Museum of Art. Ausgestellt auf dem Salon de la Section d'Or 1912

Irrtümer des Auges

Auch wenn wir keinem einzelnen spezifischen Programm die Kubisten zuordnen können, können wir zumindest die Bedeutung festhalten, die sie der Innovation beimaßen. „Du Cubism“ besagt, dass das einzige Gesetz der Kunst das Gesetz der Zeit ist. Künstler dürfen die Kunst der Vergangenheit nicht imitieren. Sie müssen ihrer eigenen Zeit angehören und für sich selbst entdecken, was das bedeutet. Der Kampf, den die Kubisten führten, unterscheidet sich in dieser Hinsicht nicht von dem Kampf, den jede Generation abstrakter Künstler seitdem geführt hat: Es ist der Kampf, den Unterschied zwischen dem, was das Publikum sieht, und dem, was das Publikum versteht, zu überwinden. Gleizes und Metzinger schrieben: „Das Auge interessiert den Geist schnell an seinen Fehlern.“ Zum Teil bezogen sie sich auf ihre eigenen Gemälde und darauf, wie Betrachter sie schnell mit den Augen absuchten und dann im Geist zu Schlussfolgerungen sprangen. Sie hofften, dass die Betrachter lernen könnten, abstrakte Kunst langsam zu lesen, die verschiedenen Elemente wie Wörter auf einer Seite aufzunehmen und zu warten, bis das gesamte Werk gelesen ist, bevor sie versuchen, es zu verstehen.

Jean Metzinger - La Femme au Cheval (Frau mit Pferd), 1911-1912. Öl auf Leinwand. 162 x 130 cm. Statens Museum for Kunst, Nationalgalerie Dänemark. Veröffentlicht in Apollinaires 1913 Les Peintres Cubistes. Ausgestellt auf dem Salon des Indépendants 1912.

Der Ausdruck dieser bescheidenen Hoffnung ist nur eine Art, wie „Du Cubism“ jede künstlerische Methode beeinflusst hat, die im vergangenen Jahrhundert entwickelt wurde. Wir sehen seinen Einfluss auch in der Ausdrucksweise der „Verwandtschaft von Farbe und Form“, wo die Wurzeln der Lehren von Hans Hofmann klar sind; in seiner Beharrlichkeit, dass Kunst „eine Fixierung unserer Persönlichkeit ist: unmessbar, in der nichts je wiederholt wird“, wo der Geist des Abstrakten Expressionismus, Tachismus, Forma 1 und so viele andere ästhetische Positionen lauern; und in seiner Umarmung von „so vielen Bildern des Objekts wie Augen, die es betrachten, so vielen Bildern der Essenz wie Köpfe, die es verstehen“, wo wir den Ruf der Konzeptkunst und des bildgesättigten Post-Internet-Zeitalters hören. Welchen zukünftigen Einfluss La Section d’Or, die Puteaux-Gruppe oder der Kubismus noch bieten werden, wird vielleicht am besten in einem der letzten Sätze von „Du Cubism“ ausgedrückt, wo Gleizes und Metzinger diesen Gedanken anboten: „Die Menschen werden schließlich erkennen, dass es nie eine kubistische Technik gab, sondern einfach eine malerische Technik, die einige Maler mit Mut und Vielfalt zeigten.“

Titelbild: Albert Gleizes - Ernte-Dreschen (Le Dépiquage des Moissons), 1912. Öl auf Leinwand. 269 x 353 cm. National Museum of Western Art, Tokio

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken

Von Phillip Barcio