Was der Abschnitt oder die Bedeutung für den Kubismus und die abstrakte Kunst im Allgemeinen war
Der Kubismus entstand aus den Köpfen und Pinseln von Pablo Picasso und Georges Braque. Doch das Verdienst, die Kenntnisse der kubistischen Methode der breiten Masse zugänglich zu machen, gebührt zweifellos der Groupe de Puteaux und ihrer wegweisenden kubistischen Ausstellung von 1912, La Section d'Or. Die ersten kubistischen Gemälde tauchten um 1909 auf und lösten eine Schockwelle durch die Pariser Avantgarde aus, die wiederum eine Reihe anderer Maler dazu brachte, die von Picasso und Braque entwickelten Theorien und Prinzipien zu übernehmen. Picasso und Braque äußerten sich selten öffentlich zu ihren Experimenten, doch ihre Anhänger griffen das Wenige auf, was sie teilten, und nutzten diese Ideen, um eine endgültige konzeptuelle Bewegung zu formulieren. Zu den frühesten Kubisten, die sich anschlossen, gehörten Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri le Fauconnier, Fernand Léger und die Brüder Duchamp – Marcel Duchamp, Jacques Villon und Raymond Duchamp-Villon. Einige dieser Künstler stellten gemeinsam auf dem Salon des Indépendants 1911 aus, wonach sie begannen, sich formell in den Pariser Vororten zu treffen, entweder im Atelier von Albert Gleizes in Courbevoie oder im Haus der Duchamp-Brüder in Puteaux. Dieser zweite Treffpunkt gab der Groupe de Puteaux, oder Puteaux-Gruppe, ihren Namen. Bei diesen Treffen führten die Gruppe tiefgehende Diskussionen darüber, was Kubismus ist und was nicht, und skizzierten sowohl seine Wurzeln als auch seine Ziele. Bis 1912 hatten sie eine vollständig ausgearbeitete Vorstellung ihrer Methode, weshalb sie zu diesem Anlass die erste große kubistische Ausstellung organisierten: La Section d'Or. Zur Begleitung der Ausstellung veröffentlichten Gleizes und Metzinger „Du Cubism“, die erste – und einzige – Erklärung des Kubismus, die von frühen kubistischen Künstlern selbst verfasst wurde. Die Wirkung sowohl der Ausstellung als auch des Essays auf die Entwicklung der künstlerischen Kultur ihrer eigenen Zeit und auf die jeder folgenden Generation ist kaum zu überschätzen.
Die goldene Idee
Die Puteaux-Gruppe nannte ihre erste Ausstellung „La Section d’Or“ als Bezug auf das „Goldene Verhältnis“, ein mathematisches Konzept, das mehr als 2000 Jahre zurückreicht. Das Konzept umfasst geometrische Werte, die regelmäßig in der Natur vorkommen. Es ist eine objektive Formel, hat aber im Laufe der Jahrhunderte auch gewisse mystische Bedeutungen angenommen. Die Puteaux-Künstler diskutierten bei ihren Treffen häufig mathematische Formeln, darunter das Goldene Verhältnis. Sie wählten den Begriff als Titel für ihre Ausstellung wegen dessen, was sie darin sahen. In keiner Weise behaupteten sie, das Goldene Verhältnis tatsächlich in ihrer Arbeit angewandt zu haben. Sie interessierten sich lediglich dafür, was die Idee des Goldenen Verhältnisses für die Menschen bedeutet. Dennoch suchten Kritiker eifrig nach Belegen für das Goldene Verhältnis in den auf „La Section d’Or“ ausgestellten Gemälden.
Albert Gleizes - Les Baigneuses (Die Badenden), 1912. Öl auf Leinwand. 105 x 171 cm. Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Goldenes Rechteck (Gemälde, 1 zu 1,618 ± 0,07), Raster des Goldenen Verhältnisses (goldenes/gelbes Raster, so1 - so4) und 4 : 6 Verhältnis-Rasterüberlagerung. Quelle: Wikipedia.
Juan Gris fanden sie solche Belege in der Kompositionsanordnung, und mindestens ein Gemälde von Gleizes hatte ungewöhnliche Maße, die der Formel entsprechen. Doch in „Du Cubism“ heißt es klar: „Wir sind weder Geometer noch Bildhauer; für uns sind Linien, Flächen und Säulen nur Nuancen des Begriffs der Fülle. Geometrie ist eine Wissenschaft, Malerei ist eine Kunst. Der Geometer misst, der Maler genießt.“ Für viele Betrachter ist diese Erklärung unbefriedigend, besonders wenn sie den Kubismus in konkreten Begriffen verstehen wollen. Mir wurde zunächst beigebracht, dass Kubismus eine Art ist, den vierdimensionalen Raum auszudrücken, indem mehrere gleichzeitige Perspektiven gezeigt werden – und ich habe dies in mehreren früheren Artikeln so beschrieben. Und obwohl ich immer noch glaube, dass dies eine zutreffende Beschreibung vieler kubistischer Gemälde ist, verstehe ich nach der Lektüre von „Du Cubism“ meinen Irrtum. Die Sprache des Kubismus war nicht ausdrücklich definiert. Sie basierte nur teilweise auf Logik und teilweise auf Gefühl und entwickelte sich im Laufe der Zeit. Das Ziel der kubistischen Künstler war nicht zu definieren, sondern anzudeuten. Wie Gleizes und Metzinger schrieben: „Bestimmte Formen müssen implizit bleiben, damit der Geist des Betrachters der gewählte Ort ihrer konkreten Geburt ist.“
Juan Gris - Mann in einem Café, 1912. Öl auf Leinwand. 127,6 x 88,3 cm. Philadelphia Museum of Art. Ausgestellt auf dem Salon de la Section d'Or 1912.
Irrtümer des Auges
Auch wenn wir den Kubisten keine bestimmte Agenda zuschreiben können, so lässt sich doch feststellen, welchen hohen Wert sie auf Neuerung legten. „Du Cubism“ besagt, dass das einzige Gesetz der Kunst das Gesetz der Zeit ist. Künstler dürfen die Kunst der Vergangenheit nicht nachahmen. Sie müssen ihrer eigenen Zeit angehören und für sich selbst herausfinden, was das bedeutet. Der Kampf, den die Kubisten führten, unterscheidet sich in dieser Hinsicht nicht von dem Kampf, den jede Generation abstrakter Künstler seitdem geführt hat: Es ist der Kampf, die Differenz zwischen dem, was das Publikum sieht, und dem, was das Publikum versteht, zu überwinden. Gleizes und Metzinger schrieben: „Das Auge interessiert den Geist schnell an seinen Fehlern.“ Damit meinten sie zum Teil ihre eigenen Gemälde und wie die Betrachter sie rasch mit den Augen überflogen und dann im Geist zu Schlussfolgerungen sprangen. Sie hofften, dass die Betrachter lernen könnten, abstrakte Kunst langsam zu lesen, die verschiedenen Elemente wie Worte auf einer Seite aufzunehmen und zu warten, bis das ganze Werk gelesen ist, bevor sie versuchen, es zu verstehen.
Jean Metzinger - La Femme au Cheval (Frau mit Pferd), 1911-1912. Öl auf Leinwand. 162 x 130 cm. Statens Museum for Kunst, Nationalgalerie Dänemarks. Veröffentlicht in Apollinaires 1913 Les Peintres Cubistes. Ausgestellt auf dem Salon des Indépendants 1912.
Der Ausdruck dieser bescheidenen Hoffnung ist nur eine Art, wie „Du Cubism“ jede künstlerische Methode beeinflusst hat, die im vergangenen Jahrhundert entwickelt wurde. Wir sehen seinen Einfluss auch in der Darstellung der „Verwandtschaft von Farbe und Form“, wo die Wurzeln der Lehren von Hans Hofmann deutlich werden; in der Beharrlichkeit, dass Kunst „eine Fixierung unserer Persönlichkeit sein muss: unmessbar, in der nichts je wiederholt wird“, wo der Geist des Abstrakten Expressionismus, Tachismus, Forma 1 und vieler anderer ästhetischer Positionen spürbar ist; und in der Aufnahme von „so vielen Bildern des Gegenstandes, wie Augen ihn betrachten, so vielen Bildern des Wesens, wie Geister ihn verstehen“, wo wir den Ruf der Konzeptkunst und des bildgesättigten Post-Internet-Zeitalters hören. Welchen zukünftigen Einfluss La Section d’Or, die Puteaux-Gruppe oder der Kubismus noch haben werden, drückt vielleicht am besten einer der letzten Sätze von „Du Cubism“ aus, in dem Gleizes und Metzinger diesen Gedanken äußerten: „Die Menschen werden schließlich erkennen, dass es nie eine kubistische Technik gab, sondern einfach eine malerische Technik, die einige Maler mit Mut und Vielfalt zeigten.“
Titelbild: Albert Gleizes - Ernte-Dreschen (Le Dépiquage des Moissons), 1912. Öl auf Leinwand. 269 x 353 cm. Nationalmuseum der westlichen Kunst, Tokio
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
