18 Artistas Abstractos Contemporáneos Hablan Sobre Su Linaje

Es peligroso e imposible enseñar arte. Sin embargo, también es imperativo. Para que el arte exista, los artistas deben aprender cómo convertirse en lo que van a ser, y cómo crear lo que van a crear. Algunos aprenderán en la escuela, de otros humanos imperfectos como ellos que, por alguna razón, han asumido la tarea peligrosa, imposible e imperativa de compartir con otros lo que han aprendido. Otros artistas encontrarán maestros fuera del aula. Podrían aprender qué significa ser artista al convivir con otros artistas en inauguraciones o en bares. Podrían aprender qué significa hacer arte viendo videos en línea, o deconstruyendo el arte que ven en museos o en libros. Algunos artistas podrían enseñarse a sí mismos lo que son siguiendo la inspiración que reciben de la arquitectura y el diseño, simplemente respondiendo a los pensamientos y sentimientos que experimentan al interactuar con el entorno construido cotidiano y sus innumerables productos y espacios. Otros más pueden aprender a ser artistas simplemente abrazando—y luego nutriendo—su compulsión interna de crear. El proceso de hacer puede enseñarnos cómo hacer. El proceso de ser puede enseñarnos qué queremos ser. Al final, todos los que atraviesan el proceso de aprendizaje hasta el momento en que pueden decir la frase, “Soy un artista,” sin sentir que es una mentira, tendrán una historia que contar sobre sus maestros. Hoy les traemos una colección de tales historias de artistas lo suficientemente valientes para compartir sus linajes de aprendizaje. Son valientes porque anunciar su herencia estética o conceptual los expone a una terrible amenaza. Usted, el lector, podría darse cuenta de que un artista fue estudiante de otro artista, o se inspiró en esto o aquello, y confundir eso con un atajo. Podría decir, “¡Ajá! Ahora veo a quién están copiando,” o, “¡Ahora entiendo su arte!” En cambio, al leer estas anécdotas de cómo estos 18 artistas se convirtieron en lo que son, deje que la información expanda su percepción. Siga cada hilo y profundice. Podría vislumbrar la belleza peligrosa, imposible e imperativa de lo que realmente significa enseñar y aprender arte.

Anya Spielman

Spielman fue estudiante de Wayne Thiebauld en la Universidad de California en Davis. Sobre sus otros maestros, ella dice:

"Una gran influencia para mí fue ver el tríptico de Hieronymus Bosch, “El jardín de las delicias” en El Prado cuando era adolescente. Me impresionó la iconografía así como el color exuberante y las composiciones intrincadas de su obra. Respondí inmediatamente a la dualidad en el trabajo de Bosch: su paleta austera e iluminada: tonos de negro tinta, siena, rosa pálido, hueso, bermellón y azurita; las curvas de sus cápsulas de placer translúcidas en el Edén yuxtapuestas con el descenso psicológico y físico penetrante hacia un infierno alucinatorio. El genio visionario de Bosch representó la naturaleza humana en todas sus formas, con una intimidad y poder directos que encuentro increíblemente raros incluso hoy."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Óleo sobre panel. 15.3 x 15.3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin estudió con Louis Finkelstein mientras era estudiante de posgrado en Queens College, City University of New York. En la misma escuela, estudió con Benny Andrews, quien se formó como Expresionista Abstracto en la School of the Art Institute of Chicago en los años 50; Clinton Hill, quien fue asistente de estudio de Mark Rothko; el crítico de arte y editor asociado de Artforum Robert Pincus-Witten, quien según ella “ayudó a mi ojo crítico”; y Charles Cajori, quien fue alumno de Hans Hoffman. Sirlin dice:

"[Lineage] es, de hecho, una pregunta complicada. Los vínculos con los artistas también son complejos. Anne Truitt fue importante para mí cuando era una joven artista en Yaddo. Melissa Meyer también estuvo allí ese verano [1983]. Erin Lawlor fue mi compañera de estudio en The Rothko Centre en Letonia. Jose Heerkins estuvo en The Rothko Centre al mismo tiempo que nosotros [2016]. Kara Walker era estudiante cuando enseñé en The Atlanta College of Art y Kara y yo expusimos en la misma Bienal de Atlanta en 1992. Luego están los otros artistas—escritores y dramaturgos. Hayden Herrera [biógrafa de Frieda Kahlo y Arshile Gorky] fue mi mentora como escritora de arte. Chris Kraus [I Love Dick] y yo estuvimos juntos en Yaddo... Fui amiga cercana del dramaturgo Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Él fue guionista para Warhol... Espero no haberte confundido con esta respuesta adicional."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Técnica mixta sobre lienzo. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

"Cuando comencé a pintar, la mayor influencia fue Picasso. Me atraía su uso del color y la marca, en particular en “Girl Before A Mirror” (1932). Más adelante, cuando empecé a pintar más en un estilo Expresionista Abstracto, me sentí más atraída por Joan Mitchell y Willem De Kooning. Sin embargo, realmente empecé a mirar su trabajo después de pintar de esta manera, no antes."

Brenda Zappitell - En este momento, 2017. Flashe y acrílico con cera fría sobre panel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

En una entrevista de 2006 para Minus Space NY, el pintor Chris Ashley preguntó a Göttin dónde comienza como artista. Göttin respondió:

"La historia del arte a veces finge que un movimiento artístico particular es una entidad completa. Usar el término “concreto” no coincide necesariamente con el trasfondo ideológico de Konkrete Kunst, que también se basaba en ideas sobre la sociedad y la política. Mi preocupación es sobre una entidad que también puede incluir contradicciones—un sí y un no, e incluso un quizás. Mi punto de partida es una síntesis de diferentes puntos de vista o posiciones al mismo tiempo, que para mí es una visión espacial. Puede ser obvia o sutil, simétrica o asimétrica o ambas juntas, con o sin contradicción. Puede ser regla y desviación juntas. Algunas de las primeras obras que hice fueron collages relacionados con el trabajo de Kurt Schwitters (Merz), cualquier material encontrado pegado de forma tosca sobre un trozo de cartón—físico, directo, improvisado, accidental, colorido, incluso dadaísta. Más tarde, me interesé en el Arte Minimal, donde la obra de arte a menudo está precisamente planificada, y perfectamente y claramente construida con un uso definido de materiales y atención a los detalles. Ambos movimientos son importantes para mí, y a veces veo mi trabajo llevando partes de ambos, correspondiendo entre esas dos posiciones históricas del arte."

Daniel Göttin - Sin título 2 (Rosa), 1992. Acrílico sobre pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Es bastante difícil entender las propias influencias, al menos para mí, ya que trabajo en gran medida desde la intuición y no tanto desde la conciencia. Creo que mis años formativos como estudiante de arte en UCLA (BA 74, MFA 77) formaron gran parte de quien soy. En esos días UCLA era bastante una escuela de pintores con una inclinación europea/modernista. Para mi primera clase de pintura, me inscribí en la clase introductoria de pintura con Richard Diebenkorn (no tenía idea de quién era), pero él y la dirección de la facultad tuvieron algunos problemas, y su posición fue terminada antes de que comenzara la clase. Así que estudié con Richard Joseph, un nuevo realista, quien me dio una base sólida. No fue hasta seis meses después, trabajando en una clase de pintura más avanzada con Charles Garabedian, que comencé a experimentar con la abstracción. A lo largo de los años, el profesor que probablemente tuvo más influencia en mí fue William Brice. Bill era un maestro y amigo muy articulado, digno, generoso, reflexivo y divertido. Como artista prolífico y trabajador, a menudo hablaba sobre la necesidad de pasar tiempo en el estudio resolviendo las cosas y que todo lo demás es menos importante. Pienso en él a menudo y me siento muy afortunado de haberlo conocido durante mucho tiempo. Tomó varios años separarme de la idea de ser estudiante y de escuchar los sonidos de mis antiguos profesores en mi cabeza cada vez que pintaba, pero con el tiempo he alcanzado un sentido claro de quién soy y la responsabilidad que tengo de hacer obras que cumplan con mi visión. A menudo veo aspectos de otros artistas en mi trabajo, a veces sintiendo que realmente hay una conexión a través de las mismas ideas y otras veces parece que cualquier parecido es solo superficial. Al final, que los críticos de arte hablen sobre las influencias."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Tinta sobre papel. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) fue mi profesor de grabado hace 25 años. Nos conocimos por primera vez cuando me alojaba en el Fine Arts Work Center en Provincetown, donde Michael ofrecía un taller de una semana sobre grabado. Muchas cosas destacan de nuestra conexión inicial: Michael era una persona increíblemente empática y socialmente consciente, no solo en su tema elegido (dibujos y grabados de pacientes que sufrían en un hospital psiquiátrico y animales tras rejas en un zoológico), sino en nuestras conversaciones uno a uno sobre la vida. Me enseñó a ser generosa con el ejemplo como una forma de equilibrar la autoabsorción del estudio. No había nada sobre su técnica o la búsqueda de una carrera artística que Michael no compartiera. Michael pasó tiempo en China a finales de los 80 y fue a través de su amor por el paisaje asiático que aprendí a simplificar mis gestos, a pintar con una economía de expresión, algo que guardo muy cerca de mi corazón. Nunca olvidaré su sentido del humor cuando me decía, “Tracey, ¡esto es ungepatchke!”, una palabra yidis que significa demasiado ocupado y decorado."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafito y tinta sobre rives. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee cita su primera inspiración como una acuarela de Paul Cezanne que vio cuando tenía 11 años, la cual dejó “una impresión inolvidable.” Continúa diciendo:

"Mi profesor, Klaus Stümpel, estaba tan cerca de la naturaleza que casi le apodaban ‘un granjero.’ Me recomendó estudiar a Frantisek Kupka. Estudié su proceso de abstracción y su perspectiva cósmica y mística. Sobre todo, aprendí más que nada sobre su amor por la vida y su voluntad de mantener sus pensamientos. Cuando regresé a Corea, pensé de nuevo en Kandinsky. Creo que su deseo de encontrar una verdad objetiva y universal en el arte es un desafío imposible. Pienso que el arte es subjetivo y personal más que cualquier otra cosa. Cuando busco mi lado más profundo, puedo comunicarme con el interior de los demás. Creo que el arte puede ser un medio que conecta el microcosmos (humano) y el macrocosmos (mundo). Especialmente, el color es el tema de mi investigación. Estoy buscando el color como un adjetivo. Me gusta la actitud de Richter hacia el trabajo, su pasión por la pintura y el espíritu de experimentación. ¿Quizás On Kawara? Me gusta su trabajo, con el que quería demostrar que estaba vivo, y quiero demostrarme a mí misma trabajando cada día que todavía estoy viva, emocional y sensiblemente. Mis pensamientos sobre Wassily Kandinsky y muchos otros minimalistas son muy diferentes de la perspectiva general. No estoy de acuerdo con su punto de vista artístico."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Acrílico sobre lienzo, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman menciona influencias que incluyen artistas (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman y Andy Warhol), diseñadores (Saul Bass y Roy Kuhlman) y arquitectos (Le Corbusier). Pero también habla sobre las formas personales en que la cultura ha influido en su arte, como en la siguiente anécdota:

"El negocio de mi papá era la señalización. Como la mayoría de los niños urbanos en América, crecí en el asiento trasero de un auto, muy consciente de los carteles publicitarios y el neón. El estímulo visual directo y llamativo formaba parte de mi psique. Muy recientemente, estaba visitando el MoMA en Nueva York y me impactó de nuevo la pintura de Barnett Newman “Vir Heroicus Sublimis” (Hombre, Heroico y Sublime) (1950-51). Mi respuesta visceral a su poder, inmediatez y simplicidad fue abrumadora, reafirmando mi propio pasado visual e identidad."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache sobre papel Khadi hecho a mano. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"Para mí, fue Mondrian. Los artistas abstractos de esa época trabajaban más conceptualmente con la abstracción, es decir, les gustaba la idea, mientras que Mondrian trabajó hacia atrás a través de la mecánica y salió por el otro extremo reinventando el plano pictórico. No muchos han hecho eso desde entonces. Luego pensé que debía haber más maneras de entrar en este espacio extraño que Mondrian tenía tan claro. [Ellsworth] Kelly y [Robert] Mangold mostraron otras formas de expresar este ‘otro’ espacio. La experiencia de estos artistas me dio espacio para realmente apreciar los esfuerzos de mis pares y esforzarme por superar el siguiente límite."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Acrílico sobre papel. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"He amado y pensado frecuentemente en la obra de Vija Celmins. Su observación intensa y ejecución calmada son muy inspiradoras para mí. Louise Bourgeois siempre me ha inspirado con su determinación para expresarse en el mejor medio para sus ideas. Una inspiración más obvia sería Agnes Martin, me encanta su reserva confiada, y Mark Rothko por el impacto emocional que su obra puede provocar."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Hilo, tinta y grafito sobre papel. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville menciona los búnkeres alemanes de la época de la Segunda Guerra Mundial que bordean la costa atlántica francesa. Él dice: “La mayoría de la gente los considera cicatrices feas. A mis ojos, su sustancia formaba parte del paisaje, el tiempo los fusionó con la arena, las dunas y el mar o con las pinturas que los artistas callejeros colocaron sobre ellos.” Además, Auville fue afectado por esta experiencia de su juventud:

"A la edad de seis o siete años, tuve el privilegio de visitar la Cueva de Lascaux en el suroeste de Francia. Fue un impacto para mí. Mis padres compraron algunos facsímiles como recuerdos y pasé horas mirándolos en el sótano de nuestra casa preguntándome qué hacía la diferencia entre las imágenes y la obra de arte real. La diferencia era obvia, pero luchaba por entender su sustancia. Encendía y apagaba la luz, pegaba arena sobre las imágenes en un intento de replicar la sustancia de las pinturas de Lascaux, pero nunca alcanzaba lo que pensaba que era su alma."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Cemento pigmentado sobre paneles de espuma. Estructura y marco para colgar en la parte trasera. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan menciona influencias que van desde artistas (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) hasta diseñadores de álbumes (Hipgnosis, Peter Saville), pasando por músicos (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Él dice:

"En los años previos a mi pubertad, el lenguaje visual de Piet Mondriaan recibió mucha atención en los Países Bajos. Yo era demasiado joven para pensar en términos de arte, pero Mondriaan estaba ahí, y era intrigante. ¡Y todavía lo es! Un poco más tarde conocí a los Suprematistas que, como yo, tomaron formas geométricas como punto de partida. Debido a que mis hermanas son unos cinco años mayores que yo, descubrí (a través de sus novios) en mis primeros años de adolescencia la música ‘progresiva’ y el diseño de portada que la acompañaba. No es sorprendente que quisiera ser diseñador de portadas. Si tuviera que elegir un artista visual que cambió mi forma de ver las cosas, sería Ellsworth Kelly. A mediados de los 80 el Stedelijk Museum en Ámsterdam compró “Blue Curve VI” (1982). Fui regularmente a verla y estudié el lenguaje visual. Pero ahora, quizás más importante, también me guío por mi propia reacción al arte...Empecé a pensar en el arte...el propósito, el significado, ay."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Tinta Ultrachrome HD sobre papel Hannemuhle. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Las enseñanzas de Josef Albers influyen en cómo pienso en poner colores en diferentes contextos. Y los skyspaces de James Turrell influyeron en cómo pienso en poner color atmosférico en diferentes contextos. En general, la estética general de mis series Paper Skies y Moving Pictures está fuertemente influenciada por pintores modernos americanos como Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etc."

Brenda Biondo -Paper Sky no. 21 (Grande), 2015. Impresión por sublimación de tinte sobre aluminio (acabado mate/brillo). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Descubrí, hace más de 20 años, la capilla de Ronchamp, una obra tardía del arquitecto Charles Edouard Jeanneret, conocido como Le Corbusier. No sentí, ni antes ni después, tal percepción de la corrección de las posibilidades entre la masividad y la elevación. Entonces comenzó para mí esta larga búsqueda, que aún me alimenta hoy, con el objetivo de acercarme a la relación más adecuada entre lleno y vacío."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundo y punta seca sobre cobre. Impresión en papel bfk rives 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Me gustaría hablar sobre el artista que me ha inspirado durante décadas, más que cualquier otro artista: Matisse, un artista que se podría estudiar toda la vida. Su obra tomó tantos caminos debido a su experimentación e indagación en nuevas posibilidades con la pintura. Son hermosas, elevadoras, complejas, a veces encantadoras y serenas, a veces difíciles y desafiantes—reflejando cómo es la vida."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Acuarela sobre papel. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

En lugar de enumerar sus influencias, Cantrick cita a los artistas cuyo trabajo le interesa más, haya o no un vínculo directo con su propio trabajo. Su lista corta para moderno y contemporáneo:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé y Per Kirkeby. Esa es una lista ecléctica y no exhaustiva, pero lo que tienen en común es claridad, complejidad y vitalidad—que son mis propias preocupaciones—expresadas a través de color y estructura fuertes, formas distintas y un espacio pictórico poco profundo. Para lo premoderno, Vermeer, Degas y Manet están en la cima de mi lista, por, nuevamente, ese trío de atributos: claridad, complejidad, vitalidad. Además: La tensión en la sólida representación de Vermeer transmite una quietud increíblemente palpable—la suspensión del tiempo. La manera particular de Degas de puntuar su espacio con áreas “silenciosas”, no animadas y/o un fuerte elemento vertical promueve una visualización prolongada y rítmica. Y hay una inmediatez y frescura en Manet que, aparte de toda la maestría, es, en su mejor momento, fascinante."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Acrílico sobre lino. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"En mi caso no fui influenciada por un solo artista en particular, sino más bien por la comunidad artística donde crecí en Chicago. Había artistas por todo mi vecindario, llamado Lincoln Park o Old Town, y cuando mostré interés por el dibujo siendo preadolescente, me animaron a ir a la escuela afiliada con el maravilloso Art Institute of Chicago para dibujo de figura. Allí pude caminar directamente a través del Museo con su famosa colección impresionista para entrar a la escuela. Creo que eso básicamente formó mi interés en la línea, el gesto y el color."

Anne Russinof - Look See, 2014. Óleo sobre lienzo. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Mi [Lineage] artística se encuentra en artistas que combinan un enfoque "reductivo" para la creación de imagen/objeto con una atención a la superficie y al detalle sutil. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros y Sol Lewitt vienen a la mente. Además, el trabajo escultórico de Richard Serra, Carl Andre y Fred Sandback, con su uso particular del espacio tridimensional, continúa inspirando mi enfoque de la pintura."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Acrílico sobre lienzo. 122 x 96.9 cm