Una entrevista con Ellen Priest

Ellen Priest ha dejado su huella en el mundo del arte con sus vibrantes pinturas abstractas en collage durante más de treinta años. Influenciada por Cezanne desde el inicio de su carrera, y por el jazz desde la década de 1990, ha buscado capturar los movimientos y los intrincados ritmos de una variedad de composiciones de jazz en pinceladas de colores vívidos. IdeelArt tuvo la oportunidad de discutir su proceso de trabajo, mientras obtenía información sobre sus influencias y su pasión por la música en el camino.

Mencionas que fuiste muy influenciado por una exposición titulada "Cezanne: Las Obras Tardías" que presenta sus últimas acuarelas en el Museo de Arte Moderno. ¿Su estilo todavía influye y permea tus obras?

Oh, absolutamente. Es curioso; es una de esas percepciones que tenemos cuando somos jóvenes. Esta se quedó conmigo. Y podía decir en ese momento que esto era algo grande. En el Museo de Arte de Filadelfia hay un paisaje tardío de Cezanne que cada vez que necesito despejar mi mente o ganar inspiración, o resolver algo, voy a verlo. Me quedaré frente a ese paisaje hasta que lo entienda. Su obra tardía ha sido una influencia constante, y ha pasado más de treinta años. Creo que lo que sucede es que él encontró una manera de manejar los colores, y lo que muchas personas no se dan cuenta es que tu elección de la colocación de un color particular es esencialmente dibujo. Cezanne tenía una forma de entender cómo los objetos en los espacios flotan. Su forma de pensar parece coincidir con la mía. Las formas aparecen, y luego se disuelven. Luego reaparecen y se desvanecen de nuevo, lo que da la ilusión de que la pintura está respirando. Para mí, sigue siendo tan mágico como lo fue cuando vi la obra por primera vez.

Me siento afortunado, honestamente. Creo que habla de la fuerza y el brillo de su trabajo. Para mí, él fue tan importante como Giotto con la perspectiva y la forma en que manejaba las figuras en el espacio. Mi corazonada es que si pudiera saltar 500 años hacia adelante, la gente seguiría hablando de Cezanne como un punto de inflexión. Ese expresionismo abstracto que me fascinó desde el principio es igual de fuerte para mí ahora. Me siento afortunado de haberlo encontrado y entendido temprano. Simplemente me di cuenta de lo que era potente para mí visualmente. 

¿Puedes contarnos sobre tu proceso de trabajo? ¿Qué materiales y técnicas utilizas?

Uso papel; todo mi trabajo está en papel. Las pinturas que utilizo son flash y óleo. El flash, como una pintura a base de vinilo y soluble en agua, toma pigmentos de la misma manera que la acuarela y el gouache. No se oscurece ligeramente como lo hace el acrílico. Es muy compatible con los óleos. En cuanto al color, es un poco diferente, pero realmente funcionan juntos en el espacio. También uso mucho lápiz. Los papeles van desde ser un papel de acuarela francés muy pesado, hasta dos pesos de papel vegetal de Canson. Uno es muy pesado, llamado Opalux, el otro es más delgado y ambos son archivables. He trabajado mucho en los últimos quince años con una pareja en Boston, Jim y Joan Wright, que son conservadores de museo, y me guiaron en este proceso. Jim me enseñó a usar pintura al óleo en este tipo de papel sin tener problemas. He estado haciendo esto durante mucho tiempo, y el trabajo parece estar aguantando bien; no he tenido ninguna dificultad con ello. También uso gel MSA como mi pegamento, y no lamino las piezas de la capa - las pego puntualmente - y las peso para que el gel se fije. Tarda aproximadamente una semana en secar.

Mencionas que pasas de uno a cinco años en una serie determinada. ¿Cómo mantienes tu motivación y no te quemas?

"Mi proceso es bastante largo, pero es bastante variado. Va desde los estudios con pincel, que son mis primeros encuentros con los sonidos y el movimiento de la música. Y los estudios con pincel duran tal vez treinta segundos y progresan desde eso hasta construir lentamente estas piezas gruesas y en capas. No tengo problemas porque el proceso es uno que ha evolucionado a lo largo de muchos años y realmente funciona para mí. Se ha convertido en un lenguaje en el que me siento muy cómodo, aunque siempre es un desafío. También creo que en cierto momento, uno simplemente se vuelve profesional, y no importa cómo me sienta en un día determinado. Es hora de ir a trabajar. Nado algunas vueltas, tomo un batido y me pongo a trabajar. He aprendido que si mi mente no está en ello, hay una variedad de cosas que puedo hacer para entrar en ello. Generalmente sé el día anterior lo que necesito hacer para el día siguiente. Cuando estoy tratando de averiguar las relaciones de color, solo tengo que sentarme y mirarlo, y seguir cambiando las muestras de color para poder ver cómo se comportan en el espacio. También tendré la música puesta. Así que el proceso en sí a veces me lleva cuando mi mente y mi corazón no están necesariamente allí, pero necesito llegar allí. Esa disciplina simplemente viene con los años."

Ellen Priest - Estudio frontal de Jazz Cubano #2, 2013. Gouache sobre papel. 106.68 x 106.68 cm.

¿Cómo seleccionas tu contenido y tema?

El tema y el contenido son cosas muy diferentes. El contenido es el resultado final, o los sentimientos que experimentas al mirar la obra. El tema es el jazz. Muy pocos artistas abstractos tienen un tema consciente. Descubrí muy pronto que no podía mantener mi imaginería fresca sin recurrir a un tema externo. Y luché con eso durante unos diez años. Finalmente sucedió cuando estaba escuchando jazz. Estaba de camino a Vermont para esquiar y escuchaba la estación local de NPR, y había una pieza de Michel Camilo, que es un pianista de jazz dominicano. De repente, me di cuenta de que los espacios que estaba viendo en mi cabeza eran espacios presentes en su música.

Eso fue en 1990, y he estado trabajando con jazz desde entonces. Es un tema consciente. Y me tomó varios años desarrollar cómo desarrollaría la imaginería a partir de ello. De Kooning nunca se vio a sí mismo como un pintor abstracto; siempre estaba mirando figuras y paisajes, ocasionalmente naturalezas muertas. Joan Mitchell, que es uno de mis otros íconos, tuvo una carrera muy larga como pintora expresionista abstracta y eso es realmente difícil. Ella tomó su inspiración del paisaje y la poesía. Tenía varios amigos que eran poetas, uno de los cuales era John Ashbury, y ella "ilustró" sus poemas. De Kooning y Mitchell están entre los pocos que han mantenido este estilo de pintura de expresionismo gestual a lo largo de sus carreras.

¿Cómo navegas en el mundo del arte?

No muy bien. Soy una de esas personas que sabe cómo ser un empresario y soy muy profesional, pero no siento que tenga mucho éxito en ese aspecto. Es un área en la que todavía estoy trabajando muy duro. El mayor obstáculo para mí ha sido que, por lo que puedo decir, las personas que miran mucho arte siempre me dicen que mi trabajo es algo que tienes que ver en persona. No solo eso, el trabajo es único. Nadie más está mirando o utilizando los materiales de esta manera. La unicidad es un activo, pero también es una responsabilidad, porque es difícil para algunas personas encontrar una forma de relacionarse con lo que están viendo porque nunca han visto nada como esto. 

Mencionas que tus obras están muy influenciadas por los ritmos y la rigurosidad intelectual de la música jazz. ¿Qué estás escuchando actualmente que alimenta tu trabajo? 

"De hecho, escucho con anticipación sobre un año o dos antes de comenzar un nuevo proyecto. Mis proyectos pueden tardar entre un año y cinco años, así que si voy a trabajar con una pieza en particular durante ese tiempo, ¡más vale que me guste! De lo contrario, estaría en grandes problemas si no se queda conmigo. Estoy terminando esta serie de Jazz Cubano, y la abordé porque amo el jazz afro-cubano. Los ritmos son tan complejos que me di cuenta de que la única manera de entenderlos es descomponiéndolos en las piezas más simples—un sonido de percusión a la vez—y luego reconstruyendo. Esta ha sido una serie realmente divertida. Estoy seguro de que terminaré esto para finales de otoño, y luego comenzaré con una composición de la longitud de un CD llamada The River de un pianista y compositor de Chicago llamado Ryan Cohan."

Es una pieza hermosa y tiene ocho secciones que están muy cuidadosamente escritas. Entre cada una, hay una sección de piano improvisada—eso es simbólicamente el río. Tenía una beca para viajar a África, y Chamber Music America, que también financió la Suite Venezolana de Edward Simon, en la que trabajé durante cinco años, financió la composición. Lo que Ryan ha hecho es tomar ritmos africanos junto con todo lo demás que le ha influenciado, y convertirlo en algo que realmente es suyo. Esta es una pieza de música bellamente digerida e innovadora. Es muy inteligente y tiene un gran rango emocional. Lo que estoy descubriendo es que a menudo me atraen las cosas tanto emocional como intelectualmente. Estoy realmente ansioso por The River. Eso lo comenzaré a finales de otoño, o sin duda antes de que termine el año.

Ellen Priest - Jazz: Suite Venezolana 16 de Edward Simon, 2008. Papeles, óleo, flashe, lápiz, gel MSA. 106.68 x 106.68 cm.

¿De cuáles de tus obras de arte estás más orgulloso y por qué?

Creo que las piezas con las que estoy más feliz están en dos grupos diferentes: uno sería las últimas piezas de la serie Venezuelan Suite, porque pude lograr un nivel de complejidad y simplicidad al mismo tiempo que me dejó muy satisfecho. Finalmente pude capturar la velocidad de la música sin que se perdiera. También disfruté mucho los dibujos de la serie Jazz Cubano. Son tan despojados, pero tienen mucho carácter. Esos serían los dos grupos de los que diría que estoy extremadamente orgulloso. En cuanto a una pieza específica, realmente no podría decir. 

¿Cómo sabes cuándo un trabajo está terminado?

Creo que llega un momento en el que estoy mirando una obra, y en cada etapa tengo que tomar esa decisión. Cuando no hay nada más que quiero hacer, o cuando siento que cualquier cosa más que haga es demasiado, es cuando sé que está completa. Normalmente espero y la miro un rato. A veces sé qué hacer de inmediato, pero a veces toma un poco. Si hay un área que no se mueve, intentaré encontrar una manera de hacerla avanzar. A menudo eso significa que tengo que ajustar alguna otra parte de la pintura. Puede que no sea necesariamente el lugar en sí; puede que sea algún otro componente que necesite ser cambiado. Generalmente, lo dejo reposar un poco. Puedo pensar que está terminado, pero solo esperaré. Tengo que tomar estas decisiones antes de pegar. Cuando recorto los bordes de la pieza, a veces me llevo una sorpresa—y no siempre es buena. De vez en cuando armo algo y no es lo que esperaba. A veces, después de recortar las piezas, la obra puede estar desbalanceada y puedo perderla porque ya no muestra el rango de emoción que una vez tuvo. 

¿Qué significa para tu proceso tener un espacio físico para hacer arte, y cómo haces que tu espacio trabaje para ti?

Tengo una casa antigua, de tres pisos de la década de 1890, o lo que llamamos un gemelo. Tengo tres pisos de luz del norte y estoy en una esquina. Así que tengo cantidades enormes de luz. Uso todo el primer piso para mi estudio, excepto mi cocina. En el segundo piso tengo mi oficina y área de estar, y en el tercer piso están mi sala de pegado y almacenamiento. Así que realmente tengo no solo un espacio adecuado, sino también un buen espacio, y ha hecho toda la diferencia en el mundo. Tener un espacio permanente y amplio ha sido una bendición para mi trabajo. Poder establecerme y hacer que funcione correctamente ha sido increíble. A veces pienso que podría usar más espacio, ¡pero tengo suficiente espacio!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo y Elio, Pensando en Voz Alta, 2016. Papeles, óleo, flashe, lápiz, gel MSA. 81.23 x 81.23 cm.

¿Qué te dice una obra abstracta cuando la ves?

Para mí, la abstracción (cuando es buena) tiene una claridad de pensamiento que realmente me atrae. Puede ser color, puede ser en blanco y negro, puede estar muy llena de imágenes o puede ser una sola forma flotando en el campo. Pero hay una calidad de pensamiento que es nítida. Uno de mis artistas contemporáneos favoritos de todos los tiempos es el escultor Martin Puryear. Una vez entré en una retrospectiva de sus obras en el MoMA, y me dejó sin aliento. La misma exposición se estaba presentando en Washington D.C. y reorganice todo mi horario para ir a verla de nuevo. Es brillante; su trabajo tiene una pureza de forma y pensamiento. Su trabajo tiene referencias a vehículos, animales, barcos. La abstracción puede hacer referencias al mundo real y seguir siendo abstracta. Tus ojos utilizan las mismas pistas para orientarse en el mundo que utilizan para mirar arte abstracto. Nuestros ojos descubren esto desde temprano en la vida. Estamos usando esas mismas herramientas para mirar arte abstracto, pero no somos conscientes de ello. Hay algo en la abstracción que se basa en nuestra comprensión del mundo.

¿Estás involucrado en algún espectáculo o evento próximo? ¿Dónde y cuándo?

Estoy en conversaciones con la Iglesia de San Pedro en Manhattan, que es donde exhibí la primavera pasada. Espero exhibir otro proyecto allí, que trata sobre El Río. Aparte de eso, puede que tenga una exposición local aquí en Wilmington, Delaware, este otoño en la serie Jazz Cubano.


Imagen destacada: Ellen Priest - Jazz: Pensando en voz alta, alcanzando la canción 31, 2011. Papeles, óleo, flashe, lápiz, gel MSA. 81.3 x 119.4 cm.