Una entrevista con Ellen Priest

Ellen Priest ha dejado su huella en el mundo del arte con sus vibrantes pinturas abstractas en collage durante más de treinta años. Influenciada por Cézanne desde el inicio de su carrera, y por el jazz desde la década de 1990, ha buscado capturar los movimientos y los ritmos intrincados de diversas composiciones de jazz en pinceladas de colores vivos. IdeelArt tuvo la oportunidad de conversar sobre su proceso de trabajo, mientras obtenía una visión de sus influencias y su pasión por la música en el camino.

Menciona que fue muy influenciada por una exposición titulada “Cézanne: Las obras tardías” que mostraba sus acuarelas tardías en el Museo de Arte Moderno. ¿Su estilo aún influye y permea sus obras?

Oh, absolutamente. Es curioso; es una de esas percepciones que tenemos cuando somos jóvenes. Esta se quedó conmigo. Y pude darme cuenta en ese momento de que era algo grande. En el Museo de Arte de Filadelfia hay un paisaje tardío de Cézanne que cada vez que necesito despejar mi mente, encontrar inspiración o resolver algo, voy a verlo. Me quedo frente a ese paisaje hasta que lo comprendo. Su obra tardía ha sido una influencia constante, y ya son más de treinta años. Creo que lo que pasa es que él descubrió una manera de manejar los colores, y lo que mucha gente no se da cuenta es que la elección y colocación de un color en particular es esencialmente un dibujo. Cézanne tenía una forma de entender cómo los objetos en los espacios parecen flotar. Su manera de pensar parece coincidir con la mía. Las formas aparecen, luego se disuelven. Después reaparecen y se desvanecen de nuevo, lo que da la ilusión de que la pintura está respirando. Para mí sigue siendo tan mágico como cuando vi la obra por primera vez.

Me siento afortunada, honestamente. Creo que eso habla de la fuerza y brillantez de su obra. Para mí, fue tan decisivo como Giotto con la perspectiva y la forma en que manejó las figuras en el espacio. Sospecho que si pudiera avanzar quinientos años, la gente aún hablaría de Cézanne como un punto de inflexión. Ese expresionismo abstracto que me fascinó desde temprano sigue siendo igual de fuerte para mí ahora. Me siento afortunada de haberlo captado y comprendido desde temprano. Simplemente me di cuenta de lo que era potente para mí visualmente.

¿Puede contarnos sobre su proceso de trabajo? ¿Qué materiales y técnicas utiliza?

Uso papel; todo mi trabajo está sobre papel. Las pinturas que uso son flashe y óleo. Flashe, como pintura soluble en agua a base de vinilo, toma los pigmentos como la acuarela y la gouache. No torna los colores ligeramente marrones como lo hace el acrílico. Es muy compatible con los óleos. En cuanto al color, es un poco diferente, pero realmente funcionan juntos en el espacio. También uso mucho lápiz. Los papeles van desde un papel francés para acuarela muy pesado, hasta dos gramajes de papel vegetal Canson. Uno es muy pesado llamado Opalux, el otro es más delgado y ambos son archivísticos. Trabajé mucho durante los últimos quince años con una pareja en Boston, Jim y Joan Wright, ambos conservadores de museos, quienes me asesoraron en este proceso. Jim me enseñó cómo usar pintura al óleo en este tipo de papel sin tener problemas. Llevo mucho tiempo haciendo esto y el trabajo parece mantenerse bien; no he tenido dificultades. También uso gel MSA como pegamento, y no lamino las piezas en capas, las pego puntualmente, y las peso para que el gel se fije. Tarda aproximadamente una semana en secar.

Menciona que dedica de uno a cinco años a una serie dada. ¿Cómo mantiene su motivación y evita el agotamiento?

Mi proceso es bastante largo pero muy variado. Va desde los estudios con pincel, que son mis primeros encuentros con los sonidos y el movimiento de la música. Y los estudios con pincel duran tal vez treinta segundos y progresan hasta construir lentamente estas piezas gruesas y en capas. No tengo problemas porque el proceso ha evolucionado durante muchos años y realmente funciona para mí. Se ha convertido en un lenguaje en el que me siento muy cómoda, aunque siempre es un desafío. También creo que en cierto punto uno simplemente se vuelve profesional, y no importa cómo me sienta en un día dado. Es hora de trabajar. Nado vueltas, tomo un batido y me pongo a trabajar. He aprendido que si mi mente no está en ello, hay varias cosas que puedo hacer para entrar en sintonía. Usualmente sé el día anterior qué necesito hacer al día siguiente. Cuando trato de entender las relaciones de color, simplemente tengo que sentarme a mirarlo y seguir intercambiando las muestras de color para ver cómo se comportan en el espacio. También pongo la música. Así que el proceso en sí a veces me lleva cuando mi mente y mi corazón no están necesariamente allí, pero necesito llegar. Esa disciplina viene con los años.

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 estudio frontal, 2013. Gouache sobre papel. 106.68 x 106.68 cm.

¿Cómo selecciona su contenido y tema?

El tema y el contenido son cosas muy diferentes. El contenido es el resultado final, o los sentimientos que experimentas al mirar la obra. El tema es el jazz. Muy pocos artistas abstractos tienen un tema consciente. Descubrí muy temprano que no podía mantener mi imaginería fresca sin recurrir a un tema externo. Y luché con eso durante unos diez años. Finalmente sucedió cuando escuchaba jazz. Iba camino a Vermont para esquiar y escuchaba la emisora local NPR, y había una pieza de Michel Camilo, un pianista de jazz dominicano. De repente, me di cuenta de que los espacios que veía en mi cabeza eran espacios presentes en su música.

Eso fue en 1990, y desde entonces he trabajado con el jazz. Es un tema consciente. Y me tomó varios años desarrollar cómo iba a crear imágenes a partir de él. De Kooning nunca se vio a sí mismo como un pintor abstracto; siempre estaba mirando figuras y paisajes, ocasionalmente naturalezas muertas. Joan Mitchell, quien es otra de mis íconos, tuvo una carrera muy larga como pintora expresionista abstracta y eso es realmente difícil. Ella tomó su inspiración del paisaje y la poesía. Tenía varios amigos poetas, uno de ellos John Ashbury, y ella “ilustró” sus poemas. De Kooning y Mitchell están entre los pocos que han mantenido este estilo de pintura expresionista gestual a lo largo de sus carreras.

¿Cómo navega en el mundo del arte?

No muy bien. Soy de esas personas que saben cómo ser empresarias y soy muy profesional, pero no siento que tenga mucho éxito en ese aspecto. Es un área en la que todavía trabajo mucho. El mayor obstáculo para mí ha sido que, por lo que puedo decir, la gente que ve mucho arte siempre me dice que mi trabajo es algo que hay que ver en persona. No solo eso, la obra es única. Nadie más está mirando o usando los materiales de esta manera. La singularidad es una ventaja pero también una desventaja, porque a algunas personas les cuesta encontrar una forma de relacionarse con lo que ven porque nunca han visto algo así.

Menciona que sus obras están muy influenciadas por los ritmos y el rigor intelectual de la música jazz. ¿Qué está escuchando actualmente que alimenta su trabajo?

En realidad escucho con uno o dos años de anticipación antes de comenzar un nuevo proyecto. Mis proyectos pueden durar desde un año hasta cinco años, así que si voy a trabajar con una pieza durante ese tiempo, ¡más me vale que me guste! De lo contrario estaría en grandes problemas si no me acompaña. Estoy terminando esta serie Jazz Cubano, y la abordé porque me encanta el jazz afrocubano. Los ritmos son tan complejos que me di cuenta de que la única forma de entenderlos era descomponerlos en las piezas más simples—un sonido de percusión a la vez—y luego reconstruirlos. Ha sido una serie realmente divertida. La terminaré seguro para finales de otoño, y luego comenzaré con una composición de duración de CD llamada The River, de un pianista y compositor de Chicago llamado Ryan Cohan.

Es una pieza hermosa y tiene ocho secciones muy cuidadosamente escritas. Entre cada una hay una sección de piano improvisado—que simbólicamente es el río. Él recibió una beca para viajar a África, y Chamber Music America, que también financió la Suite Venezolana de Edward Simon, en la que trabajé durante cinco años, financió la composición. Lo que Ryan ha hecho es tomar ritmos africanos junto con todo lo demás que lo ha influenciado, y convertirlo en algo que realmente es suyo. Es una pieza musical bellamente digerida e innovadora. Es muy inteligente y tiene un gran rango emocional. Lo que encuentro es que a menudo me atraen las cosas tanto emocional como intelectualmente. Estoy realmente ansiosa por The River. Eso comenzaré a finales de otoño, o con seguridad antes de que termine el año.

Ellen Priest - Jazz: Suite Venezolana 16 de Edward Simon, 2008. Papeles, óleo, flashe, lápiz, gel MSA. 106.68 x 106.68 cm.

¿De cuáles de sus obras está más orgullosa y por qué?

Creo que las piezas con las que estoy más contenta están en dos grupos diferentes: uno serían las últimas piezas de la serie Suite Venezolana, porque pude lograr un nivel de complejidad y simplicidad al mismo tiempo con el que quedé muy satisfecha. Finalmente pude capturar la velocidad de la música sin que se perdiera. También disfruté mucho los dibujos de la serie Jazz Cubano. Son muy depurados, pero tienen mucha fuerza. Esos serían los dos grupos de los que diría que estoy extremadamente orgullosa. En cuanto a una pieza específica, realmente no podría decir.

¿Cómo sabe cuándo una obra está terminada?

Creo que llega un momento en que estoy mirando una obra, y en cada etapa tengo que tomar esa decisión. Cuando no hay nada más que quiera hacer, o cuando siento que cualquier cosa más que haga sería demasiado, es cuando sé que está completa. Usualmente espero y la observo por un tiempo. A veces sé qué hacer de inmediato, pero a veces toma un poco más. Si hay un área que no avanza, trato de encontrar una forma de hacer que avance. A menudo eso significa que tengo que ajustar alguna otra parte de la pintura. No necesariamente el lugar mismo; puede ser algún otro componente que necesite cambiar. Generalmente, duermo sobre ello un poco. Puedo pensar que está terminada, pero simplemente espero. Tengo que tomar estas decisiones antes de pegar. Cuando recorto los bordes de la pieza, a veces me llevo una sorpresa—y no siempre es buena. De vez en cuando armo algo y no es lo que esperaba. A veces, después de recortar las piezas, la obra puede quedar desequilibrada y puedo perderla porque ya no muestra el rango de emoción que tenía antes.

¿Qué significa para su proceso tener un espacio físico para crear arte, y cómo hace que su espacio funcione para usted?

Tengo una casa antigua, de tres pisos, de la década de 1890, o lo que llamamos una casa gemela. Tengo tres pisos con luz del norte y estoy en una esquina. Así que tengo una cantidad tremenda de luz. Uso todo el primer piso para mi estudio excepto la cocina. En el segundo piso tengo mi oficina y área de estar, y en el tercer piso están mi sala de pegado y almacenamiento. Así que realmente no solo tengo un espacio adecuado, sino también bueno, y ha hecho toda la diferencia en el mundo. Tener un espacio permanente y amplio ha sido una bendición para mi trabajo. Poder instalarme y hacer que funcione correctamente ha sido increíble. A veces pienso que podría usar más espacio, pero ¡tengo suficiente espacio!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo y Elio, Pensando en voz alta, 2016. Papeles, óleo, flashe, lápiz, gel MSA. 81.23 x 81.23 cm.

¿Qué le transmite una obra abstracta cuando la ve?

Para mí, la abstracción (cuando es buena) tiene una claridad de pensamiento que realmente me atrae. Puede ser color, puede ser blanco y negro, puede estar llena de imágenes o puede ser una sola forma flotando en el campo. Pero hay una cualidad de pensamiento que es nítida. Uno de mis artistas contemporáneos favoritos de todos los tiempos es el escultor Martin Puryear. Una vez entré a una retrospectiva de sus obras en el MoMA, y me dejó sin aliento. La misma muestra se presentó en Washington D.C. y reorganicé todo mi horario para verla de nuevo. Es brillante; su obra tiene tal pureza de forma y pensamiento. Su trabajo tiene referencias a vehículos, animales, barcos. La abstracción puede hacer referencias al mundo real y seguir siendo abstracta. Tus ojos usan las mismas señales para orientarse en el mundo que para mirar arte abstracto. Nuestros ojos aprenden esto temprano en la vida. Usamos esas mismas herramientas para mirar arte abstracto, pero no somos conscientes de ello. Hay algo en la abstracción que se basa en nuestra comprensión del mundo.

¿Está involucrada en alguna exposición o evento próximo? ¿Dónde y cuándo?

Estoy en conversaciones con la Iglesia Saint Peter en Manhattan, que es donde expuse esta pasada primavera—espero mostrar otro proyecto allí, que trata sobre The River. Aparte de eso, puede que tenga una muestra local aquí en Wilmington, Delaware este otoño sobre la serie Jazz Cubano.


Imagen destacada: Ellen Priest - Jazz: Pensando en voz alta, Alcanzando la canción 31, 2011. Papeles, óleo, flashe, lápiz, gel MSA. 81.3 x 119.4 cm.