Vibrancia y Energía en las Pinturas de Joan Mitchell

Cuando miramos una pintura de Joan Mitchell estamos viendo una imagen de libertad. Estamos viendo el abandono hecho palpable. Mitchell abordaba el acto de pintar desde un lugar de total libertad, sin un plan previo ni un esquema definitivo. Lo que terminaba en el lienzo provenía de su intuición y era un reflejo inmediato de su verdad. Podía ser la alegría que sentía, o la ira, o el miedo; podía ser una imagen formada por fragmentos de un recuerdo que guardaba en su mente, o un paisaje querido que llevaba en su corazón. Cuando nos encontramos con sus pinturas, en medio de una mirada rápida o casual, puede que sintamos o no lo que Mitchell sintió. Puede que reconozcamos o no el significado exacto que ella esperaba transmitir. Pero la energía que fluía a través de ella con cada pincelada nos grita. Nos detiene en el espacio y habla a esa parte primitiva dentro de nosotros que la reconoce por lo que es: el vibrante, atemporal y universal eco del amor, la pérdida, la alegría, el miedo, el orgullo y el dolor.

Tomando Acción

Cada pincelada hecha por un pintor es el resultado de un movimiento físico. Sin embargo, no todas las pinceladas logran anunciar ese movimiento a los espectadores. Algunas pinceladas buscan intencionadamente ocultar el movimiento que las creó, e ignorar que una mano humana estuvo involucrada. Es una de las características de los pintores de acción que pueden transmitir en la superficie del lienzo el poder y la energía del movimiento de su cuerpo físico a través del espacio. Joan Mitchell fue una pintora de acción, miembro de lo que se considera la segunda generación de artistas expresionistas abstractos. Pero no comenzó su carrera enfocada en el gesto y el movimiento, ni en la abstracción, ni siquiera necesariamente en la pintura. Mientras estudiaba en el Instituto de Arte de Chicago, era una talentosa artista figurativa, que había ganado premios por su litografía.

Pero Mitchell siempre fue una persona extremadamente física. En la escuela secundaria en Chicago fue una atleta competitiva a nivel nacional, llegando a ocupar el cuarto lugar en el Campeonato de Patinaje Artístico de Estados Unidos. Una lesión en la rodilla terminó su carrera deportiva. Pero después de graduarse del Instituto de Arte de Chicago en 1947, se mudó a Nueva York y se expuso al trabajo de pintores abstractos gestuales como Arshile Gorky y Jackson Pollock. Inmediatamente incorporó la fisicalidad en su técnica de pintura. Para 1951 había desarrollado un estilo gestual abstracto maduro, y se había hecho amiga de varios artistas expresionistas abstractos de primera generación, como Will de Kooning y Franz Kline, y por invitación incluso se unió a su prestigioso Club de la Calle Ocho, que organizaba encuentros y charlas para artistas.

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Óleo sobre lienzo. 6' 5 7/8" x 9' (197.9 x 274 cm). Colección del Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York. © Patrimonio de Joan Mitchell

Los Paisajes de Joan Mitchell

Habiendo crecido a solo un par de cuadras de las orillas del Lago Michigan en el centro de Chicago, Joan Mitchell desarrolló desde joven un profundo apego emocional a la línea del horizonte donde el agua se encuentra con el cielo. Y como adulta, viviendo de forma intermitente en el campo de Francia, así como en los Hamptons, también desarrolló un gran amor por los paisajes rurales. Aunque sus obras maduras son todas consideradas abstractas, a menudo se refería a sí misma como pintora de paisajes. Muchas de sus pinturas tenían la palabra paisaje en el título, o llevaban el nombre de lugares escénicos que le eran queridos.

Es posible encontrar en muchas de sus pinturas indicios visuales de composiciones, formas o paletas de colores que sugieren un paisaje natural, o incluso encontrar ecos tenues de líneas del horizonte. Pero los tipos de paisajes que Mitchell pintaba no eran intentos figurativos de capturar el mundo natural. Más bien, Mitchell interiorizaba una sensación de las emociones que sentía en ciertos lugares que le eran queridos. Tenía una aguda sensibilidad estética y conexión con la nostalgia, y se esforzaba por capturar el color, el equilibrio y la armonía de sus paisajes amados, al mismo tiempo que comunicaba la energía y la emoción personal que les atribuía en su memoria.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, óleo sobre lienzo (díptico), Fundación Joan Mitchell, Nueva York. © Patrimonio de Joan Mitchell

Opuestos Complementarios

Gran parte de la fuerza que podemos percibir en las pinturas de Joan Mitchell parece estar relacionada con la idea de fuerzas opuestas. Un ejemplo destacado es la forma en que se alejó del llamado estilo de pintura total, en el que todo el lienzo está cubierto con imágenes abstractas, hacia un enfoque compositivo más tradicional de figura-fondo, con grandes áreas de blanco o lienzo sin imprimar. Pero en lugar de ver fuerzas opuestas en sus composiciones de figura y fondo, es más exacto decir que las fuerzas son complementarias. No se oponen ni se resisten entre sí. La figura y el fondo cambian de roles, se iluminan mutuamente y se intercambian influencia sobre la mirada del espectador.

De igual manera, los otros aparentes opuestos visibles en sus obras funcionan de la misma manera. Las marcas de pincel ligeras complementan las marcas agresivas, definiéndose mutuamente por sus diferencias relativas; las superficies densas, estratificadas y con empaste otorgan presencia a sus contrapartes planas; las formas geométricas o biomórficas son exaltadas por marcas abstractas líricas. La esencia unificadora que recorre la obra de Joan Mitchell no es de oposición, sino de compromiso con un mundo de relaciones complementarias que construyen un todo armonioso.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Óleo sobre lienzo. Fundación Joan Mitchell, Nueva York. © Patrimonio de Joan Mitchell

Abstracción Incoherente

A lo largo de su carrera, Joan Mitchell cambió su estética varias veces. Cada cambio estuvo vinculado a un desplazamiento geográfico o a un cambio en sus circunstancias personales. Uno de los mayores períodos de cambio que experimentó fue en los años 60, cuando perdió a ambos padres y a un querido amigo en solo unos años. Otro ocurrió en los años 80, cuando le diagnosticaron cáncer. Aunque cada cambio estético parece expresar diferentes matices emocionales, ninguno se siente como un final. Cada evolución en su obra posee un sentido de lo incoherente; la promesa embrionaria de algo nuevo y aún no formado.

Después de la década de pérdidas que vivió en los años 60, Mitchell se orientó hacia la figuración geométrica, y luego pronto volvió a cambiar, regresando a la pintura total. Su paleta cambió a verdes profundos y amarillos vibrantes, reflejando los colores de la naturaleza. Luego, en los años 80, su paleta incluyó colores más puros y primarios: azules, naranjas, verdes y rojos. Sus pinceladas se volvieron cortas y robustas, electrificadas y casi vibracionales. Cada nueva fase comunica la idea de un comienzo nuevo e indeterminado, y por ello es inherentemente comunicativa de algo esperanzador y nuevo.

Joan Mitchell - Árboles, 1990-91. Óleo sobre lienzo. Colección privada. © Patrimonio de Joan Mitchell

Dejar Ir

A lo largo de todas las etapas de su obra, un sentido perdurable de energía y vitalidad está presente en las pinturas de Joan Mitchell, ya sea a través de sus pinceladas, sus composiciones, sus armonías o su uso de opuestos complementarios. Esa energía continúa inspirando a la tercera generación de pintores expresionistas abstractos que trabajan hoy, como Francine Tint. También informa el trabajo de abstraccionistas gestuales contemporáneos como Ellen Priest.

Un universo de emociones se abre en la obra de estos pintores, siempre fluctuando entre la energía más oscura y la más ligera, lo más agresivo y lo más sereno, saltando de las superficies de sus pinturas con un sentido frenético de inmediatez. Mitchell describió una vez la fuente de esa inmediatez frenética comparando la forma en que se sentía al pintar con un orgasmo. También la describió como “montar una bicicleta sin manos.” Ambas descripciones hablan de la absoluta alegría de la liberación emocional posible con un acto de total abandono. Y ambas hablan de la expresión de la honestidad humana solo posible cuando alguien es libre.

Imagen destacada: Joan Mitchell - Sin título, 1977, óleo sobre lienzo, Fundación Joan Mitchell, Nueva York. © Patrimonio de Joan Mitchell
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio