Vibrancia y Energía en las Pinturas de Joan Mitchell

Cuando miramos una pintura de Joan Mitchell, estamos mirando una imagen de libertad. Estamos mirando el abandono hecho palpable. Mitchell abordó el acto de pintar desde un lugar de total libertad, sin un plano previo o un plan definitivo. Lo que terminó en el lienzo provino de su intuición y fue un reflejo inmediato de su verdad. Puede ser alegría lo que sintió, o ira, o miedo; puede ser una imagen formada por fragmentos de un recuerdo que tenía en su cabeza, o un paisaje querido que llevaba en su corazón. Cuando encontramos sus pinturas, en medio de una mirada rápida o casual, podemos o no sentir lo que sintió Mitchell. Podemos o no reconocer el significado exacto que esperaba transmitir. Pero la energía que fluyó a través de ella con cada pincelada nos grita. Nos detiene en el espacio y habla a lo que sea que hay dentro de nosotros que lo reconoce por lo que es: el eco vibrante, atemporal y universal del amor, la pérdida, la alegría, el miedo, el orgullo y el dolor.

Tomando acción

Cada pincelada hecha por un pintor es el resultado de un movimiento físico. Sin embargo, no todas las pinceladas logran anunciar ese movimiento a los espectadores. Algunas pinceladas buscan intencionalmente ocultar el movimiento que las creó y ignorar que una mano humana estuvo involucrada en absoluto. Es una de las características de los pintores de acción que son capaces de transmitir en la superficie de un lienzo el poder y la energía del movimiento de su cuerpo físico a través del espacio. Joan Mitchell fue una pintora de acción, miembro de lo que se considera la segunda generación de artistas del Expresionismo Abstracto. Pero no comenzó su carrera enfocándose en el gesto y el movimiento, o la abstracción, o incluso necesariamente en la pintura. Mientras estaba en la escuela en el Instituto de Arte de Chicago, era una talentosa artista figurativa, que había ganado premios por su litografía.

Pero Mitchell siempre fue una persona extremadamente física. En la escuela secundaria en Chicago, fue una atleta competitiva a nivel nacional, llegando a ocupar el cuarto lugar en los Campeonatos Nacionales de Patinaje Artístico de EE. UU. Una lesión en la rodilla puso fin a su carrera deportiva. Pero después de graduarse del Instituto de Arte de Chicago en 1947, se mudó a Nueva York y fue expuesta al trabajo de pintores abstractos gestuales como Arshile Gorky y Jackson Pollock. Inmediatamente incorporó la fisicalidad en su técnica de pintura. Para 1951, había desarrollado un estilo gestual abstracto maduro y había hecho amistad con varios de los primeros exponentes del Expresionismo Abstracto, como Will de Kooning y Franz Kline, y por invitación incluso se unió a su prestigioso Eighth Street Club, que organizaba reuniones y charlas de artistas.

Joan Mitchell - Mariquita, 1957. Óleo sobre lienzo. 6' 5 7/8" x 9' (197.9 x 274 cm). Colección del Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York. © Herencia de Joan Mitchell

Los paisajes de Joan Mitchell

Habiendo crecido a solo un par de calles de las orillas del Lago Michigan en el centro de Chicago, Joan Mitchell había desarrollado, desde una edad temprana, un profundo apego emocional a la línea del horizonte donde el agua se encuentra con el cielo. Y como adulta, viviendo de manera intermitente en el campo de Francia, así como en los Hamptons, también desarrolló un gran amor por los paisajes rurales. A pesar de que sus obras maduras son consideradas abstractas, a menudo se refería a sí misma como una pintora de paisajes. Muchas de sus pinturas tenían la palabra paisaje en el título, o estaban nombradas en honor a lugares escénicos que eran queridos para ella.

Es posible en muchas de sus pinturas encontrar pistas visuales de composiciones, formas o paletas de colores que sugieren un paisaje natural, o incluso encontrar ecos tenues de líneas de horizonte. Pero los tipos de paisajes que pintaba Mitchell no eran intentos figurativos de capturar el mundo natural. Más bien, Mitchell internalizó un sentido de las emociones que sentía mientras estaba en ciertos lugares que le eran queridos. Tenía una aguda sensibilidad estética y conexión con la nostalgia, y se esforzaba por capturar el color, el equilibrio y la armonía de sus paisajes amados mientras también comunicaba la energía y la emoción personal que le atribuía en su memoria.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, óleo sobre lienzo (díptico), Fundación Joan Mitchell, Nueva York. © Patrimonio de Joan Mitchell

Opuestos Complementarios

Gran parte del poder que podemos sentir en las pinturas de Joan Mitchell parece estar relacionado con la idea de fuerzas opuestas. Un ejemplo prominente es la forma en que se alejó del llamado estilo de pintura total, en el que todo el lienzo está cubierto con imágenes abstractas, hacia un enfoque compositivo más tradicional de figura-fondo, que presenta grandes áreas de blanco o lienzo sin preparar. Pero en lugar de ver fuerzas opuestas en sus composiciones de figura y fondo, es más preciso decir que las fuerzas son complementarias. No se objetan ni se resisten entre sí. La figura y el fondo cambian de roles, elucidándose mutuamente y intercambiando influencia sobre la mirada del espectador.

De igual manera, los otros aparentes opuestos visibles en sus obras funcionan de la misma manera. Las marcas de pincel ligeras complementan las marcas de pincel agresivas, definiéndose mutuamente con sus diferencias relativas; las superficies densas, en capas y con impasto otorgan presencia a sus contrapartes planas; las formas geométricas o biomórficas son exaltadas por marcas abstractas líricas. La esencia unificadora que recorre la obra de Joan Mitchell no es una de oposición, sino una de compromiso con un mundo de relaciones complementarias que construyen un todo armonioso.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Óleo sobre lienzo. Fundación Joan Mitchell, Nueva York. © Patrimonio de Joan Mitchell

Abstracción Inchoada

A lo largo de su carrera, Joan Mitchell cambió su estética varias veces. Cada cambio estuvo relacionado con un desplazamiento geográfico o un cambio en las circunstancias personales. Uno de los períodos de mayor cambio que experimentó fue en la década de 1960, cuando perdió a ambos padres y a un querido amigo en solo unos pocos años. Otro ocurrió en la década de 1980, cuando le diagnosticaron cáncer. Mientras que cada cambio estético parece expresar diferentes matices emocionales distintos, ninguno se siente como el final de algo. Cada evolución en su trabajo posee un sentido de lo inchoado; la promesa embrionaria de algo nuevo y aún no formado.

Después de la década de pérdidas que experimentó en los años 60, Mitchell se inclinó hacia la figuración geométrica, y luego pronto cambió de nuevo, volviendo a la pintura total. Su paleta cambió a verdes profundos y amarillos vibrantes, reflejando los colores de la naturaleza. Luego, en los años 80, su paleta cambió para incluir colores más puros y primarios: azules, naranjas, verdes y rojos. Sus pinceladas se volvieron cortas y robustas, electrificadas y casi vibracionales. Cada nueva fase comunica la idea de un nuevo comienzo indeterminado, y es, por lo tanto, inherentemente comunicativa de algo esperanzador y nuevo.

Joan Mitchell - Árboles, 1990-91. Óleo sobre lienzo. Colección privada. © Patrimonio de Joan Mitchell

Dejar ir

A lo largo de todas las etapas de su obra, un sentido duradero de energía y vitalidad está presente en las pinturas de Joan Mitchell, ya sea a través de sus pinceladas, sus composiciones, sus armonías o su uso de opuestos complementarios. Esa energía continúa inspirando a la tercera generación de pintores del Expresionismo Abstracto que trabajan hoy en día, como Francine Tint. También informa el trabajo de los abstraccionistas gestuales contemporáneos como Ellen Priest.

Un universo de emociones se abre en la obra de estos pintores, siempre fluctuando entre la energía más oscura y la más ligera, la más agresiva y la más serena, saltando de las superficies de sus pinturas con un frenético sentido de inmediatez. Mitchell una vez describió la fuente de esa frenética inmediatez comparando la forma en que se sentía al pintar con un orgasmo. También la describió una vez como “montar en bicicleta sin manos”. Ambas descripciones hablan de la absoluta alegría de la liberación emocional posible con un acto de total abandono. Y ambas hablan de la expresión de la honestidad humana solo posible cuando alguien es libre.

Imagen destacada: Joan Mitchell - Sin título, 1977, óleo sobre lienzo, Fundación Joan Mitchell, Nueva York. © Patrimonio de Joan Mitchell
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio