Franz Kline y su manera de pintar en acción

¿Y si desde el principio no estábamos destinados a interpretar jeroglíficos? ¿Y si no eran símbolos, sino simplemente formas estéticas destinadas a ser apreciadas como arte? Ciertamente pueden ser apreciadas como tal para aquellos de nosotros que no podemos leerlas de todos modos. La obra de Franz Kline representa un momento en la evolución del Expresionismo Abstracto cuando se planteó una pregunta similar sobre si la interpretación era necesaria o incluso posible con algunas obras de arte abstracto. La técnica gestual icónica de Kline, combinada con su uso de brochas de pintura de casa comunes, resultó en marcas de pincel que a primera vista están en línea con las hechas por otros Pintores de Acción como Willem de Kooning y Jackson Pollock. Pero mientras esos pintores crearon obras que estaban profundamente arraigadas en un significado subyacente, Kline creó obras que solo se referían a sí mismas. Las pinceladas que creó eran, como él explicó, "no relacionadas con ninguna entidad más que la de su propia existencia."

La búsqueda de Franz Kline

Si alguna vez hubo un pintor que podría haber dedicado toda una vida a explorar las profundidades del subconsciente, ese fue Franz Kline. La vida temprana de Kline estuvo llena de dolor. Su padre murió cuando Franz tenía solo siete años, y su madre poco después lo abandonó a un orfanato y se volvió a casar. Más tarde, la propia esposa de Franz sufrió frecuentes episodios de enfermedad mental y pasó tiempo entrando y saliendo de instituciones mentales. Combinado con la agitación existencial que el mundo entero estaba experimentando en la década de 1940, las luchas personales de Kline lo convirtieron en el representante ideal de las ideas sobre el subconsciente y la revelación mística que estaban surgiendo dentro de la comunidad de Expresionismo Abstracto.

Franz Kline - Sin título II, 1952, tinta y óleo sobre páginas de directorio telefónico recortadas y pegadas sobre papel en tabla, 11 x 9 in. © 2018 La herencia de Franz Kline/Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

Al igual que muchos de sus contemporáneos, Kline fue entrenado originalmente como pintor figurativo. Sus primeras obras muestran un excelente dominio de la técnica formal y un talento avanzado para el dibujo. Hizo la transición hacia la abstracción después de hacerse amigo de miembros de la Escuela de Nueva York, como Willem de Kooning, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Hans Hoffman y Philip Guston. A través de su influencia, Kline centró su enfoque, explorando la naturaleza de las pinceladas en pinturas de acción a gran escala que consistían en una paleta simplificada en blanco y negro. Pero una mirada a sus obras anteriores, aunque de naturaleza figurativa, como Puppet in the Paint Box, revela algunas de las mismas pinceladas y un dominio crudo de la composición y el color que definieron el estilo abstracto que finalmente lo hizo famoso.

Franz Kline en su estudio, 1954, en la portada de la revista LIFE con dos de sus icónicas pinturas en blanco y negro. © 2018 La herencia de Franz Kline/Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

El vínculo minimalista

A pesar de que era amigo de, y todavía hoy está asociado con los miembros fundadores de los pintores de la Escuela de Nueva York del Expresionismo Abstracto, la obra de Kline es diferente de la de ellos de una manera específica e importante. Mientras que los otros Expresionistas Abstractos estaban explorando sus propios sentimientos, intuiciones y emociones subconscientes y usándolos para crear obras que eran profundamente personales y llenas de significados ocultos, Kline creó obras que trataban sobre las cualidades formales de la pintura, como la pintura, la pincelada, la composición y el color.

Franz Kline - Sin título – Locomotora. © 2018 La herencia de Franz Kline/Derechos de los artistas (ARS), Nueva York

Él tomó prestada la técnica de pintura gestual que había sido ideada por sus compañeros expresionistas abstractos, y con ella desarrolló su propio estilo distintivo, activo y físico. Pero no había misticismo ni significado oculto en las icónicas pinturas de acción de Kline. Además, las composiciones pictóricas de Kline no eran espontáneas e instintivas como las obras de Pollock, sino que estaban planificadas de antemano, a menudo esbozadas en detalle en páginas de viejos directorios telefónicos.

En lugar de explicar o analizar el contenido de sus obras, Kline animó a los espectadores a interactuar simplemente con las marcas y composiciones en sí, sin buscar simbolismo o significado, sino simplemente interactuando con las cualidades formales del arte. Estas obras se trataban de la apreciación estética singular de sus característicos trazos de pincel y el espacio negativo circundante. Kline sentía que el impacto emocional de la obra podía experimentarse completamente a través de una apreciación de estas cualidades formales, y insistió en que eso era lo más importante en lo que había que centrarse. A través de este estilo personal, se convirtió en una especie de vínculo entre el misticismo de los Expresionistas Abstractos y el formalismo abrazado por los Minimalistas.

Franz Kline - Sin título – Silla mecedora. © 2018 La herencia de Franz Kline/Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

La conexión de de Kooning

La historia más repetida sobre la evolución de Kline hacia un maestro abstracto es esta: ya estaba haciendo pinturas de acción gestual, aunque a pequeña escala. Estas piezas, como Sin título – Locomotora y Sin título – Silla mecedora, ambas de 1946, contienen todos los materiales básicos de trazo, línea, color y composición que eventualmente definirían su estilo posterior. Según la leyenda, el amigo de Kline, Willem de Kooning, lo animó a proyectar estas pequeñas pinturas en gran medida en la pared, tan ampliadas que podría simplemente apreciar las pinceladas individuales por sí solas.

Franz Kline - Chief, 1950, Óleo sobre lienzo, 58 3/8 x 73 ½ in. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Como con todas las historias del mundo del arte, esta tiene sus detractores. Sin embargo, si se trata de un mito basado en hechos o no, es irrelevante. Es evidente por su trabajo a finales de la década de 1940 que Kline ya se había estado moviendo en la dirección de aislar la naturaleza formal y las características de sus marcas de pincel. Ya sea que fue de Kooning quien recomendó que trabajara en grande, llevando las pinceladas a un enfoque monumental, o si él mismo tuvo la idea, no hace mucha diferencia. De cualquier manera, para 1950 había abrazado completamente la idea de trabajar en grande. Ese año recibió su primera exposición individual en la Galería Charles Egan de Nueva York, que lo presentó a él y a sus pinturas de grandes pinceladas, como Chief, a América.

Cy Twombly - Sin título, 1951, pintura industrial sobre lienzo, 85 x 101 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York

Franz Kline el Maestro

A lo largo de la década de 1950, Kline se volvió más famoso y más influyente. Enseñó en varias instituciones diferentes durante este tiempo, incluyendo el Black Mountain College y el Pratt Institute de Brooklyn. Lo que es más evidente en el trabajo de sus estudiantes es su disposición a explorar su propia relación con el gesto, la creación de marcas y la fisicalidad. Uno de los estudiantes más famosos de Kline fue el pintor abstracto Cy Twombly, quien estudió con Kline en 1951 en Black Mountain. El estilo icónico de Twombly es una forma altamente individual de pintura de acción profundamente influenciada por la técnica de Kline.

Franz Kline - King Oliver, 1958, Óleo sobre lienzo, 251.4 x 196.8 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nueva York

A finales de la década de 1950, Kline amplió su estilo para incluir una paleta de colores más amplia. En obras como King Oliver, pintada en 1958, su icónico estilo personal sigue siendo evidente, al igual que sus gestos de pincel. Pero la paleta de colores aumentada añade nuevas dimensiones a la obra que desvían la atención de las cualidades de las marcas y hacia un examen más profundo de las otras cualidades formales de la pintura. Kline alcanzó notoriedad internacional en este período de su vida gracias a que su trabajo fue incluido en una exposición itinerante organizada por el MoMA de Nueva York llamada The New American Painting, que recorrió Europa en 1958.

Franz Kline murió repentinamente en 1962 de insuficiencia cardíaca. Aunque nunca vivió para ver el pleno florecimiento de movimientos como el Minimalismo y Post-Painterly Abstraction, su enfoque en las cualidades formales de la creación de marcas del Expresionismo Abstracto definitivamente condujo a su desarrollo intelectual y su éxito crítico. A través de las icónicas obras de Kline, vemos que se establece un puente conceptual. Su trabajo como artista y educador animó a muchos en su propia generación y a las futuras generaciones a considerar las pinturas como objetos en lugar de medios o intermediarios para experiencias trascendentes, y asistió al Modernismo de finales del siglo XX en su búsqueda por mantenerse inventivo y libre.

Imagen destacada: Franz Kline - Puppet in the Paint Box, 1940, Óleo sobre tabla, 14 x 18 in.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio