Franz Kline y su manera de pintar en acción
¿Y si desde el principio no estábamos destinados a interpretar jeroglíficos? ¿Y si no fueran símbolos, sino simplemente formas estéticas destinadas a ser apreciadas como arte? Ciertamente pueden ser apreciadas como tales para aquellos de nosotros que no podemos leerlos de todos modos. La obra de Franz Kline representa un momento en la evolución del Expresionismo Abstracto cuando se planteó una pregunta similar sobre si la interpretación era necesaria o incluso posible con cierto arte abstracto. La icónica técnica gestual de Kline, combinada con su uso de pinceles comunes para pintura doméstica, dio como resultado marcas de pincel que a primera vista parecen estar en línea con las hechas por otros Pintores de Acción como Willem de Kooning y Jackson Pollock. Pero mientras esos pintores creaban obras profundamente arraigadas en un significado subyacente, Kline hizo obras que solo se referían a sí mismas. Las pinceladas que creó eran, como él explicó, “no relacionadas con ninguna entidad más que con su propia existencia.”
La búsqueda de Franz Kline
Si alguna vez hubo un pintor que podría haber dedicado toda una vida a explorar las profundidades del subconsciente, ese fue Franz Kline. La vida temprana de Kline estuvo llena de dolor. Su padre murió cuando Franz tenía solo siete años, y su madre poco después lo abandonó en un orfanato y se volvió a casar. Más tarde, la propia esposa de Franz sufrió frecuentes episodios de enfermedad mental y pasó tiempo dentro y fuera de instituciones psiquiátricas. Combinado con la agitación existencial que todo el mundo experimentaba en los años 40, las luchas personales de Kline lo convirtieron en el representante ideal de las ideas sobre el subconsciente y la revelación mística que surgían dentro de la comunidad del Expresionismo Abstracto.
Franz Kline - Sin título II, 1952, Tinta y óleo sobre páginas recortadas y pegadas de guía telefónica sobre papel en tabla, 11 x 9 pulgadas. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Como muchos de sus contemporáneos, Kline fue originalmente formado como pintor figurativo. Sus primeras obras muestran un excelente dominio de la técnica formal y un talento avanzado para el dibujo. Pasó a la abstracción tras entablar amistad con miembros de la Escuela de Nueva York, como Willem de Kooning, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Hans Hoffman y Philip Guston. Bajo su influencia, Kline centró su atención en explorar la naturaleza de las pinceladas en pinturas de acción a gran escala que consistían en una paleta simplificada en blanco y negro. Pero una mirada a sus obras anteriores, aunque de naturaleza figurativa, como Títere en la caja de pintura, revela algunas de las mismas pinceladas y un dominio crudo de la composición y el color que definieron el estilo abstracto que finalmente lo hizo famoso.
Franz Kline en su estudio, 1954, en la portada de la revista LIFE con dos de sus icónicas pinturas en blanco y negro. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
El vínculo minimalista
Aunque fue amigo y aún hoy se le asocia con los miembros fundadores de los pintores de la Escuela de Nueva York del Expresionismo Abstracto, la obra de Kline es diferente a la de ellos en un aspecto específico e importante. Mientras que los otros expresionistas abstractos exploraban sus propios sentimientos, intuiciones y emociones subconscientes para crear obras profundamente personales y llenas de significados ocultos, Kline creó obras que trataban sobre las cualidades formales de la pintura, como la pintura, la pincelada, la composición y el color.
Franz Kline - Sin título – Locomotora. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Tomó prestada la técnica de pintura gestual que habían ideado sus compañeros expresionistas abstractos y con ella desarrolló su propio estilo activo y físico. Pero no había misticismo ni significado oculto en las icónicas pinturas de acción de Kline. Además, las composiciones pictóricas de Kline no eran espontáneas ni instintivas como las obras de Pollock, sino que estaban planificadas con anticipación, a menudo esbozadas en detalle en páginas de viejas guías telefónicas.
En lugar de explicar o analizar el contenido de sus obras, Kline animaba a los espectadores a interactuar simplemente con las marcas y composiciones en sí mismas, sin buscar simbolismo o significado, sino interactuando con las cualidades formales del arte. Estas obras trataban sobre la apreciación estética singular de sus pinceladas características y el espacio negativo circundante. Kline sentía que el impacto emocional de la obra podía experimentarse completamente a través de la apreciación de estas cualidades formales, y insistía en que eso era lo más importante en lo que centrarse. A través de este estilo personal se convirtió en una especie de vínculo entre el misticismo de los expresionistas abstractos y el formalismo adoptado por los Minimalistas.
Franz Kline - Sin título – Mecedora. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
La conexión con de Kooning
La historia más repetida sobre la evolución de Kline hacia un maestro del arte abstracto es esta: ya estaba haciendo pinturas gestuales de acción, aunque a pequeña escala. Estas piezas, como Sin título – Locomotora y Sin título – Mecedora, ambas de 1946, contienen todos los materiales básicos de trazo, línea, color y composición que eventualmente definirían su estilo posterior. Según la leyenda, el amigo de Kline, Willem de Kooning, le animó a proyectar estas pequeñas pinturas en gran medida sobre la pared, tan ampliadas que pudiera simplemente apreciar las pinceladas individuales por sí solas.
Franz Kline - Chief, 1950, Óleo sobre lienzo, 58 3/8 x 73 ½ pulgadas. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Como ocurre con todas las historias del mundo del arte, esta tiene sus detractores. Sin embargo, si es un mito basado en hechos o no, es irrelevante. Es evidente por su obra a finales de los años 40 que Kline ya se había movido en la dirección de aislar la naturaleza formal y las características de sus marcas de pincel. Si fue de Kooning quien le recomendó trabajar a gran escala, llevando las pinceladas a un enfoque monumental, o si fue idea suya, no hace mucha diferencia. De cualquier manera, para 1950 ya había adoptado completamente la idea de trabajar en gran formato. Ese año recibió su primera exposición individual en la Galería Charles Egan de Nueva York, que lo presentó a él y a sus pinturas de pinceladas a gran escala, como Chief, a América.
Cy Twombly - Sin título, 1951, Pintura industrial sobre lienzo, 85 x 101 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Franz Kline, el maestro
Durante la década de 1950, Kline se volvió más famoso e influyente. Enseñó en varias instituciones durante este tiempo, incluyendo el Black Mountain College y el Instituto Pratt de Brooklyn. Lo más evidente en el trabajo de sus estudiantes es su disposición a explorar su propia relación con el gesto, la creación de marcas y la fisicalidad. Uno de los estudiantes más famosos de Kline fue el pintor abstracto Cy Twombly, quien estudió con Kline en 1951 en Black Mountain. El estilo icónico de Twombly es una forma muy individual de pintura de acción profundamente influenciada por la técnica de Kline.
Franz Kline - King Oliver, 1958, Óleo sobre lienzo, 251.4 x 196.8 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
A finales de los años 50, Kline amplió su estilo para incluir una paleta de colores más amplia. En piezas como King Oliver, pintada en 1958, su estilo personal icónico sigue siendo evidente, al igual que sus pinceladas gestuales. Pero la paleta de colores ampliada añade nuevas dimensiones a la obra que desvían la atención de las cualidades de las marcas hacia un examen más profundo de otras cualidades formales de la pintura. Kline alcanzó notoriedad internacional en este período de su vida gracias a que su obra fue incluida en una exposición itinerante organizada por el MoMA de Nueva York llamada La nueva pintura americana, que recorrió Europa en 1958.
Franz Kline murió repentinamente en 1962 de insuficiencia cardíaca. Aunque nunca llegó a ver el pleno florecimiento de movimientos como el Minimalismo y la Abstracción post-pictórica, su enfoque en las cualidades formales de la creación de marcas del Expresionismo Abstracto definitivamente condujo a su desarrollo intelectual y a su éxito crítico. A través de las icónicas obras de Kline, vemos que se produce un puente conceptual. Su trabajo como artista y educador animó a muchos de su propia generación y a las futuras a considerar las pinturas como objetos en lugar de medios o intermediarios para experiencias trascendentes, y ayudó al Modernismo de finales del siglo XX en su búsqueda por mantenerse inventivo y libre.
Imagen destacada: Franz Kline - Títere en la caja de pintura, 1940, Óleo sobre tabla de lienzo, 14 x 18 pulgadas.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
