La Importancia del Color en el Arte de Hans Hofmann

Sería difícil nombrar a un pintor del siglo XX más influyente que Hans Hofmann. Las biografías de cientos de artistas, maestros e innovadores importantes no estarían completas sin mencionar a Hofmann como una inspiración clave. Fue asociado de Picasso y Braque en París en los primeros días del Cubismo. Conoció a Mondrian en los primeros días de De Stijl. Era amigo cercano de los Delaunay y los ayudó a desarrollar las teorías que llevaron al Orfismo. Y eso es solo el comienzo. Como instructor en Europa y América, Hofmann moldeó el pensamiento de múltiples generaciones de artistas. Sin su contribución, es poco probable que el Expresionismo Abstracto, la pintura de Campo de Color o la Abstracción Lírica hubieran florecido. Sin mencionar las numerosas otras tendencias del arte modernista que surgieron de los estudios de sus legiones de estudiantes, y los estudiantes de esos estudiantes. ¿Qué fue lo que Hofmann impartió a sus contemporáneos que lo convirtió en una inspiración tan grande? Como artista y maestro, el principio más importante al que se dedicó fue la influencia de la naturaleza en el arte. Y la forma en que creía que la naturaleza encontraba su máxima expresión en la pintura era a través del color.

Hans Hofmann el Científico

No es raro encontrar a un artista que también sea hábil en ciencia. Al igual que los científicos, los verdaderos artistas creen que más conocimiento es mejor que menos conocimiento. Y tanto la ciencia como el arte están íntimamente ligados al mundo natural. Al comprender mejor las leyes de la naturaleza desde una perspectiva científica, los artistas pueden expresar más plenamente su lado creativo. Antes de convertirse en artista, Hans Hofmann era competente en matemáticas y ciencia de niño. Nacido en 1880 en Baviera, uno de sus primeros trabajos a los 16 años fue con el gobierno, trabajando para el Ministerio del Interior. Allí ganó una reputación como innovador e incluso recibió varias patentes, incluida una para un dispositivo de cálculo llamado comptómetro electromagnético.

Pero a los 19 años se sintió inspirado para seguir el arte, y tenía su propio apartamento en Múnich y estaba estudiando pintura bajo la tutela de Moritz Heymann, un pintor alemán impresionista. Entre 1899 y 2004, se mudó a más de una docena de direcciones diferentes en Múnich y estudió arte con varios maestros diferentes. Durante este tiempo también tuvo la fortuna de conocer a dos personas que cambiaron su vida para siempre para mejor. Una fue Maria Wolfegg, a quien llamó Miz, y que eventualmente se convertiría en su esposa. La otra fue Philipp Freudenberg, un adinerado propietario de una tienda por departamentos. Freudenberg quedó impresionado por la habilidad que Hofmann mostraba como artista y se convirtió en su mecenas, proporcionándole a él y a Miz los recursos para vivir en París durante diez años, aproximadamente de 1904 a 1914.

Hans Hofmann - Paisaje, 1942, óleo sobre panel

Los años de París

En París, Hofmann floreció como un modernista. Pasaba el rato en el Café du Dôme con importantes miembros de la vanguardia europea, incluyendo a Gertrude Stein, Pablo Picasso y Robert y Sonia Delaunay. Estaba rodeado de pensadores innovadores y sumergido en una atmósfera de experimentación y optimismo. Su absorción de ideas de sus contemporáneos avanzó rápidamente su pensamiento. Pintó continuamente y expuso con frecuencia, y tenía una insaciable curiosidad intelectual.

Durante este tiempo, Hofmann también maduró en su apreciación por los viajes y la naturaleza. Veraneando en la isla mediterránea de Córcega, fue profundamente influenciado por los valores cambiantes del color y la luz. Pero en 1914, todo esto se detuvo cuando su desarrollo artístico se retrasó inesperadamente. Mientras visitaba Alemania, Hofmann y Miz quedaron atrapados cuando el gobierno alemán declaró la guerra a la vecina Rusia. No podrían regresar a París, ni siquiera para recuperar las muchas obras de arte que Hofmann había dejado allí. Pero al menos Hofmann se libró del servicio militar debido a una lesión. Así que, en lugar de verse obligado a servir en el ejército alemán en la Primera Guerra Mundial, en 1915 Hans Hofmann abrió su primera escuela de arte, en Múnich.

Hans Hofmann - Rossignol, 1963, óleo sobre lienzo

Un maestro moderno

Hofmann se entregó por completo a sus dos carreras, como artista y profesor. Después de la guerra, inculcó entusiastamente en sus estudiantes el valor de viajar y la importancia de experimentar diferentes paisajes naturales. Para hacer esto, instituyó lo que se convertiría en una tradición de toda la vida para él, llevando a cabo cursos de verano fuera de la ciudad. Y el curso de verano fue solo uno de sus enfoques innovadores para la enseñanza. También rechazó las etiquetas para el arte y desalentó a sus estudiantes de quedar atrapados en discusiones académicas sobre su trabajo. Les dijo: “Los pintores deben hablar a través de la pintura — no a través de palabras.”

Durante estos años, descubrió las diferencias necesarias entre las mentalidades de los artistas y los maestros para que ambos tuvieran éxito. Como artista, su objetivo era siempre pintar desde la intuición, mantenerse espiritualmente conectado con la naturaleza y abstenerse de planificar el resultado para mantener vivo el espíritu de descubrimiento en su trabajo. Pero como maestro, aprendió que debía ser preciso en sus indicaciones. El equilibrio que encontró entre guiar a sus estudiantes y permitirles ser fieles a sí mismos reflejaba el equilibrio en sus pinturas. Era un reflejo de quién era él. Su consideración y apertura eran tan inusuales y tan visionarias, que a lo largo de la década de 1920, su reputación como maestro de arte modernista atrajo a estudiantes que viajaron desde todo el mundo para formarse con él.

Hans Hofmann - Aeronáutica, 1949, Técnica mixta sobre papel

Convertirse en estadounidense

Un estudiante internacional que estudió con Hofmann en Alemania en la década de 1920, el artista estadounidense Worth Ryder, se unió al departamento de arte de la Universidad de California en Berkeley. Por invitación de Ryder, Hofmann llegó a Berkeley y enseñó una sesión de verano en 1930. Así comenzó una serie de excursiones a América para Hofmann, que incluyó una exposición de sus pinturas en San Francisco en 1931 y una sesión de verano en Los Ángeles en 1932. Y también en 1932 enseñó un curso de seis semanas en Nueva York, en la Art Students League.

La experiencia americana elevó tanto a Hofmann que decidió quedarse. Abrió su propia escuela en Manhattan y, a lo largo de las décadas siguientes, se convirtió en el equivalente secular de un gurú en la escena artística americana. Sus estudiantes incluyeron a líderes de su generación, como Lee Krasner. Sus amigos incluían a gigantes del mundo del arte como Frank Stella, quien una vez escribió un artículo sobre Hofmann titulado El Artista del Siglo. Y sus admiradores incluían a prominentes mentes culturales, como Peggy Guggenheim y Clement Greenberg, quienes asistieron a conferencias de Hofmann y apoyaron sus esfuerzos tanto como artista como maestro.

Hans Hofmann - Fall Euphony, 1959, óleo sobre lienzo

Lo que Hofmann enseñó

Lo que hizo poderosas las lecciones que Hofmann compartió fue que eran simples y directas. Su profundidad radicaba en su capacidad para inspirar sin controlar. Una pequeña muestra de la orientación que ofreció a sus estudiantes incluye: “…hay cosas más grandes que el objeto. La cosa más grande es la mente humana;” “Siendo inagotables, la vida y la naturaleza son un estímulo constante para una mente creativa;” “El mundo entero, tal como lo experimentamos visualmente, nos llega a través del reino místico del color;” y, “En la naturaleza, la luz crea el color. En la imagen, el color crea la luz.”

Hofmann creía que la magia era posible en el arte, pero que dependía primero de que la magia estuviera presente durante el acto de creación. Enseñó a sus estudiantes a buscar esa magia en la luz y el color del mundo natural. No le importaba si sus estudiantes eran representacionales o abstractos en su enfoque, ni siquiera respetaba la validez de tales etiquetas. Estaba orgulloso de que su generación había pasado a respetar la pureza de elementos estéticos como el color, la luminosidad, la composición y el equilibrio, por sus propios méritos. “No importa si una obra es naturalista o abstracta,” dijo. “Cada expresión visual sigue las mismas leyes fundamentales.”

Hans Hofmann - Sin título, 1943, tinta sobre papel

Una influencia viva

Una multitud de artistas hoy en día cita a Hofmann como una influencia clave en su uso del color. El artista estadounidense de origen alemán Wolf Kahn, quien fue asistente de estudio de Hofmann, ha dedicado toda su carrera a explorar la radiación del color y la luz tal como se ve en la naturaleza. Y aunque sus pinturas se ven muy diferentes a las de Kahn, la pintora contemporánea del Expresionismo Abstracto Francine Tint también cita a Hofmann como una de las influencias más importantes en su uso del color. Simplemente busca en Google la frase "influenciado por Hans Hofmann" y encontrarás más de 20,000 otros ejemplos esperando ser revisados.

En su escritura, Hofmann defendió elocuentemente a los artistas, maestros y la capacidad humana general de apreciar el arte, diciendo: “La gran mayoría de las personas tiene los medios para acercarse a la belleza plástica como parte de su equipamiento natural. El maestro puede desarrollar este don natural como la Necesidad, el mayor maestro, ha desarrollado el habla.” Como maestro, comunicó este principio ayudando a los artistas a crear conexiones con la naturaleza. Como pintor, lo demostró a través de su incesante exploración de la armonía del color. Lo más importante, como miembro de la comunidad humana, nos ayudó a entender por qué es importante.

Hans Hofmann - Miller Hill, 1941