Robert Delaunay y Su Enfoque del Color

¿Qué significa decir que una pintura es "realista"? La realidad es un tema controvertido. Es puramente subjetiva, después de todo. Lo que uno considera real se basa en una combinación de lo que percibe, lo que entiende y lo que puede imaginar. En 1912, el pintor Robert Delaunay publicó un ensayo en la revista alemana Der Sturm titulado, "Notas sobre la construcción de la realidad en la pintura pura." El ensayo fue un intento de resumir los 60 años anteriores de investigación artística, desde el comienzo del Impresionismo, sobre el tema de cómo representar mejor la realidad en el arte. Delaunay describió el trabajo de sus predecesores como científico y analítico, descomponiendo la pintura en sus componentes para llegar a lo esencial de la realidad pintada. Escribió que los artistas solo deberían esforzarse por crear lo que es bello y que la realidad es la única cosa verdaderamente bella. Pero la realidad, según Delaunay, no significaba imitación. Más bien, supuso que el elemento más básico y hermoso de la realidad era el color, ya que la naturaleza, a través de la luz, transmitía la belleza del mundo a nuestros ojos a través del color, y que "son nuestros ojos los que transmiten las sensaciones percibidas en la naturaleza a nuestra alma."

El color es realidad

Una de las cosas que Robert Delaunay solía decir sobre sí mismo es que antes de él, los pintores solo usaban el color para colorear. Creía que era el primer pintor en usar el color como un tema en sí mismo. Daba crédito a los Impresionistas, porque fueron ellos quienes identificaron la importancia de la luz. Pero aún así, solo usaban las cualidades de la luz para copiar imágenes del mundo objetivamente visible. Pero al menos reconocieron que una imagen está compuesta por muchas partes diferentes, y que es la percepción de esas partes lo que crea un sentido de lo que es la realidad. La percepción ocurre no en el lienzo, sino en el cerebro.

El Puntillismo fue uno de los primeros y más profundos estilos de pintura que realmente examinaron el hecho de que la percepción ocurre en el cerebro. También conocido como Divisionismo, utilizó pequeños bloques de color colocados uno al lado del otro en un lienzo para transmitir la sensación de un color mezclado en lugar de mezclar los colores primero. El cerebro luego combinaría los colores para completar la imagen. Esa realización, de que los ojos y el cerebro podían completar una imagen que de otro modo estaría incompleta, se convirtió en un principio fundamental de finales del siglo XIX y principios del siglo XX en la vanguardia. Inspiró la pintura Futurista, Cubismo, Orfismo y innumerables otros estilos y movimientos desde entonces.

El color como tema

Robert Delaunay estaba cautivado por el pensamiento divisionista. Le inspiró a pensar en la relación que los colores tienen entre sí cuando se colocan uno al lado del otro en el lienzo, independientemente de la imagen que se estuviera creando. Ampliaba los bloques de color más allá de lo que habían hecho los puntillistas, creando efectos visuales mucho más pronunciados y abstractos. Usó esta técnica para hacer una serie de retratos de su amigo y compañero pintor abstracto Jean Metzinger.

En las pinturas de Metzinger de Delaunay, podemos ver bloques de color creando profundidad y un sentido de movimiento además de solo formar una imagen. A través de sus pinturas divisionistas, Delaunay se dio cuenta de que el color podía transmitir forma, profundidad, luz e incluso emoción. Independientemente de los elementos figurativos de una imagen, el color podría, por sí solo, transmitir cualquier verdad o cualquier realidad que un pintor esperara expresar.

Robert Delaunay Rythme n°1, decoración para el Salón de las Tullerías, 1938, óleo sobre lienzo, 529 x 592 cm, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París

Color y plano

Mientras Delaunay hacía sus propios descubrimientos sobre la realidad pintada, los cubistas, liderados por Pablo Picasso, también estaban experimentando en un ámbito similar. Estaban intentando transmitir la realidad cuatridimensional y el paso del tiempo. Su método consistía en dividir el mundo en planos espaciales y luego usar esos planos para expresar una multitud de puntos de vista simultáneos sobre un solo tema.

Delaunay no estaba interesado en la perspectiva. Creía que a través del color solo se podía expresar el movimiento, o cualquier otro fenómeno. Pero Delaunay, no obstante, se sintió intrigado por la idea cubista de los planos espaciales. Había notado que cuando la luz incide en las cosas, los diversos matices que aparecen están determinados por la geometría de sus planos espaciales. Dado que los planos y la geometría tienen un efecto tan directo sobre el color, tomó prestado el lenguaje estético del plano roto de los cubistas y lo aplicó a sus pinturas, creando un nuevo enfoque estético abstracto que era parte divisionista y parte cubista. Usó este estilo, de manera más famosa, en una serie de pinturas que retrataban lo que él creía que era el símbolo definitivo de la era moderna: la Torre Eiffel.

Robert Delaunay - Torre Eiffel, 1911 (fechada en 1910 por el artista). Óleo sobre lienzo. 79 1/2 x 54 1/2 pulgadas (202 x 138.4 cm). Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, Colección Fundacional Solomon R. Guggenheim, Por donación. 37.463

Color y contraste

Uno de los próximos descubrimientos que hizo Delaunay tenía que ver con el contraste. Se dio cuenta de que los colores podían complementarse de una manera que podía crear reacciones emocionales en la mente del espectador. Comenzó a eliminar el sujeto, la profundidad, la luz y todos los demás factores, enfocándose puramente en el contraste de colores por su propio valor. Aprendió que diferentes colores en contraste creaban diferentes efectos emocionales. Algunos colores contrastaban de una manera que se sentía alegre o jovial. Otros contrastaban de una manera que se sentía pesada o melancólica.

También descubrió que algunos colores, cuando se colocaban uno al lado del otro, en realidad creaban una sensación de movimiento. Los espectadores los percibían como si temblaran, vibraran o incluso cambiaran de matiz cuanto más los miraban. Delaunay llamó a esta sensación Simultaneidad. En su pintura de 1914 Homenaje a Bleriot, utilizó la teoría de la Simultaneidad para transmitir lo que él creía que era el estado esencial de la modernidad, el movimiento, representado casi en su totalidad por el color y la forma puramente abstracta.

Robert Delaunay - Homenaje a Bleriot, 1914, Óleo sobre lienzo, 6 pies 4 1/2 x 4 pies 2 1/2 pulgadas. Kunstmuseum Basel, Basilea, Suiza

El legado de Robert Delaunay

La historia era importante para Delaunay, y según quienes lo conocían, era bastante consciente de su lugar en ella. Le gustaba señalar quién, o qué, fue el primero. Escribió que, “Las primeras pinturas eran simplemente una línea que rodeaba la sombra de un hombre hecha por el sol en la superficie de la tierra.” Elogió al pintor Seurat, fundador del Puntillismo, por mostrar primero la importancia de los colores complementarios. Pero luego criticó a Seurat por su logro incompleto, afirmando que el Puntillismo era “solo una técnica.” Delaunay afirmó que fue él mismo quien utilizó por primera vez la teoría de los colores complementarios para llegar a una expresión pura de la belleza.

De hecho, después de leer los escritos de Delaunay sobre el color, es evidente que él es responsable de mucho pensamiento original sobre las cualidades formales de la pintura. Él y su esposa Sonia son acreditados con la invención del Orfismo, uno de los estilos abstractos más influyentes que surgieron antes de la Primera Guerra Mundial. Pero sin restarle nada a Delaunay, el hecho de que se preste tanta atención al color plantea una pregunta: ¿Puede el color ser realmente la expresión más pura de la realidad de la naturaleza? ¿Puede ser la única forma de transferir belleza a nuestras almas? Debe ser desalentador para una persona ciega, o una persona daltónica, escuchar tales noticias. Quizás el pensamiento de Delaunay sobre el color no fue el final de la historia. Tal vez lo más importante de su trabajo es que planteó las preguntas que muchos amantes del arte abstracto aún se hacen hoy: ¿Qué es la realidad? ¿Qué es la belleza? ¿Cuál es la mejor manera de comunicarlas para que conecten con el alma humana?

Imagen destacada: Robert Delaunay - Retrato de Jean Metzinger, 1906, Óleo sobre lienzo, 55 x 43 cm. Colección privada
Por Phillip Barcio