Lee Krasner y Su Impresionante Obra

Algunos artistas se centran tan intensamente en un estilo particular que casi cualquier amante del arte puede describir fácilmente ejemplos típicos de sus obras. Otros, sin embargo, evolucionan intencionadamente y constantemente su estilo, negándose a ser limitados por un enfoque estético. Lee Krasner personificó a estos últimos. Describir pinturas típicas de Lee Krasner sería imposible, porque su trabajo nunca fue típico. Múltiples veces a lo largo de su carrera, Krasner redirigió completamente su enfoque hacia la pintura. Aunque normalmente se la asocia con los Expresionistas Abstractos, comenzó su carrera como pintora realista clásica. También trabajó como pintora de murales para la Administración de Progreso de Obras, y pasó años experimentando con collage, abstracción biomórfica, abstracción de borde duro, obras de pequeño formato inspiradas en su herencia judía y obras de gran formato informadas por su vida personal. Incluso después de sufrir un aneurisma cerebral, siguió reinventando su trabajo durante más de dos décadas más. Tan diversa e ingeniosa es su obra que Lee Krasner es considerada hoy como la encarnación del espíritu de la vanguardia americana del siglo XX. 

Nacido en Brooklyn

Lee Krasner nació en Brooklyn en 1908, siendo el primer miembro de su familia en nacer en suelo americano. Supo desde joven que quería ser pintora. Pero en las primeras décadas de 1900 no había muchas oportunidades para las jóvenes que aspiraban a ser artistas profesionales. Aquellas mujeres que sí querían estudiar arte eran alentadas a dedicarse a la enseñanza. Solo había una escuela secundaria en Nueva York, la Washington Irving High School for Girls, que incluso permitía a las mujeres especializarse en clases de arte. Lee Krasner solicitó y fue aceptada en esa escuela.

Después de la escuela secundaria, Krasner efectivamente obtuvo su certificado de enseñanza. Pero después, en lugar de dedicarse a la enseñanza, encontró trabajo como mesera y continuó tomando clases de pintura. Dominó la técnica clásica en la Academia Nacional de Diseño y estudió cómo pintar la figura humana en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. Era tan talentosa que en 1935 obtuvo un codiciado puesto como pintora de murales en la Administración de Progreso de Obras, una rareza para cualquier artista, y mucho más para una artista femenina. El trabajo consistía en copiar diseños de murales figurativos hechos por otros artistas. Krasner no lo consideraba ideal, ya que hubiera preferido pintar sus propios diseños, pero le permitió ganarse la vida durante la depresión y amplió su educación.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Óleo sobre lienzo. 175.3 x 318.8 cm. Colección del Museo de Arte Moderno. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Pintura por todas partes

En 1937, dos años después de asumir su puesto en la WPA, Lee Krasner inició la primera gran evolución en su trabajo. Se inscribió en clases con Hans Hofmann, un reverenciado pintor y educador alemán conocido por defender el Modernismo y la abstracción. Con la guía de Hofmann, Krasner aprendió los conceptos de Cubismo, Neo-Cubismo, Fauvismo, collage y muchas otras tendencias modernistas tempranas. Puso estas ideas en práctica en el desarrollo de lo que ha llegado a ser llamado su estilo All Over, un enfoque de la pintura que cubría toda la superficie de sus obras con motivos abstractos evocadores de la naturaleza.

Krasner terminó sus clases con Hans Hofmann en 1940. Luego, en 1941, comenzó una relación romántica con el pintor Jackson Pollock. Cuando se encontró por primera vez con el trabajo que Pollock estaba haciendo en ese momento, impulsado por el instinto, reevaluó de inmediato su propio proceso. Aunque su trabajo se había vuelto abstracto, todavía estaba trabajando a partir de la vida real. Inspirada por Pollock, persiguió exuberantemente una búsqueda para conectarse con su yo auténtico e inconsciente, y para expresar sus emociones en el lienzo.

Lee Krasner - Collage de mosaico, 1939. © 2018 Fundación Pollock-Krasner / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

Pequeña serie de imágenes

En su búsqueda de su yo subconsciente, Krasner recurrió a sus raíces. Su familia había emigrado de lo que ahora es Ucrania. Su herencia judía rusa estaba informada por la cábala, un antiguo método simbólico de interpretar la Biblia. Basándose en el concepto simbólico de la cábala, Krasner desarrolló su propio lenguaje visual simbólico e intuitivo; incorporándolo en una serie de pinturas que llamó la serie de las Pequeñas Imágenes.

El nombre de este cuerpo de trabajo probablemente derivó de la idea de que cada pintura parece estar compuesta de innumerables pequeñas imágenes que representan un vocabulario abstracto sin un significado definido. O el nombre también podría haber derivado del cambio que experimentó en su entorno alrededor de la misma época en que comenzó esta serie. Ese cambio se produjo cuando Krasner y Pollock se mudaron de la ciudad a una propiedad en Long Island. Pollock se hizo cargo del granero para sus obras a gran escala. Krasner adoptó un estudio en el piso de arriba de la casa, que era más íntimo en escala, y adaptó su trabajo en conversación con el espacio. 

Lee Krasner - Mediodía, 1947, de la serie Little Images. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Collages recortados

El siguiente gran cambio estético para Lee Krasner llegó a principios de la década de 1950, cuando, según la leyenda, se frustró con la calidad de varias de sus obras y comenzó a destrozar los lienzos. En sus primeros días estudiando con Hans Hofmann, Krasner se había convertido en una ávida fan de Matisse y había experimentado con el collage. Inspirada por Matisse y sus recortes, comenzó a utilizar sus pinturas destrozadas como materias primas para una serie de collages poderosos y emotivos, transformando los restos de sus fracasos en una nueva dirección radical en su obra.

Durante este tiempo en su vida, también hubo muchas otras frustraciones para Krasner, además de las relacionadas con su trabajo. Su esposo, Jackson Pollock, era un alcohólico y un mujeriego, y se había vuelto rápidamente famoso por su propio estilo único de pintura de acción. En 1956, mientras Krasner estaba en Europa durante el verano, Pollock murió en un accidente automovilístico provocado por el alcohol mientras conducía y bebía con su amante y un amigo.

Lee Krasner - City Verticals, 1953 (Izquierda) / Lee Krasner -  Burning Candles, 1955 (Derecha), dos collages en lienzo. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Ciclos de la vida

Ya, antes de que Pollock muriera, Krasner había comenzado a cambiar de dirección una vez más en su trabajo. Había comenzado a pintar composiciones exuberantes, biomórficas de formas naturales abstractas. A su regreso de Europa, exploró aún más este motivo, permitiendo que sus obras también crecieran en tamaño, quizás debido a la disponibilidad de más espacio en el que trabajar. Gestos grandiosos y amplios y paletas de colores simplificadas aparecieron en sus composiciones, y el caos y la frustración en sus esfuerzos anteriores dieron paso a una visión más amplia de los procesos del mundo natural.

Durante seis años tras la muerte de su esposo, Krasner siguió este nuevo estilo emotivamente poderoso. Los nombres que dio a estas series de obras parecían estar conectados a los ciclos de la vida, y quizás eran simbólicos de, o guiados por, su dolor y recuperación. La primera de estas series, Earth Green, presentaba una paleta de colores naturales de verdes, rojos, blancos y marrones. La siguiente serie, Night Journeys, contenía imágenes más oscuras y melancólicas. Esta fase de su carrera llegó a un abrupto final en 1962 cuando Krasner sufrió un aneurisma cerebral que detuvo su trabajo durante varios años.

Lee Krasner - La Mujer Sol II, 1958, parte de la Serie Tierra Verde. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Líneas duras

Después de recuperarse de su aneurisma, Krasner retomó donde lo había dejado, explorando formas y composiciones orgánicas. Luego, a principios de la década de 1970, tomó abruptamente su trabajo en otra nueva dirección. Comenzó a pintar abstracciones planas y de bordes duros que parecían casi geométricas en su lenguaje visual. Su paleta de colores también se volvió más pura, resultando en pinturas que se sienten brillantes, directas y optimistas.

Otras tendencias estéticas que sus contemporáneos estaban persiguiendo en ese momento posiblemente inspiraron esta nueva dirección para Krasner. La pintura de Color Field había ganado apoyo entre muchos Expresionistas Abstractos, y el Minimalismo estaba dominando activamente la escena artística como una reacción contra la emoción y el drama de la generación anterior. Pero a pesar de que hay elementos de ambos estilos en las obras de borde duro que Krasner pintó en los años 70, su expresión de sus sentimientos es completamente única.

Lee Krasner - Reloj de sol, 1972. Óleo sobre lino. © 2018 Fundación Pollock-Krasner / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

El legado de Lee Krasner

En 1983, Lee Krasner recibió el honor de su primera retrospectiva profesional. Se inauguró en Houston, Texas, en el Museo de Bellas Artes. Krasner estaba demasiado enferma para asistir a la exposición, pero como nativa de Brooklyn, esperaba con ansias el día en que la exposición viajara a su ciudad natal. Sin embargo, falleció en junio de 1984, solo seis meses antes de que su retrospectiva se inaugurara en el MoMA de Nueva York. El comunicado de prensa para la exposición del MoMA decía: “Krasner continuó pintando hasta poco antes de su muerte el pasado junio, y su trabajo hasta el final habla de una exploración incesante.”

Lo que es verdaderamente extraordinario sobre la naturaleza experimental de su carrera es que a lo largo de todos sus cambios, Lee Krasner mantuvo una voz estética individual y distinta. Elementos del lenguaje visual que utilizó en sus primeras obras reverberan a lo largo de su obra a pesar de una multitud de evoluciones en el camino. Sus últimas obras hablan en una conversación fluida con sus primeros esfuerzos. Este es un poderoso testimonio del lugar que ocupa Krasner en la tradición modernista americana. Su obra es indicativa de una mente radicalmente creativa y habla de la manifestación de la vanguardia dentro de ella.

Imagen destacada: Lee Krasner - Autorretrato, 1930. Óleo sobre lino. 76.5 × 63.8 cm. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio