Cubismo de Sonia Delaunay y la Exploración del Color

Mucho se podría, y se ha escrito sobre los logros profesionales de Sonia Delaunay. Ella fue una de las artistas más influyentes del siglo XX. En sus 20 años, su enfoque visionario hacia la abstracción la llevó a convertirse en una de las primeras artistas modernistas. En sus 30 años, transformó su práctica de estudio en la manifestación de un Gesamtkunstwerk, o obra total de arte, demostrando el ideal de Bauhaus dos años antes de que existiera Bauhaus. Creó un cuerpo único e influyente de pinturas a lo largo de su vida, trabajando continuamente hasta poco antes de su muerte a los 94 años. Y además de pintar, también trabajó en moda, teatro, cine, publicación y participó en todo tipo de actividades de diseño. A los 79 años, se convirtió en la segunda artista viva en tener una exposición retrospectiva en el Louvre, y la primera artista femenina en lograr ese hito. Incluso se podría argumentar fácilmente que Sonia Delaunay fue la primera artista en convertir efectivamente su persona en una marca, en el contexto contemporáneo de la palabra. Pero centrarse exclusivamente en estos logros externos implicaría que su objetivo siempre fue alcanzar tales cosas. Pero de hecho, Delaunay no tenía tal intención. Sus únicos objetivos eran, de manera sincera, explorar el color, la forma y la composición, y revelar al resto del mundo a través de su arte la esencia desconocida de lo que buscaba dentro de sí misma.

Convertirse en Sonia Delaunay

La historia de la infancia de Sonia Delaunay podría resonar con cualquier padre. Qué fácil es crear, o no aprovechar una oportunidad, y cómo el más pequeño cambio en las circunstancias puede afectar profundamente las posibilidades de éxito de un niño. Sonia Delaunay nació Sarah Ilinitchna Stern en una familia de clase trabajadora en lo que ahora es Ucrania. Sus oportunidades en su ciudad natal eran severamente limitadas, pero tenía un tío y una tía adinerados en San Petersburgo llamados Henri y Anna Terk. Los Terk no podían tener hijos propios, y pidieron adoptar a Sarah de sus padres en apuros. Su madre inicialmente se resistió. Pero cuando Sarah tenía cinco años, su madre finalmente cedió y le permitió mudarse a San Petersburgo para vivir con su tío y tía.

Una vez que llegó a San Petersburgo, Sarah cambió su nombre a Sonia Terk. Junto con su nuevo nombre vino un nuevo conjunto de experiencias y posibilidades mucho más diversas. La vida con su tía y su tío incluía viajes por el mundo, la mejor educación y visitas regulares a museos y bibliotecas. Pudo revisar libros de arte en casa y participar en discusiones intelectuales sobre una variedad de temas. A los 16 años había desarrollado un interés en convertirse en artista. Los Terk alentaron su interés y, a los 18 años, la enviaron a Alemania para estudiar arte. Dos años después, en 1905, se mudó nuevamente, esta vez a París, el epicentro del arte de vanguardia en Europa.

Un libro del poeta modernista Blaise Cendrars, encuadernado e ilustrado por Sonia Delaunay en 1913.

Descubriendo el color

En París, Sonia Delaunay continuó estudiando arte en la escuela, pero la experiencia que tuvo con sus maestros fue demasiado académica y formal para su disposición. Descubrió que recibía mucha más inspiración en las galerías, que mostraban obras de artistas europeos experimentales como los Postimpresionistas. Había llegado a París en el momento perfecto. Se encontró en el corazón de la comunidad vanguardista en el amanecer del Cubismo, cuando los planos geométricos fueron adoptados por primera vez en un esfuerzo por transmitir la realidad cuatridimensional. Y estaba allí cuando se imprimió por primera vez el Manifiesto Futurista en los periódicos franceses, llevando la idea de movimiento al primer plano de la conversación artística. Y los fauvistas, que estaban en la cúspide de su influencia cuando ella llegó a la ciudad, la inspiraron profundamente. Se sintió visceralmente conmovida por la forma en que sus ojos percibían, y sus emociones experimentaban, las relaciones entre sus colores brillantes y luminosos.

Las primeras pinturas que Sonia Delaunay estaba haciendo después de llegar a París exploraban muchas de las ideas de estos otros movimientos de una manera figurativa. Pero ella estaba buscando algo más. Específicamente, quería una forma de explorar el elemento del color por su propio mérito. Pero también quería ser intuitiva y libre. Tenía poco interés en las teorías académicas que estaban siendo intercambiadas por sus contemporáneos, que ella pensaba que eran, “Demasiado sofisticadas. Estoy más cerca de la naturaleza y de la vida”, explicó una vez, cerca del final de su vida. “Estaba buscando algo dentro de mí y poco a poco se convirtió en pintura abstracta.”

Sonia Delaunay - Desnudo Amarillo, 1908. Museo de Bellas Artes de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Encontrar la abstracción

El avance que finalmente llevó a Sonia Delaunay a abrazar plenamente la pintura no objetiva llegó de una manera de lo más inesperada. Al igual que su partida de su ciudad natal hacia San Petersburgo, surgió de una elección audaz que hizo para crear su propio destino. Cuando llegó por primera vez a París, hizo amistad con un propietario de galería y escritor llamado Wilhelm Uhde, quien mostraba a los principales artistas de vanguardia. Ella y él eran almas gemelas, como ella dijo, “ambos buscando algo abstracto.” Se casaron, no por una atracción romántica, sino porque el arreglo proporcionaba beneficios prácticos para ambos. Para Sonia, la liberó de la presión que estaba recibiendo de su madre biológica para renunciar a su carrera como artista.

Entonces, una noche en la galería, menos de un año después, Sonia conoció a un joven artista apasionado y con opiniones firmes llamado Robert Delaunay. Los dos tuvieron una conexión inmediata y se enamoraron. Sonia le pidió el divorcio a Uhde, que se lo concedió de manera amistosa, y al año siguiente se casó con Robert. Cuando los dos tuvieron su primer hijo, Sonia hizo a mano una colcha para el bebé utilizando técnicas basadas en las tradiciones del arte popular ruso de su hogar. Cuando la colcha estuvo completa, vio en ella la inspiración que había estado buscando. Las formas le recordaban los planos cubistas, pero las relaciones de color entre las formas daban vida a toda la composición. Esa colcha que Sonia Delaunay hizo por instinto para su hijo se convirtió en la base de toda su futura obra abstracta.

El edredón que Sonia Delaunay hizo para su bebé en 1911, ahora parte de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno en París, Francia.

Cubismo órfico

Por las noches en París, Sonia Delaunay y su esposo Robert Delaunay caminaban juntos por la ciudad y hablaban sobre arte. En sus paseos se maravillaban con las luces eléctricas que apenas comenzaban a instalarse. Discutían las formas en que los colores de la ciudad eran afectados por la luz sintética y se deleitaban con las formas y patrones que la luz creaba. Cuando regresaban a casa de sus paseos, cada uno se esforzaba por capturar en el lienzo su experiencia, utilizando el lenguaje del color y la forma abstractos inspirados en la colcha que Sonia había hecho.

Llamaron a su enfoque visual único simultanéisme. La palabra era una referencia a la relación entre colores y formas, y la existencia simultánea de múltiples realidades en sus composiciones. Cuando Sonia y Robert exhibieron estas pinturas, su amigo, el crítico de arte Guillaume Apollinaire, denominó su nuevo estilo Cubismo Orfico, o Orfismo. Aunque la referencia nunca se aclaró perfectamente, el término se relaciona con el mítico músico y poeta griego Orfeo, cuya música legendaria se suponía que tenía la capacidad de encantar a todas las criaturas y cosas.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Óleo sobre lienzo. 182 x 149 cm. Museo Nacional de Arte Moderno, París, Francia.

La Poesía de los Colores

Aunque la referencia a Orfeo parece apropiada para la obra de Sonia Delaunay, la comparación con el Cubismo es errónea. El Cubismo era tan académico como estético. Mientras que Robert Delaunay era un ávido teórico y analista, Sonia prefería trabajar de manera intuitiva y poner el énfasis en la exploración y la experimentación. Sobre esa dicotomía, una vez dijo: “Él hablaba, pero yo me di cuenta.” A pesar de que Sonia utilizaba un lenguaje de formas similar al de los cubistas, no tenía objetivos intelectuales en común con ellos. Sus formas eran solo recipientes para el color. “Si hay formas geométricas,” explicó una vez, hablando en la Sorbona, “es porque estos elementos simples y manejables han resultado adecuados para la distribución de colores cuyas relaciones constituyen el verdadero objeto de nuestra búsqueda.”

Sonia a menudo comparaba la pintura con la poesía. Sonia Delaunay se veía a sí misma buscando combinaciones de colores que pudieran evocar una multitud de posibles interpretaciones y crear significados simultáneos. Era natural para ella expandir sus actividades artísticas al mundo del diseño, ya que, tal como lo experimentaba, no había separación entre el arte y la vida. Ya sea que sus composiciones residieran en el costado de un automóvil, en un abrigo de piel, en un disfraz para una obra de teatro o en la superficie de un lienzo, no veía diferencia. Ella creía que, “los colores son palabras, sus relaciones ritmos,” y que en cualquier capacidad que eligiera para unirlos, se convertían, a través de su esfuerzo, en “un poema completo.”

Sonia Delaunay - Grande Hélice Roja, ca. 1970. Litografía. 72.5 x 88.5 cm. (28.5 x 34.8 in.)

Imagen destacada: Sonia Delaunay - Ritmo sincopado, llamado La Serpiente Negra (detalle), 1967
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio