Cubismo de Sonia Delaunay y la Exploración del Color

Mucho se podría escribir, y se ha escrito, sobre los logros profesionales de Sonia Delaunay. Fue una de las artistas más influyentes del siglo XX. En sus veinte años, su enfoque visionario hacia la abstracción la llevó a convertirse en una de las primeras artistas modernistas. En sus treinta años, transformó su práctica en el taller en la manifestación de un Gesamtkunstwerk, o obra de arte total, demostrando el ideal de la Bauhaus dos años antes de que la Bauhaus existiera. Creó un cuerpo único e influyente de pinturas a lo largo de su vida, trabajando de manera continua hasta poco antes de su muerte a los 94 años. Y además de la pintura, también trabajó en moda, teatro, cine, edición y se involucró en todo tipo de actividades de diseño. A los 79 años, se convirtió en la segunda artista viva en tener una exposición retrospectiva en el Louvre, y la primera mujer artista en alcanzar ese hito. Incluso podría argumentarse fácilmente que Sonia Delaunay fue la primera artista en convertir efectivamente su persona en una marca, en el contexto contemporáneo de la palabra. Sin embargo, centrarse exclusivamente en estos logros externos implicaría que ese fue su objetivo desde el principio. Pero en realidad, Delaunay no tenía tal intención. Sus únicos objetivos eran sinceros: explorar el color, la forma y la composición, y revelar al resto del mundo a través de su arte la esencia desconocida de aquello que buscaba dentro de sí misma.

Convirtiéndose en Sonia Delaunay

La historia de la primera vida de Sonia Delaunay podría resonar con cualquier padre. Qué fácil es crear, o no aprovechar una oportunidad, y cómo el más pequeño cambio en las circunstancias puede afectar profundamente las posibilidades de éxito de un niño. Sonia Delaunay nació como Sarah Ilinitchna Stern en una familia trabajadora en lo que hoy es Ucrania. Sus oportunidades en su ciudad natal eran muy limitadas, pero tenía un tío y una tía adinerados en San Petersburgo llamados Henri y Anna Terk. Los Terk no podían tener hijos propios, y pidieron adoptar a Sarah de sus padres en dificultades. Su madre inicialmente se resistió. Pero cuando Sarah tenía cinco años, su madre finalmente cedió y permitió que se mudara para siempre a San Petersburgo para vivir con su tío y tía.

Una vez que llegó a San Petersburgo, Sarah cambió su nombre a Sonia Terk. Junto con su nuevo nombre llegaron nuevas experiencias y posibilidades mucho más diversas. La vida con su tía y tío incluía viajes por el mundo, la mejor educación y visitas regulares a museos y bibliotecas. Podía hojear libros de arte en casa y participar en discusiones intelectuales sobre diversos temas. A los 16 años había desarrollado interés en convertirse en artista. Los Terk alentaron su interés y a los 18 años la enviaron a Alemania para estudiar arte. Dos años después, en 1905, se mudó nuevamente, esta vez a París, el epicentro del arte de vanguardia en Europa.

Un libro del poeta modernista Blaise Cendrars, encuadernado e ilustrado por Sonia Delaunay en 1913

Descubriendo el color

En París, Sonia Delaunay continuó estudiando arte en la escuela, pero la experiencia con sus profesores fue demasiado académica y formal para su disposición. Descubrió que recibía mucha más inspiración en las galerías, que mostraban obras de artistas europeos experimentales como los postimpresionistas. Había llegado a París en el momento perfecto. Se encontró en el corazón de la comunidad de vanguardia al amanecer del cubismo, cuando los planos geométricos se adoptaron por primera vez en un esfuerzo por transmitir la realidad cuatridimensional. Y estuvo allí cuando el Manifiesto futurista se publicó por primera vez en los periódicos franceses, llevando la idea del movimiento al centro de la conversación artística. Y los fauvistas, que estaban en la cima de su influencia cuando ella llegó a la ciudad, la inspiraron profundamente. Fue movida visceralmente por la forma en que sus ojos percibían y sus emociones experimentaban las relaciones entre sus colores brillantes y luminosos.

Las primeras pinturas que Sonia Delaunay realizó tras llegar a París exploraban muchas de las ideas de estos otros movimientos de manera figurativa. Pero ella buscaba algo más. Específicamente, quería una forma de explorar el elemento del color por su propio mérito. Pero también quería ser intuitiva y libre. Tenía poco interés en las teorías académicas que intercambiaban sus contemporáneos, que ella consideraba, “demasiado sofisticadas. Estoy más cerca de la naturaleza y de la vida,” explicó una vez, cerca del final de su vida. “Buscaba algo dentro de mí y poco a poco se convirtió en pintura abstracta.”

Sonia Delaunay - Desnudo amarillo, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Encontrando la abstracción

El avance que finalmente llevó a Sonia Delaunay a abrazar plenamente la pintura no objetiva llegó de una manera muy inesperada. Al igual que su partida de su ciudad natal hacia San Petersburgo, surgió de una decisión audaz que tomó para crear su propio destino. Cuando llegó por primera vez a París, había entablado amistad con un galerista y escritor llamado Wilhelm Uhde, que mostraba a los principales artistas de vanguardia. Ella y él eran espíritus afines, como ella dijo, “ambos buscando algo abstracto.” Se casaron, no por atracción romántica, sino porque el arreglo les proporcionaba beneficios prácticos a ambos. Para Sonia, la liberó de la presión que recibía de su madre biológica para abandonar su carrera como artista.

Luego, una noche en la galería menos de un año después, Sonia conoció a un joven artista apasionado y de opiniones firmes llamado Robert Delaunay. Los dos tuvieron una conexión inmediata y se enamoraron. Sonia pidió el divorcio a Uhde, que se lo concedió amistosamente, y al año siguiente se casó con Robert. Cuando tuvieron a su primer hijo, Sonia le hizo a mano una colcha usando técnicas basadas en tradiciones del arte popular ruso de su tierra natal. Cuando la colcha estuvo terminada, vio en ella la inspiración que había estado buscando. Las formas le recordaban a los planos cubistas, pero las relaciones de color entre las formas daban vida a toda la composición. Esa colcha que Sonia Delaunay hizo por instinto para su hijo se convirtió en la base de toda su obra abstracta futura.

La colcha que Sonia Delaunay hizo para su bebé en 1911, ahora parte de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno en París, Francia

Cubismo órfico

Por las noches en París, Sonia Delaunay y su esposo Robert Delaunay caminaban juntos por la ciudad y hablaban sobre arte. En sus paseos se maravillaban con las luces eléctricas que apenas comenzaban a instalarse. Discutían cómo los colores de la ciudad se veían afectados por la luz sintética y se deleitaban con las formas y patrones que la luz creaba. Cuando regresaban a casa de sus paseos, cada uno se esforzaba por capturar en el lienzo su experiencia, usando el lenguaje del color y la forma abstractos inspirado en la colcha que Sonia había hecho.

Llamaron a su enfoque visual único simultanismo. La palabra hacía referencia a la relación entre colores y formas, y a la existencia simultánea de múltiples realidades en sus composiciones. Cuando Sonia y Robert exhibieron estas pinturas, su amigo, el crítico de arte Guillaume Apollinaire, bautizó su nuevo estilo como Cubismo órfico, u orfismo. Aunque la referencia nunca se aclaró del todo, el término se relaciona con el mítico músico y poeta griego Orfeo, cuya música legendaria se decía tenía la capacidad de encantar a todas las criaturas y cosas.

Sonia Delaunay - Ritmo, 1938. Óleo sobre lienzo. 182 x 149 cm. Museo Nacional de Arte Moderno, París, Francia

La poesía de los colores

Aunque la referencia a Orfeo parece apropiada para la obra de Sonia Delaunay, la comparación con el cubismo es errónea. El cubismo fue tan académico como estético. Mientras Robert Delaunay era un teórico y analista entusiasta, Sonia prefería trabajar de manera intuitiva y poner el énfasis en la exploración y la experimentación. Sobre esa dicotomía, ella dijo una vez, “Él hablaba, pero yo me daba cuenta.” Aunque Sonia usaba un lenguaje de formas similar al de los cubistas, no compartía con ellos objetivos intelectuales. Sus formas eran solo recipientes para el color. “Si hay formas geométricas,” explicó una vez, hablando en la Sorbona, “es porque estos elementos simples y manejables han parecido adecuados para la distribución de colores cuyas relaciones constituyen el verdadero objeto de nuestra búsqueda.”

Sonia a menudo comparaba la pintura con la poesía. Se veía a sí misma buscando combinaciones de colores que pudieran evocar una multitud de posibles interpretaciones y crear significados simultáneos. Era natural para ella expandir sus actividades artísticas al mundo del diseño ya que, según su experiencia, no había separación entre arte y vida. Ya fuera que sus composiciones residieran en el costado de un coche, en un abrigo de piel, en un disfraz para una obra o en la superficie de un lienzo, no veía diferencia. Creía que, “los colores son palabras, sus relaciones ritmos,” y que en cualquier capacidad en que eligiera unirlos se convertían, por su esfuerzo, en “un poema completo.”

Sonia Delaunay - Gran hélice roja, ca. 1970. Litografía. 72.5 x 88.5 cm. (28.5 x 34.8 in.)

Imagen destacada: Sonia Delaunay - Ritmo sincopado, llamado La serpiente negra (detalle), 1967
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio