Futurismo - Arte del Futuro Pasado
La abstracción exige imaginación, y la imaginación exige libertad. Una hermosa libertad, aquella que hace posible la expresión honesta del yo. Una terrible libertad, aquella que dice que todo vale. La libertad estuvo en el corazón del Futurismo. Los artistas se aliaron con sus principios porque deseaban liberarse de las ataduras de la antigüedad. Bajo el amparo del Futurismo, el arte podía adoptar cualquier característica imaginable. Podía ser abstracto. Podía ser imperfecto. Podía ser absurdo. Podía tomar cualquier forma imaginada por lo que F. T. Marinetti llamó “los jóvenes, los fuertes, los futuristas vivos.”
El gozo de la fuerza mecánica
El automóvil podría considerarse prácticamente una tecnología antigua. Vehículos autopropulsados para transportar pasajeros han existido de alguna forma desde 1768. Pero no fue hasta 1886 que Karl Benz inventó el primer automóvil de producción a gasolina, haciendo realidad el viaje individual a alta velocidad para cualquiera con los medios económicos para poseer uno. El escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti fue uno de esos privilegiados, y quedó encantado con cómo los coches a gasolina brindaban a las personas comunes la capacidad de alcanzar altas velocidades. Le fascinaba cómo el mundo se veía, sonaba y olía al pasar zumbando frente a él desde un volante.
En 1908, Marinetti chocó su coche cerca de Milán mientras intentaba evitar atropellar a un par de ciclistas. Ese incidente desató una tormenta en Marinetti. Las bicicletas eran lentas y recordaban al pasado. El automóvil era rápido y presagiaba el futuro. Desde la perspectiva de Marinetti, el pasado se había interpuesto en su camino y casi lo mata. Decidió, al menos filosóficamente, que la próxima vez que el pasado se interpusiera, lo atropellaría. Escribió sobre su accidente automovilístico con detalle dramático y poético en un ensayo llamado El gozo de la fuerza mecánica, usando la historia como justificación metafórica para la destrucción de la historia. Ese ensayo fue publicado en periódicos italianos y franceses en febrero de 1909, presentado como la primera mitad del documento conocido como el Manifiesto Futurista.
Giacomo Balla - Vuelo de las golondrinas
Futurismo, arte y fascismo
En su Manifiesto Futurista, Marinetti defendió apasionadamente el valor, la audacia, la libertad creativa y la aceptación de la velocidad. Argumentó que se prestaba demasiada atención a las viejas tradiciones artísticas mientras que los artistas vivos eran desalentados o incluso ignorados. Escribió, “queremos liberar a Italia de su gangrena de profesores, arqueólogos, guías y anticuarios. Italia ha sido durante demasiado tiempo un gran mercado de segunda mano.” Muchos artistas en muchos países, especialmente aquellos que trabajaban para crear arte puramente abstracto, compartían el punto de vista de Marinetti.
Curiosamente, Marinetti también defendió la violencia, la guerra y la misoginia en su lista de objetivos del Futurismo. Escribió, “Queremos glorificar la guerra —la única higiene del mundo—, el militarismo, el patriotismo, el gesto destructivo del anarquista, las bellas ideas que matan y el desprecio hacia la mujer. Queremos demoler museos, bibliotecas, luchar contra el moralismo, el feminismo y todas las cobardías oportunistas y utilitarias.” Mientras que muchos artistas deben mucho a la primera parte de su manifiesto, que contribuyó a una gran libertad artística, la segunda parte lamentablemente condujo directamente a una mentalidad que permitió el auge del fascismo.
Giacomo Balla - Automóvil acelerando, 1913, óleo sobre lienzo, 56 cm x 69 cm
El manifiesto de los artistas futuristas
En 1910, cinco artistas futuristas – Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini – se propusieron establecer directrices estéticas específicas para el arte futurista. Publicaron el Manifiesto de los pintores futuristas, que defendía directamente la abstracción, afirmando, “Los retratistas, los pintores de género, los pintores de lagos, los pintores de montañas. Ya hemos soportado suficiente de estos impotentes pintores de vacaciones campestres.”
Continuaba, “Con nuestra entusiasta adhesión al Futurismo, vamos a: destruir el culto al pasado, la obsesión por los antiguos, la pedantería y el formalismo académico. Invalidar totalmente todo tipo de imitación. Elevar todos los intentos de originalidad, por audaces o violentos que sean. Soportar valiente y orgullosamente la mancha de “locura” con la que intentan amordazar a todos los innovadores. Considerar a los críticos de arte como inútiles y peligrosos. Rebelarnos contra la tiranía de las palabras: “armonía” y “buen gusto” y otras expresiones vagas que pueden usarse para destruir las obras de Rembrandt, Goya, Rodin... Barrer todo el campo del arte de todos los temas y asuntos que se han usado en el pasado.”
Benedetta Cappa - Velocità di motoscafo (lancha rápida), 1924, óleo sobre lienzo, 70 x 100 cm, Galleria d’Arte Moderna
El auge del arte futurista
El pintor Umberto Boccioni fue uno de los principales arquitectos del Manifiesto de los pintores futuristas. Alumno de Giacomo Balla, Boccioni fue formado en técnicas divisionistas. Le interesaba cómo la mente podía “completar” una imagen mediante la interpretación de elementos abstractos. Tras viajar a París y encontrarse con los cubistas, se dedicó a ampliar sus ideas. A través de la abstracción, se esforzó por retratar la naturaleza fantástica de la era motorizada. Escribió, “sintetizamos cada momento (tiempo, lugar, forma, tono de color) y así pintamos la imagen.” Uno de los pintores, pensadores y escritores más prolíficos de su tiempo, Boccioni murió en 1916 a los 33 años, justo cuando sus ideas comenzaban a florecer.
El maestro de Boccioni, Giacomo Balla, se centró en un concepto principal: el dinamismo. La palabra dinamismo se refiere a la acción. Expresa la combinación de velocidad, movimiento y sonido. Mientras los cubistas intentaban expresar la percepción cuatridimensional mostrando múltiples perspectivas y planos simultáneamente, Balla quería capturar más vitalidad. Mientras el divisionismo pedía al ojo del espectador mezclar colores, Balla deconstruyó otros elementos de una imagen, como el color, la línea, la superficie y la forma, y creó cuadros que pedían al ojo y a la mente hacer otro tipo de conexiones. Sus esfuerzos fueron inherentemente abstractos, pues intentaban retratar la percepción, o la esencia de la vida, en lugar de representar una imagen figurativa de ella. Sus pinturas Vuelo de las golondrinas y Automóvil acelerando, ambas hechas en 1913, capturan sus ideas.
Wyndham Lewis - Pintura vorticista, Dúo rojo, 1914
Elementos clave del estilo abstracto futurista
Los pintores futuristas se centraron en una paleta de colores brillantes e irreales. Colocaban colores uno junto al otro por su efecto emocional. Usaban ángulos agudos y líneas fuertes para transmitir la sensación de luz y velocidad. Abrazaron el caos y el desorden dentro de sus imágenes, manifestando una nueva estética urbana, moderna y tecnológicamente influida.
Su estilo deconstruido y seguro influyó directamente en un gran número de movimientos de arte abstracto, consolidando la tendencia hacia la abstracción que evolucionaba simultáneamente en múltiples ciudades y naciones. Dio origen al Rayonismo, un estilo explorado principalmente por pintores abstractos rusos, que se centraba en ángulos extremos y colores en un intento de transmitir la esencia de la luz. Inspiró la Aeropintura, un subconjunto específico de la pintura futurista de segunda generación que se enfocaba en representar paisajes aéreos abstractos. También ayudó a sostener la base teórica de movimientos como el Fauvismo, el Suprematismo y el Constructivismo.
Joseph Stella - Batalla de luces, Coney Island, 1913, óleo sobre lienzo, 195.6 × 215.3 cm. Donación de la Colección Société Anonyme. 1941.689. Galería de Arte de la Universidad de Yale. Crédito fotográfico: Galería de Arte de la Universidad de Yale
La influencia internacional del Futurismo
Los intereses estéticos de los artistas futuristas italianos fueron una inspiración directa para muchos artistas y movimientos internacionales. En Gran Bretaña, el pintor Wyndham Lewis basó sus ideas tanto en el Futurismo como en el Cubismo para fundar un movimiento que llamó Vorticismo. El objetivo del Vorticismo era capturar el movimiento, la velocidad y la modernidad, pero en un estilo definido, limpio, que resultaba en planos pictóricos aplanados y una estética más cercana al Constructivismo, Suprematismo y De Stijl.
Representando el paisaje moderno estadounidense estuvo el pintor futurista italo-estadounidense Joseph Stella. Stella estudió arte en Nueva York y vivió allí desde 1896 hasta 1909, pero detestaba América, y regresó a Italia justo a tiempo para ser influenciado por la floreciente escena modernista europea. Tras beneficiarse enormemente de nuevas amistades con, entre otros, Umberto Boccioni, Gertrude Stein y Picasso, Stella volvió a América y transformó su técnica para capturar Nueva York en un estilo futurista-estadounidense épico y único.
Zaha Hadid - Centro Cultural Heydar Aliyev en Azerbaiyán
El futuro del Futurismo
El legado más poderoso del Futurismo es su segura negación de la historia. Después de todo, ¿qué pueden hacer los artistas contemporáneos si todo lo que vale la pena ya se hizo en el pasado? Aunque el impacto estético del Futurismo pudo haber durado poco tiempo, su impacto teórico fue lo que dio valor a los dadaístas en su intento de recontextualizar radicalmente el arte. Fue lo que alentó el pensamiento vanguardista de los surrealistas, los expresionistas abstractos y los artistas conceptuales. Y es lo que ha dado fuerza e inspiración a los neofuturistas actuales, como la arquitecta Zaha Hadid, quien falleció en 2016 a los 65 años.
Al expresar poética y emocionalmente el deseo de libertad del pasado, los futuristas alentaron a los artistas abstractos en su lucha por ser tomados en serio. Aunque su retórica sobre la violencia, la guerra y la misoginia fue desagradable, retrógrada y destructiva, el tono agresivo de los futuristas pudo haber sido necesario para derribar las barreras que impedían a los artistas explorar toda la profundidad de su imaginación.
Imagen destacada: Umberto Boccioni - La ciudad se levanta, 1910, óleo sobre lienzo, 199.3 x 301 cm
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
