¿Qué es la Pintura Conceptual?

Cada obra de arte fue una vez solo una idea en la cabeza de alguien. Es un pensamiento curioso considerando lo efímeras que pueden ser las ideas y lo difícil que puede ser convertir incluso las mejores ideas en realidad. La pintura conceptual, como un campo de práctica artística, intenta confrontar la brecha entre las ideas y la realidad física. Considera la posibilidad de que por cada pintura que termina colgada en una pared, hay innumerables otras que nunca llegaron al lienzo, y innumerables formas alternativas de pintar la que sí llegó a la pared. Incluso llega a decir que la pintura puede no importar en absoluto; que lo único que realmente importa es la idea. 

Sólo piénsalo

A veces, la mejor manera de hacer algo es no pensarlo. Simplemente hazlo, como dice el eslogan. Cuando nos detenemos a pensar en la naturaleza de lo que estamos haciendo, puede paralizarnos, ya que nos cuestionamos si lo que estamos haciendo vale la pena o tiene algún valor. Cuando los primeros pintores abstractos comenzaron su búsqueda para crear obras puramente abstractas, había mucho pensamiento en marcha y estaban llenos de ideas. Pero al mismo tiempo, algunos artistas se estaban haciendo preguntas sobre el valor de esas ideas, o de cualquier otra idea.

En 1917, Marcel Duchamp creó una obra de arte titulada “Fuente”. Era un urinario puesto al revés y firmado “R. Mutt”. Duchamp tomó un objeto ordinario y lo transformó, en este caso al ponerlo al revés y sacarlo de su entorno utilitario, volviendo obsoleto su uso original e invitando a nuevas posibilidades de significado. “Fuente” fue rechazada por la exposición a la que fue presentada, pero se convirtió en el referente de lo que eventualmente se conocería como Arte Conceptual, una tendencia a colocar el valor de las ideas de un artista por encima del valor de los procesos u objetos del artista.

 Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9.8 in, © Sarah Hinckley

La imagen no es nada

Muchas de las primeras pinturas conceptuales no eran pinturas en absoluto. En 1953, el artista Robert Rauschenberg tuvo la idea de borrar una pintura. Su intención era hacer desaparecer el objeto real, dejando solo la idea, y así elevarla a una nueva reverencia. Creía que para lograr la plena manifestación de su idea, alguien más necesitaba tener en estima el objeto. Necesitaba borrar la obra de otro pintor, de lo contrario, sería como negar algo que nunca existió.

Rauschenberg se volvió hacia su amigo Willem de Kooning y le pidió que donara una pintura querida para su concepto. Aunque de Kooning resistió al principio, terminó dándole Rauschenberg, un dibujo, uno que odiaba ver desaparecer y que sería difícil de borrar. Rauschenberg pasó por más de una docena de borradores a lo largo de más de un mes, logrando finalmente borrar toda la imagen. El resultado, llamado “Dibujo de de Kooning Borrado,” afirmaba con confianza la noción de que la idea de una obra de arte es lo más importante, y que la obra no necesita existir en absoluto.

Robert Rauschenberg - Dibujo borrado de de Kooning, 1953, Restos de medios de dibujo sobre papel, 64.14 cm x 55.25 cm x 1.27 cm, Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, © Fundación Robert Rauschenberg 

Haciendo lo invisible

La noción de la importancia primaria de la idea se difundió rápidamente por el mundo occidental. Los artistas comenzaron a experimentar con cada posible manifestación de una idea, creyendo que si una idea va a manifestarse, puede manifestarse de muchas maneras. El arte sobre una imagen de un árbol podría manifestarse como una fotografía de un árbol, una pintura de un árbol, un dibujo de un árbol, una pintura abstracta de un árbol, las palabras "imagen de un árbol" escritas en una superficie, un intérprete señalando un árbol real, una danza interpretativa imitando un árbol, o incluso un artista sentado en el suelo con los ojos cerrados pensando en una imagen de un árbol.

En 1958, el artista Yves Klein realizó una exposición de pintura en París a menudo referida como “El Vacío.” El título completo de la muestra era “La Especialización de la Sensibilidad en el Estado de Materia Prima en Sensibilidad Pictórica Estabilizada, El Vacío.” Según la leyenda, más de 3000 visitantes vinieron a ver la exposición. Al entrar en la galería, los espectadores se enfrentaron a una sala blanca desprovista de pinturas, que contenía solo un armario vacío. Dijo Klein sobre la exposición: “Mis pinturas son ahora invisibles y me gustaría mostrarlas de una manera clara y positiva.”

Fieroza Doorsen - Sin título (Id. 1281), 2017, Óleo sobre papel, 27 x 19 cm.

Sol Le Witt

En 1968, el pintor abstracto Sol LeWitt añadió otra dimensión al ámbito de la pintura conceptual. Teorizó que no solo no importa si una idea se manifiesta alguna vez como una pintura física, sino que tampoco importa cómo se pinta o quién la pinta. Lo único que importa es la idea original expresada por el artista sobre la pintura. Como demostración de este concepto, LeWitt comenzó a diseñar murales que podían ser, y generalmente eran, ejecutados por personas distintas a él.

La idea de LeWitt era que cada mano individual dibujaría cada línea de manera diferente, por lo que, aunque trabajarían a partir de los mismos planos, cada artista dibujaría el mural de manera diferente a los demás. Los productos terminados variarían del diseño original y entre sí, pero dado que el diseño original es lo único que importa, la variación es irrelevante, al igual que los medios de producción. El legado de la idea de LeWitt es que sus pinturas murales conceptuales todavía se están reproduciendo hoy en día, después de su muerte.

John Monteith - El Cielo Nocturno, 2010, grafito sobre papel hecho a mano, 24 x 17.7 in, © John Monteith

El futuro de las ideas

La pintura conceptual contemporánea continúa expandiendo nuestra apreciación de las ideas que forman la base de una obra de arte. El trabajo de la pintora abstracta americana contemporánea Debra Ramsay está arraigado en ideas que son fundamentales para nuestro tiempo. Su proceso consiste en rastrear los colores cambiantes de la naturaleza, como los de la flora estacional, y luego analizar esos cambios de color en un programa de computadora. Los datos resultantes se utilizan para crear una paleta que hace referencia a los colores naturales cambiantes. Luego utiliza esa paleta para crear una representación abstracta de objetos en el espacio que cambian con el tiempo.

El trabajo de Ramsay evoca dos ideas fundamentales que dominan nuestra cultura actual. La primera es la idea de los datos, y la noción de que cada aspecto de nuestras vidas está siendo monitoreado, digitalizado, calculado y analizado en una monumental búsqueda de comprensión. La otra es la idea de que la naturaleza está cambiando, y que ahora solo podemos observar que eso suceda y de alguna manera encontrar belleza estética en ello. Las ideas de Ramsay están bellamente representadas en forma de pinturas abstractas, pero son las ideas mismas las que hacen que su trabajo sea tan relevante para nuestra cultura ahora.

Debra Ramsay- Un Año de Color, Ajustado por la Longitud del Día, 2014, Acrílico sobre película de poliéster, 39.8 x 59.8 in.

H7

El pintor abstracto canadiense John Monteith trabaja en una serie de medios diferentes mientras busca la manifestación física más exitosa de sus conceptos artísticos. Un ámbito que a menudo explora es el del texto. Monteith extrae fragmentos de texto de otras fuentes que encuentra mientras trabaja, como las noticias diarias, un libro o una conversación. Luego presenta el texto fuera de contexto en un entorno de galería, lo que invita a nuevas interpretaciones conceptuales de las ideas contenidas en las palabras.

Al recurrir a múltiples fuentes de medios para el texto que utiliza en sus obras, los dibujos basados en texto de Monteith aportan un punto de vista contemporáneo a las obras de artistas conceptuales de primera generación como Robert Barry, quien también trabaja a menudo con texto. El trabajo de Barry consiste en mostrar fragmentos de texto en papel, lienzo, paredes, suelos o cualquier otra superficie adecuada a la idea. Sus palabras son a menudo las suyas propias, pero a veces son tomadas de otros textos, y se presentan de una manera que invita a nuevas asociaciones y significados. A menudo, estas obras conceptuales presentan mucha más información de la que podría ofrecer una pintura tradicional al requerir la participación de la propia imaginación del espectador. 

Materia y significado

En 1965, en una obra seminal de arte conceptual llamada Una y Tres Sillas, el artista conceptual Joseph Kosuth presentó una silla real, una fotografía de una silla y una descripción escrita de lo que es una silla. Al igual que muchas otras obras conceptuales, puso en primer plano la pregunta de cuál es la diferencia entre ideas, objetos y abstracciones.

Ahora aceptamos que una pintura conceptual no tiene por qué ser una pintura, ni tiene que existir en forma material en absoluto. Pero cuando existe, ¿es eso importante? ¿Importa que esté aquí, en el reino físico? ¿Realmente no hay diferencia entre el objeto y la idea? ¿Valoramos realmente más la idea? Si tuviéramos hambre, ¿preferiríamos tener una receta, una pintura de comida o comida real? En términos prácticos, la pintura conceptual tanto plantea como responde una de las preguntas más importantes de la humanidad: ¿Importa lo que hacemos?

Imagen destacada: Robert Barry - Sin título (Algo que nunca puede ser una cosa específica), 1969,  Escritura a máquina sobre papel, 4 x 6 in., © Robert Barry

Todas las imágenes se utilizan solo con fines ilustrativos.