Pinturas Abstractas Famosas Que Cambiaron La Manera En Que Percibimos El Arte
“Las imágenes que podemos tener, podría decirse, dependen de quién esté haciendo la imaginación.” - John Hospers, de An Introduction to Philosophical Analysis
"Dependemos de los visionarios para abrir puertas ocultas, para que podamos vislumbrar partes del mundo y partes de nosotros mismos que de otro modo podrían permanecer ocultas. La visión es la especialidad de los artistas abstractos, y en los últimos 100 años, muchas famosas pinturas abstractas han logrado ampliar la visión de la humanidad. Los visionarios que crearon esas imágenes no solo nos otorgaron, a nosotros los espectadores, el regalo de nuevas cosas por ver; nos ofrecieron formas completamente nuevas de ver."
Pinturas Abstractas Famosas: 1910 – 1920
Es cierto que algunas de nuestras selecciones en este artículo pueden resultar controvertidas, ya quecada amante del arte abstracto tiene diferentes gustos. Pero la mayoría probablemente estaría de acuerdo con nuestra primera selección de pinturas abstractas que cambiaron la forma en que percibimos el arte. Sin título (Primera acuarela abstracta) de Wassily Kandinsky fue pintada en 1910 y es considerada por los historiadores del arte como la primera pintura puramente abstracta. La audaz representación de manchas, manchas y líneas de colores vibrantes renuncia a toda referencia visual a la realidad objetiva. Esta pintura liberó a los artistas de la esclavitud del tema y invitó a los espectadores a involucrarse de una manera completamente nueva con el concepto de lo que puede ser una imagen.
Wassily Kandinsky - Sin título (Primera acuarela abstracta), 1910. Acuarela, tinta india y lápiz sobre papel. 19.5 × 25.5. Centro Georges Pompidou, París
Once años después, en 1921, Piet Mondrian pintó su icónico Tableau I. Después de un período de experimentación con su nueva voz emergente, Tableau I solidificó lo que se convertiría en el estilo definitorio de Mondrian. Las duras líneas negras y los campos de color compartimentados ofrecieron a los espectadores un vistazo de geometría purificada y precisión matemática. Las líneas limpias y la precisión de la obra no hacían referencia a nada más que a la forma, el color y la línea. La obra dio paso a un estilo que influiría en generaciones de pintores, escultores, arquitectos y diseñadores, y continúa guiando a los pensadores creativos hoy en día.
Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Óleo sobre lienzo. 96.5 cm x 60.5 cm. Museo Ludwig, Colonia, Alemania.
En 1925, Joan Miró disolvió las barreras entre la Abstracción y el Surrealismo con su pintura La mancha roja. Miró no se consideraba un abstracto. Dijo que llegaba a casa a su pequeño hogar, hambriento y exhausto, y pintaba las imágenes que veía en su cabeza. La mancha roja se sitúa en la delgada línea entre la figuración antropomórfica, los tótems oníricos y la pura abstracción. Algo infantil, pero horrible, acecha dentro de la imagen. Con este cuerpo de trabajo, Miró abrió de par en par la puerta a la iconografía oculta de nuestras pesadillas y sueños.
Joan Miró - La mancha roja, 1925. Óleo y pastel sobre lienzo. 146 x 114 cm. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © Fundación Joan Miró, Barcelona
Pinturas Abstractas Famosas: 1930s – 1940s
A medida que el mundo occidental descendía en depresión, hambruna y guerra por segunda vez en el siglo XX, la abstracción se estableció firmemente como una fuerza importante en el mundo del arte. Una fantástica gama de métodos estaba siendo empleada por artistas que trabajaban en este estilo, cada uno contribuyendo a los crecientes esfuerzos por conectarse con algo puro, algo verdadero y algo libre dentro del espíritu humano. En Gran Bretaña, el pintor Ben Nicholson expandió su trabajo abstracto en un cuerpo de lo que él llamó pinturas de relieve blanco. Una de sus obras seminales tempranas, 1935 (relieve blanco), rompió nuevos terrenos visuales, estableciendo a Nicholson como una de las voces más importantes de la Abstracción Inglesa. Nicholson era amigo de, y fue influenciado por, el pintor Piet Mondrian. Las obras de relieve blanco expandieron el uso de líneas de borde duro y espacio geométrico de Mondrian, introduciendo capas dimensionales y una paleta monocromática. Las primeras pinturas de relieve blanco de Nicholson fueron creadas en 1933, y para cuando se creó 1935 (relieve blanco), había solidificado un estilo que combinaba elementos de abstracción, constructivismo, arte concreto, y que sugiere las primeras semillas de Minimalismo y Abstracción Post-Pictórica.
En el otro extremo del espectro, durante las décadas de 1930 y 1940, estaban los Expresionistas Abstractos, también conocidos como la Escuela de Nueva York. Rechazando por completo la geografía racional y la reducción espacial de artistas como Mondrian y Nicholson, los Ab Ex-ers buscaban conectar con la emoción primal en su trabajo. Ningún Expresionista Abstracto fue tan influyente y exitoso en encarnar el estilo como Jackson Pollock.
Un alcohólico y neurótico notorio, Pollock se inspiró en los psicoanálisis para profundizar en su subconsciente en busca de inspiración. Su obra se basó en la fisicalidad y en imágenes tótem inconscientes para crear retratos feroces de la ansiedad moderna y de la posguerra. Una de las primeras pinturas por goteo de Pollock, Full Fathom Five, pintada en 1947, cambió para siempre el arte abstracto. Esta obra es un amalgama de su estilo de pincel anterior y su técnica visionaria de goteo. Incluye monedas, colillas de cigarrillos y otros fragmentos aleatorios de su estudio, proyectando un nivel de textura y profundidad completamente nuevo para la Abstracción. Full Fathom Five marcó un punto de inflexión en la carrera de Pollock y cambió para siempre nuestra relación con el lienzo.
Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Óleo sobre lienzo con clavos, tachuelas, botones, llave, monedas, cigarrillos, fósforos, etc. 50 7/8 x 30 1/8 in. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Pinturas Abstractas Famosas: Años 50
En la década de 1950, los Expresionistas Abstractos habían tomado firmemente la imaginación del mundo del arte. En todas partes, los artistas se esforzaban por conectarse con el yo primigenio, la mente inconsciente y la imaginería oculta del subconsciente. En medio de este fervor surgió una tendencia hacia la calma, nacida parcialmente de un creciente interés entre muchos artistas en filosofías orientales como el Taoísmo y el Zen. Uno de los movimientos más profundos que surgieron de esta época fue un estilo de pintura abstracta conocido como Pintura de Campo de Color.
El objetivo de la Pintura de Campo de Color, tal como se ha llegado a entender generalmente, era explorar el color de manera independiente del tema, la forma, la línea y las otras limitaciones de la creación de imágenes. Los pintores buscaban una calidad meditativa y, si tenían éxito, esta se transfería posteriormente de la obra a sus espectadores.
La pintora abstracta Helen Frankenthaler fue una de las voces más profundas del movimiento Color Field. Con su pintura Mountains and Sea, pintada en 1952, Frankenthaler presentó al mundo una nueva técnica de pintura que había inventado llamada el “proceso de empapado y mancha.” En este proceso, Frankenthaler utilizó trementina para diluir la consistencia de sus pinturas. Vertió delicadamente la pintura diluida sobre un lienzo sin preparar en el suelo, permitiendo que la pintura se empapara completamente a través del lienzo, dando a la obra una textura y apariencia completamente nuevas. El proceso de empapado y mancha creó campos sublimes de color que adoptaron configuraciones orgánicas y en transformación que tocaban lo sereno. Mountains and Sea de Frankenthaler se considera uno de los primeros éxitos del movimiento Color Field y sigue siendo una de sus imágenes más entrañables hoy en día.
Helen Frankenthaler - Montañas y mar, 1952. Óleo y carbón sobre lienzo. 86 5/8 x 117 ¼ in. © 2019 Fundación Helen Frankenthaler, Inc./Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York
Quizás el artista más famoso asociado con los artistas del Color Field es Mark Rothko, un artista que también rechazó vehementemente eso, y la mayoría de las otras etiquetas. Rothko trabajó completamente con el color, esforzándose por abrir un plano espiritual en el que él y los espectadores pudieran experimentar la profundidad de la emoción humana. Aunque totalmente enfocado en el color, Rothko lo desestimó como solo un vehículo a través del cual podría establecerse esta conexión espiritual. Una de las obras tempranas definitorias de Rothko fue No. 2, Green, Red and Blue, pintada en 1953. Esta pieza es icónica del futuro cuerpo de trabajo de Rothko, estableciendo su voz como un habitante singularmente entrañable de ambos mundos: el arte abstracto y la espiritualidad trascendental.
Mark Rothko - No. 2, Verde, Rojo y Azul, 1953. Colección privada
Pinturas Abstractas Famosas: 1960s – 1970s
A medida que la Abstracción entró en las décadas de 1960 y 1970, muchos pintores ya estaban rechazando sus ideas fundamentales, regresando a la figuración y explorando el ámbito del arte conceptual. No obstante, el poder de la claridad y la libertad de la Abstracción aún mantenía una gran promesa. Una de las voces más sublimes de este período fue la pintora abstracta estadounidense Agnes Martin. Conocida por sus pinturas de cuadrícula lineal, Martin perdura como una voz icónica del Arte Abstracto.
La pintura de Agnes Martin Noche en el mar, realizada en 1963, es uno de los primeros ejemplos de lo que se convertiría en su estilo definitivo. En la obra, un fondo azul casi monocromático se intersecta con un meticuloso patrón de cuadrícula pintado en pan de oro. Esta obra abraza el color, mientras otorga igual poder a la línea. Abraza la simplicidad mientras comunica simultáneamente vastedad, complejidad y un sentido de interdependencia entrelazada. Martin habló de cómo la línea, para ella, representaba la inocencia. Esperaba que la sensación de inocencia se transfiriera a los espectadores a través de su obra. La simplicidad de sus imágenes y la claridad de la emoción que esperaba comunicar fueron fundamentales para cerrar la brecha entre el Expresionismo Abstracto y el Minimalismo.
Agnes Martin - Noche en el mar, 1963. Óleo y pan de oro sobre lienzo. 72 x 72 in. © Patrimonio de Agnes Martin / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York
En la década de 1970, Robert Motherwell sacudió el mundo de la Abstracción una vez más con una voz que parecía ser la antítesis del atractivo del Minimalismo. Sus gestos primales y robustos transmitían energía, fuerza y ansiedad al mismo tiempo. Había una fuerza estoica en ellos y, sin embargo, surgía una profunda emoción que encarnaba el poder y la libertad de la pura Abstracción.
La obra definitoria de Motherwell llegó en 1971 y se llamó Elegía a la República Española No. 110. La energía furiosa de esta pintura envuelve al espectador y parece estallar fuera del lienzo. Hay una vitalidad impactante en ella, una agresión que transfiere emoción y furia al espacio. En un momento en que muchos pintores consideraban que la Abstracción se había agotado, Motherwell inyectó una poderosa nueva fuerza vital en el estilo. Su visión fresca y su voz segura ayudaron a que la Abstracción perdurara y continúan inspirando y empoderando a los artistas Abstractos hasta el día de hoy.
Robert Motherwell - Elegía a la República Española No. 110, 1971. Acrílico con grafito y carbón sobre lienzo. 82 x 114 in. Museo Solomon R. Guggenheim. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), Nueva York.
Cambiando Nuestra Percepción del Futuro
Los artistas abstractos contemporáneos de hoy deben una deuda a cada uno de estos artistas, tanto por las formas en que buscaron la libertad en sus modos de expresión como por las maneras en que ayudaron a los espectadores a abrir sus mentes a nuevas formas de ver. La abstracción continúa abriéndonos nuevas puertas mientras tratamos de comprender las complejidades infinitas que nuestra sociedad en evolución nos presenta. Al basarse en los ejemplos de los grandes artistas abstractos del pasado, los artistas abstractos de hoy y de mañana pueden, con suerte, ayudarnos a traducir nuestras ansiedades y miedos contemporáneos, y ayudarnos a ver más allá de las limitaciones de nuestros propios ojos.
Imagen destacada: Wassily Kandinsky - Composición VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París / Erich Lessing / Art Resource, NY
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
