Pinturas Abstractas Famosas Que Cambiaron La Manera En Que Percibimos El Arte
“Qué imágenes podemos tener, podría decirse, depende de quién está imaginando.” - John Hospers, de Una introducción al análisis filosófico
Dependemos de los visionarios para abrir puertas ocultas, para que podamos vislumbrar partes del mundo y partes de nosotros mismos que de otro modo podrían permanecer ocultas. La visión es la especialidad de los artistas abstractos, y durante más de 100 años, muchas pinturas abstractas famosas han logrado ampliar la visión de la humanidad. Los visionarios que crearon esas imágenes no solo nos otorgaron a nosotros, los espectadores, el don de nuevas cosas para ver; nos ofrecieron formas completamente nuevas de ver.
Pinturas Abstractas Famosas: 1910s – 1920s
Es cierto que algunas de nuestras selecciones en este artículo pueden resultar controvertidas, ya que cada amante del arte abstracto tiene gustos diferentes. Pero la mayoría probablemente estaría de acuerdo con nuestra primera selección de pinturas abstractas que cambiaron la forma en que percibimos el arte. Sin título (Primera acuarela abstracta) de Wassily Kandinsky fue pintada en 1910 y es considerada por los historiadores del arte como la primera pintura puramente abstracta. La audaz representación de manchas, borrones y líneas de colores vibrantes prescinde de toda referencia visual a la realidad objetiva. Esta pintura liberó a los artistas de la esclavitud del tema y invitó a los espectadores a involucrarse de una manera completamente nueva con el concepto de lo que puede ser una imagen.
Wassily Kandinsky - Sin título (Primera acuarela abstracta), 1910. Acuarela, tinta india y lápiz sobre papel. 19.5 × 25.5. Centro Georges Pompidou, París
Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Óleo sobre lienzo. 96.5 cm x 60.5 cm. Museo Ludwig, Colonia, Alemania
En 1925, Joan Miró disolvió las barreras entre la Abstracción y el Surrealismo con su pintura La mancha roja. Miró no se consideraba a sí mismo un abstraccionista. Decía que llegaba a su pequeña casa, hambriento y agotado, y pintaba las imágenes que veía en su cabeza. La mancha roja se sitúa en la delgada línea entre la figuración antropomórfica, los tótems oníricos y la abstracción pura. Algo infantil, pero horrible, acecha dentro de la imagen. Con este conjunto de obras, Miró abrió de par en par la puerta a la iconografía oculta de nuestras pesadillas y sueños.
Joan Miró - La mancha roja, 1925. Óleo y pastel sobre lienzo. 146 x 114 cm. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © Fundación Joan Miró, Barcelona
Pinturas Abstractas Famosas: 1930s – 1940s
Mientras el mundo occidental caía en depresión, hambre y guerra por segunda vez en el siglo XX, la abstracción se estableció firmemente como una fuerza principal en el mundo del arte. Se empleaba una fantástica variedad de métodos por parte de los artistas que trabajaban en este estilo, cada uno contribuyendo a los crecientes esfuerzos por conectar con algo puro, verdadero y libre dentro del espíritu humano. En Gran Bretaña, el pintor Ben Nicholson amplió su obra abstracta hacia un conjunto de lo que llamó pinturas en relieve blancas. Una de sus obras tempranas más importantes, 1935 (relieve blanco), abrió nuevos caminos visuales, estableciendo a Nicholson como una de las voces más importantes de la abstracción inglesa. Nicholson fue amigo e influenciado por el pintor Piet Mondrian. Las obras en relieve blanco ampliaron el uso de líneas duras y espacio geométrico de Mondrian, introduciendo capas dimensionales y una paleta monocromática. Las primeras pinturas en relieve blanco de Nicholson fueron creadas en 1933, y para cuando se creó 1935 (relieve blanco), había consolidado un estilo que combinaba elementos de abstracción, constructivismo, arte concreto, y que sugiere las primeras semillas del Minimalismo y la Abstracción Post-Pictórica.
En el otro extremo del espectro durante las décadas de 1930 y 1940 estaban los Expresionistas Abstractos, también conocidos como la Escuela de Nueva York. Rechazando completamente la geografía racional y la reducción espacial de artistas como Mondrian y Nicholson, los Expresionistas Abstractos buscaban conectar con la emoción primitiva en su obra. Ningún Expresionista Abstracto fue tan influyente y exitoso en encarnar el estilo como Jackson Pollock.
Alcoholizado notorio y neurótico, Pollock se inspiró en el psicoanálisis para alcanzar lo más profundo de su subconsciente en busca de inspiración. Su obra se basaba en la fisicalidad y en imágenes totémicas inconscientes para crear representaciones feroces de la ansiedad moderna de la posguerra. Una de las primeras pinturas por goteo de Pollock, Full Fathom Five, pintada en 1947, cambió para siempre el arte abstracto. Esta obra es una amalgama de su estilo anterior con pincel y su técnica visionaria de goteo. Incluye monedas, colillas de cigarrillos y otros objetos aleatorios de su estudio, proyectando un nivel de textura y profundidad completamente nuevo para la abstracción. Full Fathom Five marcó un punto de inflexión en la carrera de Pollock y cambió para siempre nuestra relación con el lienzo.
Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Óleo sobre lienzo con clavos, tachuelas, botones, llave, monedas, cigarrillos, fósforos, etc. 50 7/8 x 30 1/8 pulgadas. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Pinturas Abstractas Famosas: 1950s
Para los años 1950, los Expresionistas Abstractos habían tomado firmemente la imaginación del mundo del arte. En todas partes, los artistas se esforzaban por conectar con el yo primigenio, la mente inconsciente y las imágenes ocultas del subconsciente. En medio de este fervor surgió una tendencia hacia la calma, nacida en parte del creciente interés de muchos artistas por filosofías orientales como el taoísmo y el budismo zen. Uno de los movimientos más profundos que surgieron en esta época fue un estilo de pintura abstracta conocido como Pintura de Campo de Color.
El objetivo de la Pintura de Campo de Color, tal como se ha entendido generalmente, era explorar el color independientemente del tema, la forma, la línea y otras limitaciones de la creación de imágenes. Los pintores buscaban una cualidad meditativa que, si tenía éxito, se transfería posteriormente de la obra a sus espectadores.
La pintora abstracta Helen Frankenthaler fue una de las voces más profundas del movimiento de Campo de Color. Con su pintura Montañas y mar, pintada en 1952, Frankenthaler presentó al mundo una nueva técnica de pintura que ella misma inventó llamada “proceso de empapado y manchado”. En este proceso, Frankenthaler usaba trementina para diluir la consistencia de sus pinturas. Vertía delicadamente la pintura diluida sobre un lienzo sin imprimar colocado en el suelo, permitiendo que la pintura empapara completamente el lienzo, dando a la obra una textura y apariencia completamente nuevas. El proceso de empapado y manchado creó campos sublimes de color que adoptaban configuraciones orgánicas y cambiantes que rozaban lo sereno. Montañas y mar de Frankenthaler se considera uno de los primeros éxitos del movimiento de Campo de Color y sigue siendo una de sus imágenes más entrañables hoy en día.
Helen Frankenthaler - Montañas y mar, 1952. Óleo y carbón sobre lienzo. 86 5/8 x 117 ¼ pulgadas. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Quizás el artista más famoso asociado con los pintores de Campo de Color es Mark Rothko, un artista que también rechazó vehementemente esa y la mayoría de las otras etiquetas. Rothko trabajó completamente con el color, esforzándose por abrir un plano espiritual en el que él y los espectadores pudieran experimentar la profundidad de la emoción humana. Aunque completamente enfocado en el color, Rothko lo consideraba solo un vehículo a través del cual se podía establecer esta conexión espiritual. Una de las obras tempranas definitorias de Rothko fue No. 2, Verde, Rojo y Azul, pintada en 1953. Esta pieza es icónica del cuerpo de trabajo futuro de Rothko, estableciendo su voz como un habitante singularmente entrañable tanto de los mundos del arte abstracto como de la espiritualidad trascendente.
Mark Rothko - No. 2, Verde, Rojo y Azul, 1953. Colección privada
Pinturas Abstractas Famosas: 1960s – 1970s
Al entrar la abstracción en las décadas de 1960 y 1970, muchos pintores ya rechazaban sus ideas fundamentales, volviendo a la figuración y explorando el ámbito del arte conceptual. No obstante, el poder de la claridad y libertad de la abstracción aún mantenía una gran promesa. Una de las voces más sublimes de este período fue la pintora abstracta estadounidense Agnes Martin. Conocida por sus pinturas de cuadrículas lineales, Martin perdura como una voz icónica del arte abstracto.
La pintura de Agnes Martin Mar de noche, realizada en 1963, es uno de los primeros ejemplos de lo que se convertiría en su estilo definitivo. En la obra, un fondo azul casi monocromático se intersecta con un patrón de cuadrícula meticuloso pintado en pan de oro. Esta obra abraza el color, mientras otorga igual poder a la línea. Abraza la simplicidad mientras comunica simultáneamente vastedad, complejidad y un sentido de interdependencia entretejida. Martin habló de cómo la línea, para ella, representaba la inocencia. Esperaba que el sentimiento de inocencia se transmitiera a los espectadores a través de su obra. La simplicidad de sus imágenes y la franqueza de la emoción que esperaba comunicar fueron fundamentales para tender un puente entre el Expresionismo Abstracto y el Minimalismo.
Agnes Martin - Mar de noche, 1963. Óleo y pan de oro sobre lienzo. 72 x 72 pulgadas. © Patrimonio de Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
En los años 1970, Robert Motherwell sacudió nuevamente el mundo de la abstracción con una voz que parecía la antítesis del atractivo del Minimalismo. Sus gestos primarios y rudos transmitían energía, fuerza y ansiedad a la vez. Había una fuerza estoica en ellos y, sin embargo, surgía una emoción profunda que encarnaba el poder y la libertad de la abstracción pura.
La obra definitoria de Motherwell llegó en 1971 y se llamó Elegía a la República Española No. 110. La furiosa energía de esta pintura envuelve al espectador y parece estallar fuera del lienzo. Tiene una vitalidad impactante, una agresión que transfiere emoción e ira al espacio. En un momento en que muchos pintores consideraban que la abstracción había cumplido su ciclo, Motherwell inyectó una poderosa nueva fuerza vital al estilo. Su visión fresca y voz segura ayudaron a que la abstracción perdurara y continúan inspirando y fortaleciendo a los artistas abstractos hasta hoy.
Robert Motherwell - Elegía a la República Española No. 110, 1971. Acrílico con grafito y carbón sobre lienzo. 82 x 114 pulgadas. Museo Solomon R. Guggenheim. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenciado por VAGA en Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Cambiando Nuestra Percepción del Futuro
Los artistas abstractos contemporáneos de hoy deben una deuda a cada uno de estos artistas, tanto por las formas en que buscaron la libertad en sus modos de expresión como por las formas en que ayudaron a los espectadores a abrir sus mentes a nuevas maneras de ver. La abstracción sigue abriéndonos nuevas puertas mientras tratamos de comprender las infinitas complejidades que nos presenta nuestra sociedad en evolución. Al basarse en los ejemplos de los grandes artistas abstractos del pasado, los artistas abstractos de hoy y del mañana pueden, con suerte, ayudarnos a traducir nuestras ansiedades y temores contemporáneos y ayudarnos a ver más allá de las limitaciones de nuestros propios ojos.
Imagen destacada: Wassily Kandinsky - Composición VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París / Erich Lessing / Art Resource, NY
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
