Los artistas de hoy inspirados en el estilo de pintura de campo de color de Rothko

El silencio es tan preciso.
Mark Rothko

Al buscar a los herederos actuales del icónico estilo de pintura de campo de color de Mark Rothko, no podemos limitarnos a buscar obras que se parezcan a las suyas. También debemos buscar obras basadas en ideas similares. Una cosa es que los artistas contemporáneos del campo de color imiten el estilo visual de Rothko. Otra muy distinta es que compartan y comuniquen con éxito sus intenciones. Pero ¿cómo sabemos cuáles eran las intenciones de Rothko? Es sencillo. Él nos lo dijo.

En 1971, la ciudad de Houston, Texas, recibió una obra de arte única: la Capilla Rothko, una estructura modernista octogonal que contiene 14 pinturas de gran formato de Rothko. En la entrada, se ponen a disposición de los visitantes textos sagrados de varias religiones del mundo. Pueden llevar un libro al interior o no. Rothko consideraba que el edificio y el arte que contenía constituían una sola obra. La capilla es su logro definitorio. Aclara la intención de Rothko de que sus pinturas no se contemplaran como fines en sí mismas, sino como medios a través de los cuales los espectadores pudieran acceder a una experiencia más amplia mediante el color.

En otras palabras, Rothko quería que los espectadores hicieran algo más que admirar la disposición de los colores: quería que el encuentro con esos colores abriera un espacio para el sentimiento, la contemplación y una conciencia más profunda de su propia experiencia interior. Como él mismo dijo: «Si solo te conmueven las relaciones entre los colores, no estás comprendiendo lo esencial».

Los diez artistas mencionados a continuación continúan desarrollando esa intención. Cinco de ellos trabajan con IdeelArt, y conocemos su práctica desde el estudio. Los otros cinco trabajan fuera de nuestro catálogo. Ninguno imita a Rothko. Cada uno, en un medio diferente, trata el color o la luz como un pasaje, no como un destino.

Cinco artistas de IdeelArt que comparten la intención de Rothko

Paul Snell

El artista australiano Paul Snell, que vive y trabaja en Launceston, Tasmania, parte de una fotografía de un lugar o un objeto y luego elimina digitalmente todo lo reconocible hasta que solo quedan bandas de color, ritmo y luz. Las obras terminadas son impresiones cromogénicas sobre papel metálico, montadas sobre Plexiglas, y brillan como superficies pintadas. Snell expresa su objetivo con claridad: sumergir al espectador en el color, el ritmo y el espacio, «creando una experiencia sensorial de contemplación interior y trascendencia». De todos los artistas con los que trabajamos, sus palabras son las que más se acercan a las del propio Rothko.

Descubre la obra de Paul Snell

Anne Katrine Senstad

La artista noruega Anne Katrine Senstad, que vive y trabaja entre Nueva York y Oslo, trabaja con fotografía, vídeo, neón e instalaciones inmersivas. Su serie Color Kinesthesia, presentada en Freight + Volume de Nueva York en 2020, fue concebida en diálogo con las pinturas de campos de color de Rothko. El título alude a la respuesta del cuerpo a las transiciones de color, que captura fotografiando negativos de película en color. Senstad describe su obra como una respuesta perceptiva y cognitiva a la luz, el sonido y el color, más que espiritual. Esa distinción la convierte en una fascinante heredera: alcanza el espacio abierto e interior de Rothko a través de la percepción, no de la creencia. También ha expuesto junto a James Turrell en la exposición de arte lumínico Through The Spectrum, en la Athr Gallery de Yeda.

Senstad también apareció en la serie de televisión Immersive World, en un episodio dedicado a la escultura lumínica que presentó su práctica junto a las de Anthony McCall y Dan Flavin. Este contexto amplía la idea central del artículo: el color no tiene por qué permanecer sobre una superficie pintada para convertirse en una experiencia inmersiva.

Descubre la obra de Anne Katrine Senstad

Yari Ostovany

El pintor estadounidense de origen iraní Yari Ostovany, que vive y trabaja en San Francisco, construye campos de color ricamente estratificados mediante un largo proceso de añadir, lavar, raspar y disolver el pigmento. Cada pintura comienza con lo que él denomina una explosión gestual: marcas caligráficas que luego frota y diluye hasta que se fusionan con las capas subyacentes. Su práctica hunde sus raíces en el expresionismo abstracto y la pintura de campos de color, así como en varias tradiciones místicas de Oriente y Occidente. Títulos como Numinous, Missa in Angustiis (Misa para tiempos difíciles) o Conference of the Birds hacen explícita la intención. Son pinturas en las que se debe entrar, no limitarse a mirar.

Descubre la obra de Yari Ostovany

Arvid Boecker

El pintor alemán Arvid Boecker trabaja en Heidelberg. Comienza cada pintura con una composición dibujada a lápiz y luego construye la superficie en lentas capas de color que elimina parcialmente con rasquetas de serigrafía, dejando visibles las huellas de esa erosión. Él llama al resultado una «arqueología del color». Al igual que los rectángulos velados de Rothko, los estratos de Boecker recompensan la contemplación pausada. Cuanto más tiempo se permanece ante una superficie, más lejos viaja la mirada hacia dentro, a través del color y la luz, hacia una serena conciencia del paso del tiempo. Lee nuestra conversación con él en Serio y no tan serio: Arvid Boecker en 14 preguntas.

Descubre la obra de Arvid Boecker

Kim Uchiyama

La pintora neoyorquina Kim Uchiyama utiliza el color para construir luz y forma, y para abrir el potencial metafísico del espacio pictórico. Estudió con el pintor Nicolas Carone, quien a su vez fue alumno de Hans Hofmann, y comparte con ellos el énfasis en el color como arquitectura de una pintura. Antes de comenzar una obra, espera a «ver» un primer color sobre la superficie en blanco y luego construye una cuadrícula de formas de color, algunas opacas y otras translúcidas. A menudo inspirada por la luz de un lugar específico, utiliza el color para transmitir su esencia emotiva, más que su apariencia. Esa transferencia, de lo que se ve a lo que se siente, es exactamente la que buscaba Rothko.

Descubre la obra de Kim Uchiyama

Cinco artistas fuera de nuestro catálogo

Sean Scully

Nacido en Dublín en 1945, Sean Scully es uno de los pintores abstractos más influyentes que trabajan hoy y el que más se compara con Rothko. La comparación está justificada: en 1999, un año después de comenzar su serie Wall of Light, escribió un ensayo titulado Rothko: Bodies of Light. Scully ha descrito su tarea como reconectar la abstracción con el mundo real, para que las personas puedan experimentar una sensación directa frente a una pintura abstracta. También marca su diferencia: a diferencia de Rothko, ha dicho, él no es pasivo. Sus ladrillos de color apilados están construidos, equilibrados y son físicos. En 2026, su exposición To Feel abrió en Thaddaeus Ropac, en Salzburgo, y su serie completa Stack se presentó en Château La Coste, en Provenza.

Sean Scully - Wall of Light Peru - 2000 - Colección permanente del North Carolina Museum of Art

James Turrell

James Turrell, nacido en Los Ángeles en 1943, lleva seis décadas trabajando con la luz misma. Sus Skyspaces, cámaras abiertas al cielo a través de una abertura en el techo, y sus inmersivas salas de luz convierten el color en algo en cuyo interior uno se encuentra. Su declaración central parece un comentario sobre Rothko: «Mi obra trata sobre tu manera de ver». Criado en una familia cuáquera, asistía a reuniones silenciosas en las que los fieles se sentaban juntos esperando la luz interior. En junio de 2026, su Skyspace más grande en un museo, As Seen Below, abrió sus puertas en el ARoS Aarhus Art Museum de Dinamarca. Es su Skyspace número 100.

James Turrell - Skeet - 1989 - Fondation Cartier pour l'Art Contemporain

Mary Corse

Mary Corse, nacida en Berkeley en 1945, es una de las pocas mujeres fundamentales del movimiento Light and Space de California. En 1968 descubrió las microesferas de vidrio, las cuentas utilizadas en las marcas viales, y comenzó a mezclarlas con su pintura. Sus pinturas White Light cambian a medida que el espectador se mueve, porque la luz está en la pintura en lugar de estar representada sobre ella. «El arte no está en la pared, está en la percepción del espectador», ha dicho. Al igual que Rothko, sitúa la obra en el encuentro. Su primera retrospectiva museística se inauguró en el Whitney Museum of American Art en 2018 y viajó al LACMA en 2019.

Mary Corse en Pace Gallery - 2025

Olafur Eliasson

Nacido en Copenhague en 1967 y criado entre Dinamarca e Islandia, Olafur Eliasson trabaja en un amplio estudio de Berlín. Sus espacios de luz coloreada, niebla y reflejos se construyen en torno a una idea que él denomina «verse sintiendo»: vivir una experiencia siendo consciente de que se está viviendo. Eliasson reconoce que la frase debe mucho al artista de Light and Space Robert Irwin, quien hablaba de percibirse percibiendo. Rothko pedía a los espectadores una conciencia intensificada de su propia experiencia interior; Eliasson convirtió esa conciencia en su tema. A menudo coloca la palabra «your» en sus títulos, como un gesto de confianza hacia su público.

Olafur Eliasson - De la exposición Reality Machines en Tanya Bonakdar Gallery - 2016

Rachel Garrard

La artista británica Rachel Garrard, nacida en Devon en 1984 y residente entre Nueva York y México, muele sus propios pigmentos a partir de rocas y minerales recogidos durante sus viajes, entre ellos cuarzo cristalino y ceniza. Describe su práctica como un viaje entre la investigación científica y la práctica esotérica, y sus composiciones están inspiradas en la meditación. Sus pinturas no contienen imágenes ni un significado fijo. Buscan una experiencia más allá del lenguaje, un vínculo entre el mundo exterior y el interior. En su generación, se encuentra entre los artistas más cercanos a la convicción de Rothko de que una pintura es un umbral y no un objeto.

Más allá de la superficie

Las últimas pinturas de Rothko exigen tiempo y silencio. Lo mismo ocurre con estos diez conjuntos de obras, ya estén realizados con óleo, acuarela, pigmento de roca, negativos de película, cuentas de vidrio o incluso el propio cielo. Lo que los conecta no es un rectángulo ni una paleta, sino una convicción compartida: que el color, cuando se le presta suficiente atención, puede devolvernos a nosotros mismos.

Explora más abstracción contemplativa en nuestras obras minimalistas o lee nuestra guía definitiva de Mark Rothko.

Francis Berthomier

Imagen destacada: Yari Ostovany - The Third Script 45, 2023 (detalle)Todas las imágenes se utilizan únicamente con fines ilustrativos