Mark Rothko: El Maestro del Color en Busca del Drama Humano

Un protagonista clave del Expresionismo Abstracto y de la pintura de campos de color, Mark Rothko (1903 – 1970) fue uno de los pintores más influyentes del siglo XX cuyas obras hablaban profundamente, y aún lo hacen, sobre la condición humana. Reconocido como un maestro del color, las pinturas de Rothko estaban lejos de ser meras exploraciones de elementos pictóricos puros. A pesar de numerosas interpretaciones basadas en las cualidades formales de su trabajo, el artista emprendió un viaje para cautivar al espectador, investigar la emoción e instigar una experiencia dentro de un lienzo a través de pigmentos ricos, campos de color y las relaciones que los matices establecen, evocando una conexión profundamente humana con la obra de arte que a menudo escapa a la razón y dificulta la explicación.

Predominantemente un autodidacta y un inadaptado en cierto sentido, Mark Rothko fue un hombre y un artista de una mente compleja, oponiéndose a las etiquetas, confrontando el epíteto de "colorista" en particular, y un pintor en constante búsqueda de retratar la precariedad del drama humano. A lo largo de su carrera, el pintor nunca adoptó una mentalidad de grupo, creando un cuerpo de trabajo único que siguió su propia trayectoria, informado por la tragedia de la condición humana. Desde sus primeras obras figurativas y los revolucionarios multiformes hasta la icónica Capilla Rothko y la serie de Negro y Gris, la obra de Rothko a menudo se interpreta a través de una lógica evolutiva, manifestando una trayectoria que refleja su vida.

Rastreando la obra del artista, la innovadora exposición en curso Mark Rothko en la Fundación Louis Vuitton en París reexamina cronológicamente el papel del color, demostrando que su purga fue una decepción. Imbuídas de tonos ciruela y burdeos, las oscuras telas del pintor desencantan la ilusión, como también lo demuestra una serie de obras de finales de la década de 1960. "No me interesa el color. Lo que busco es la luz," comentó Rothko una vez, tejiendo un hilo común entre todas sus pinturas, revelando la verdadera función de los matices.

De Rotkovich a Rothko

Sinónimo de la pintura de campo de color y entre los pioneros del arte abstracto, Mark Rothko nació el 25 de septiembre de 1903, en una familia de judíos liberales como Marcus Yakovlevich Rotkovich, adoptando el famoso nombre anglicanizado mucho más tarde. A una edad temprana, el artista se vio obligado a huir de su Dvinsk natal (actual Daugavpils, Letonia) y emigró con su familia del Imperio Ruso a los Estados Unidos en 1913. Aunque asistió a una escuela de base religiosa en su país natal antes de completar la Lincoln High School en Portland, Oregón, Rothko nunca fue particularmente religioso, ni la fe influyó en gran medida en su obra.

A principios de la década de 1920, el pintor se inscribió en Yale con una beca, que terminó después del primer año, lo que lo llevó a abandonar sus estudios y mudarse a Nueva York en 1923, donde se unió a la Art Students League y comenzó a tomar clases impartidas por el artista cubista Max Weber. En ese momento, Nueva York era uno de los refugios seguros para artistas europeos y un floreciente centro creativo, que reunía a expresionistas alemanes, modernistas franceses y surrealistas, cuyas obras influyeron enormemente en el joven Rothko, quien quedó particularmente impresionado por Paul Klee y Georges Rouault.

En la década de 1930, el pintor conoció a otros artistas como Adolph Gottlieb, Barnett Newman, y John Graham, acercándolo al pintor Milton Avery, quien resultó ser fundamental en la decisión de Rothko de seguir una carrera artística. Aunque al principio estuvo bajo la influencia de Avery, Rothko comenzó a distanciarse lentamente del estilo de los demás, lo que se hizo evidente en su primera exposición individual en la Costa Este en la Contemporary Arts Gallery de Nueva York en 1933. Solo dos años después, el pintor formó The Ten, un grupo independiente de artistas que incluía a Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Yankel Kufeld, Louis Schanker, Joseph Solman y Nahum Tschacbasov, transformándose de Marcus Rotkovich en Mark Rothko.

Mark Rothko - Negro sobre marrón, 1958. Óleo sobre lienzo. 266.7 x 365.7 cm. Tate, Londres. Presentado por el artista a través de la Fundación Americana de Artes, 1969. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, París, 2023

Independientemente de la época o los elementos estilísticos, Mark Rothko parece haber estado liberando gradualmente un interés en representar la tragedia de la existencia humana epitomizada por el color. Su primera exposición individual en Nueva York presentó principalmente retratos y escenas urbanas, anunciando una lógica pictórica guiada por campos y matices de color. El período de transición del artista (1940-1950) aún se apoyaba en la figuración, pero durante este tiempo, Rothko comenzó a incorporar referencias mitológicas y elementos surrealistas, influenciado tanto por compañeros artistas como por los pioneros de la psicología moderna, Sigmund Freud y Carl Jung. Las pinturas de Rothko, como El presagio del águila (1942), formaban parte de la intención de crear un "mito contemporáneo", funcionando como un precursor del Expresionismo Abstracto.

Despojado de cualquier elemento o referencia figurativa, Rothko comenzó a pintar sus famosos Multiformes en 1946. La composición de las obras abstractas se redujo por completo a campos rectangulares superpuestos de color, explorando las sensaciones emocionales, psicológicas y visuales que la filtración de diferentes matices y tonos podía inducir. "Una pintura no es una imagen de una experiencia. Es una Experiencia", resumió Rothko, elucidando la importancia de la escala y el abandono del marco como críticos, así como los matices, tonos y la vibrancia del color en su misión de construir una experiencia multisensorial en lugar de solo una pintura.

Mark Rothko - No. 14, 1960. Óleo sobre lienzo. 290.83 cm x 268.29 cm. Museo de Arte Moderno de San Francisco - compra del Fondo Helen Crocker Russell. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, París, 2023

Una experiencia inmersiva e íntima

La intención de Rothko de sumergir al espectador en sus obras se realizó en varios encargos y proyectos, incluidos los famosos Murales Seagram (1956-1958), creados en armonía con la arquitectura. Aunque concebidos para el Edificio Seagram de Mies van der Rohe, los nueve lienzos encontraron su hogar en la Tate, que comprende la espectacular Sala Rothko. En los Murales Seagram, la paleta de Rothko se oscureció; los campos de color marrón, burdeos, granate y rojo se filtraron entre sí, y su composición cambió a pizarra horizontal y vertical insinuando formas arquitectónicas, puertas y ventanas desdibujándose en el fondo. La primera convergencia de Rothko con la arquitectura fue un encargo para la Colección Philips en Washington D.C., seguido por los Murales de Harvard, y culminando con la Capilla Rothko en Houston, Texas. Antes de su suicidio en 1970, Mark Rothko estaba trabajando en la serie Negro y Gris, sugiriendo un vínculo con el Minimalismo según algunas de las interpretaciones recientes.

Durante un período crítico en su práctica pictórica, Rothko se dedicó a escribir un libro para elucidar su visión pictórica. Publicado póstumamente en 2004, La realidad del artista ofrece un valioso vistazo a la mente y el alma de uno de los artistas más prominentes del siglo XX cuyas pinturas continúan encantando a través de sus misterios. Aunque leer a Rothko proporciona la clave para desbloquear los secretos de sus pinturas, nunca puede reemplazar el reflejo íntimo, emocional e inexplicable que sentimos al encontrarnos con una, si nos atrevemos a seguir la invitación de Rothko: “Para nosotros, el arte es una aventura en un mundo desconocido, que solo puede ser explorado por aquellos dispuestos a asumir los riesgos.”

Imagen destacada: Rothko en la Fundación Louis Vuitton, © Ideelart