Claridad de Tono y Forma en las Pinturas de Barnett Newman

Las icónicas pinturas con franjas de Barnett Newman, que presentan delgadas y luminosas bandas verticales rodeadas por campos inmersivos de color, son consideradas algunas de las obras más emotivas y poderosas del siglo XX. Pero Newman no fue apreciado en su tiempo. Tenía más de cuarenta años cuando llegó a su estilo maduro, y cuando exhibió por primera vez sus pinturas con franjas, tanto críticos como coleccionistas las despreciaron universalmente. No obstante, Newman permaneció enfocado en lo que quería comunicar con su arte. Su largo y difícil camino hacia el éxito le otorgó una perspectiva única y la oportunidad de deducir por sí mismo el significado y propósito de la vida y el arte. Para cuando la historia alcanzó a Newman, su perspectiva única había dado lugar a una obra artística que comunica con perfecta claridad lo universal, lo individual y lo sublime.

Barnett Newman el Escritor

Barnett Newman nació con una pasión por comunicarse, tanto a través de palabras como de imágenes. De niño, creciendo en el Bronx, ganó una vez un concurso de oratoria en la escuela. Cuando estaba en el último año de secundaria, tomaba clases casi todos los días de la semana en la Art Students League. En la universidad puso sus pasiones en práctica, estudiando arte, especializándose en filosofía y contribuyendo con artículos a publicaciones escolares. Pero a pesar de su inmenso talento y empeño, después de la universidad Newman se encontró sin una dirección clara sobre cómo emplear sus pasiones en una carrera.

Tras graduarse con un título en filosofía en 1927, Newman comenzó a trabajar en el negocio familiar, tratando de ahorrar dinero antes de vivir la vida de un artista. Pero cuando el mercado bursátil colapsó dos años después, casi todas las perspectivas para él y su familia se destruyeron. Frente a duras realidades, Newman se propuso sobrevivir como pudiera. Probó con la enseñanza sustituta y escribió para varias publicaciones sobre temas como política e historia del arte. Mientras luchaba y buscaba, continuó pintando y estableció conexiones con otras almas afines que también luchaban por encontrar su camino. Esas conexiones incluyeron a su esposa Annalee, a los pintores Mark Rothko y Adolph Gottlieb, y a la galerista Betty Parsons.

 

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museo Ludwig, Colonia, Alemania. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

 

Barnett Newman el Filósofo

Durante las décadas de 1930 y principios de 1940, Newman estaba constantemente insatisfecho con sus propios esfuerzos como pintor. Tenía el corazón de un poeta y filósofo y buscaba una manera de comunicar su naturaleza interior a través de su arte. Encontró consuelo escribiendo sobre arte, ya que redactaba ensayos para catálogos de exposiciones de varios otros artistas, gracias a su relación con Betty Parsons. Esos escritos, junto con sus variadas experiencias de vida y luchas personales, lo llevaron gradualmente a desarrollar una profunda teoría sobre la naturaleza de la humanidad y el propósito del arte.

Expresó esa filosofía en dos ensayos que escribió en 1947 y 1948, respectivamente. El primer ensayo se tituló The First Man Was an Artist. En él, Newman argumentaba que el instinto poético o artístico siempre ha precedido al instinto utilitario en los humanos, desde el principio de los tiempos. Sostenía que las esculturas de barro de dioses precedieron a la alfarería, y que los gruñidos y gritos poéticos expresivos de las emociones más primarias precedieron a las llamadas expresiones civilizadas. “La alfarería es producto de la civilización,” escribió Newman. “El acto artístico es el derecho personal del hombre.”

 

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Óleo sobre lienzo. Medidas totales: 170.2 x 124.5 cm (67 x 49 pulg.). Donación de Annalee Newman, en honor al 50º aniversario de la National Gallery of Art. 1988.57.2. Colección de la National Gallery of Art. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

 

Barnett Newman el Pintor

El segundo ensayo importante que escribió Newman se tituló The Sublime Is Now. En este texto criticaba a todos los artistas anteriores por simplemente perseguir la belleza. Incluso los artistas modernistas, argumentaba, solo reinterpretaban lo que era bello, creando una “transferencia de valores en lugar de crear una nueva visión.” Afirmaba que él y sus contemporáneos buscaban algo completamente nuevo, “negando por completo que el arte tenga alguna relación con el problema de la belleza y dónde encontrarla.” Sostenía que la obra que él y ellos estaban haciendo no tenía conexión con nada histórico, nostálgico o mítico, sino que era “evidente por sí misma” y hecha “a partir de nuestros propios sentimientos.”

El resultado de toda esta reflexión filosófica se manifestó artísticamente para Newman en 1948, cuando creó su obra maestra icónica Onement, la primera de sus zip paintings. El título de la obra es un juego de palabras. Se refiere a la palabra atonement (expiación), que puede significar reparar algo pero también es una referencia cristiana a la unión de la humanidad y la divinidad representada por la figura de Cristo. Pero al omitir las dos primeras letras de la palabra, Newman también hacía referencia a la totalidad del individuo, el uno, y a su idea general de que la totalidad de toda comprensión sublime puede estar contenida en una sola persona, o en una sola pintura.

 

Barnett Newman - Onement I, 1948. Óleo sobre lienzo y óleo sobre cinta adhesiva en lienzo. 27 1/4 x 16 1/4" (69.2 x 41.2 cm). Donación de Annalee Newman. 390.1992. Colección MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

 

Una Expresión Singular de Propósito

Después de pintar Onement, Barnett Newman destruyó todas sus obras anteriores. Había logrado la voz estética que había estado buscando, y desde ese momento en adelante continuó destruyendo cualquier obra que no encajara con su visión específica. Irónicamente, no fue la única persona que sintió la necesidad de destruir su obra. Aprendió esa desafortunada lección en 1950 cuando comenzó a ser representado por su amiga Betty Parsons. Durante los dos años siguientes realizó dos exposiciones individuales en su galería. En ambas muestras sus pinturas fueron cortadas, y en las críticas los críticos ridiculizaron universalmente la obra.

Conmovido por el odio que experimentó, Newman retiró su obra de Betty Parsons y dejó de exhibir sus trabajos durante los siguientes cuatro años. Incluso recompró una de sus pinturas que se había vendido, escribiendo al coleccionista: “Las condiciones aún no existen... que puedan hacer posible una actitud directa e inocente hacia una pieza aislada de mi obra.” Pero continuó pintando sus pinturas con franjas, creyendo inherentemente que comunicaban la pureza y grandeza del espíritu sublime e individual. Sin embargo, cuando finalmente decidió exhibir su obra nuevamente, esta siguió siendo ridiculizada, con un crítico de una exposición de 1957 de la pintura Vir Heroicus Sublimis llegando a maldecir la obra y a destacar solo su tamaño y el hecho de que es roja.

 

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Óleo sobre lienzo. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242.2 x 541.7 cm). Donación del Sr. y la Sra. Ben Heller. 240.1969. Colección MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

 

La Próxima Generación

A pesar del malentendido público sobre sus esfuerzos, Newman persistió, consolidando su expresión al simplificarla. Sus obras más exitosas consistían solo en dos elementos: tono y forma. Las franjas en sí no eran tanto formas como figuras. Pero las pinturas eran formas en su totalidad. Las franjas eran realmente solo expresiones de cualidades tonales, un cambio de color que las diferenciaba de sus campos de color circundantes color field. Y también expresaba el tono en un sentido musical, como una expresión clara, precisa y prolongada de una voz. A través de su clara expresión de tono y forma, Newman definió su firme creencia en el valor del empoderamiento, la idiosincrasia y la esencia universal del individuo.

A pesar de su sinceridad y pasión, durante la década de 1950 solo un crítico apoyó a Barnett Newman, y ese fue Clement Greenberg. Aunque su apoyo hizo poco para convencer al mundo del arte del valor de la obra, reflejaba la creciente comprensión que la generación joven tenía sobre lo que representaba Barnett Newman. Para los jóvenes pintores, en lugar de atarlos al pasado, Newman los había liberado para abrazar su individualidad única. Había demostrado que los espectadores podían acercarse a cualquiera de sus pinturas y encontrarlas de la misma manera en que encontrarían a otro ser humano: simplemente una entidad esencial encontrándose con otra. Demostró que las pinturas no necesitaban relacionarse entre sí, ni con la historia. Mostró que cada obra de arte era un universo en sí misma.

 

Barnett Newman - The Third, 1964. Óleo sobre lienzo. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

 

Una Influencia Tardía Pero Duradera

Aunque tomó hasta que Newman tenía sesenta años para que una nueva generación pudiera conectar con sus ideas, finalmente ganó el respeto y reconocimiento que merecía. Hoy la influencia de Barnett Newman puede verse en numerosos artistas abstractos contemporáneos que han creado visiones estéticas idiosincráticas basadas en el tono y la forma. Por ejemplo, considere a Tom McGlynn, quien ha creado una visión sublime e idiosincrática basada en el tono y la forma; o la obra de Richard Caldicott, que explora la repetición en serie y las estructuras en la creación de espacios estéticos singularmente únicos.

A pesar del malentendido inicial hacia su obra, Barnett Newman ahora se incluye rutinariamente entre los mejores expresionistas abstractos, artistas de campo de color e incluso minimalistas. Pero él se consideraba no afiliado a ninguno de esos grupos. Se consideraba más bien un movimiento por sí mismo. No obstante, aunque no era como los expresionistas abstractos en estilo, fue un estandarte del valor de la expresión personal. Aunque no era un artista de campo de color, demostró la capacidad de las cualidades tonales por sí solas para crear formas estéticas meditativas y contemplativas. Y aunque no era minimalista, expresó de manera premonitoria el valor de simplificar y reducir el lenguaje visual.

 

Barnett Newman - Black Fire I, 1963. Óleo sobre lienzo. 114 x 84 pulg. (289.5 x 213.3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

 

Imagen destacada: Barnett Newman - Onement I (detalle), 1948. Óleo sobre lienzo y óleo sobre cinta adhesiva en lienzo. 27 1/4 x 16 1/4" (69.2 x 41.2 cm). Donación de Annalee Newman. 390.1992. Colección MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio