Claridad de Tono y Forma en las Pinturas de Barnett Newman

Las icónicas pinturas de cremallera de Barnett Newman, que presentan delgadas y luminosas bandas verticales rodeadas de campos inmersivos de color, son consideradas algunas de las obras más emotivas y poderosas del siglo XX. Pero Newman no fue apreciado en su tiempo. Estuvo en sus cuarenta años antes de llegar a su estilo maduro, y cuando exhibió por primera vez sus pinturas de cremallera, tanto críticos como coleccionistas las despreciaron universalmente. No obstante, Newman se mantuvo singularmente enfocado en lo que quería comunicar con su arte. Su largo y difícil camino hacia el éxito le otorgó una perspectiva única y una oportunidad para conjeturar por sí mismo el significado y propósito de la vida y el arte. Para cuando la historia alcanzó a Newman, su perspectiva única había dado lugar a una obra artística que comunica con perfecta claridad lo universal, lo individual y lo sublime.

Barnett Newman el Escritor

Barnett Newman nació con una pasión por comunicar, tanto a través de palabras como de imágenes. De niño, mientras crecía en el Bronx, ganó una vez un concurso de oratoria en la escuela. Para cuando llegó a ser un estudiante de último año de secundaria, tomaba clases casi todos los días de la semana en la Art Students League. En la universidad, puso en práctica sus pasiones, estudiando arte, especializándose en filosofía y contribuyendo con artículos a las publicaciones escolares. Pero a pesar de su inmenso talento y motivación, después de la universidad, Newman se encontró sin una dirección clara sobre cómo poner en práctica sus pasiones en una carrera.

Después de graduarse con un título en filosofía en 1927, Newman comenzó a trabajar en el negocio familiar, tratando de ahorrar dinero antes de ir a vivir la vida de un artista. Pero cuando la bolsa de valores se desplomó dos años después, casi todas las perspectivas para él y su familia fueron destruidas. Enfrentado a duras realidades, Newman se propuso en serio sobrevivir de cualquier manera que pudiera. Intentó dar clases sustitutas y escribió para varias publicaciones sobre temas como política e historia del arte. Mientras luchaba y buscaba, continuó pintando y estableció conexiones con otras almas afines que también luchaban por encontrar su camino. Esas conexiones incluyeron a su esposa Annalee, los pintores Mark Rothko y Adolph Gottlieb, y la dueña de la galería Betty Parsons.

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museo Ludwig, Colonia, Alemania. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Barnett Newman el Filósofo

A lo largo de la década de 1930 y principios de 1940, Newman estaba constantemente insatisfecho con sus propios esfuerzos como pintor. Tenía el corazón de un poeta y filósofo y buscaba una manera de comunicar su naturaleza interior a través de su arte. Encontró consuelo escribiendo sobre arte, ya que redactó ensayos para catálogos de exposiciones de varios otros artistas, gracias a su asociación con Betty Parsons. Esos escritos, junto con sus variadas experiencias de vida y luchas personales, lo llevaron gradualmente a desarrollar una profunda teoría sobre la naturaleza de la humanidad y el propósito del arte.

Él expuso esa filosofía en dos ensayos que escribió en 1947 y 1948, respectivamente. El primer ensayo se tituló El primer hombre fue un artista. En él, Newman argumentó que el instinto poético, o artístico, siempre ha precedido al instinto utilitario en los humanos, desde el principio de los tiempos. Argumentó que las esculturas de barro de dioses habían precedido a la alfarería, y que los gruñidos y gritos poéticos, expresivos de las emociones más primarias, habían precedido a las llamadas expresiones civilizadas. “La alfarería es el producto de la civilización”, escribió Newman. “El acto artístico es el derecho de nacimiento personal del hombre.”

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Óleo sobre lienzo. Dimensiones: 170.2 x 124.5 cm (67 x 49 in.). Donación de Annalee Newman, en honor al 50 aniversario de la Galería Nacional de Arte. 1988.57.2. Colección de la Galería Nacional de Arte. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Barnett Newman el Pintor

El segundo ensayo importante que Newman escribió se tituló The Sublime Is Now. En esta pieza, reprendió a todos los artistas del pasado por simplemente perseguir la belleza. Incluso los artistas modernistas, argumentó, solo estaban reinterpretando lo que era bello, creando un “traslado de valores en lugar de crear una nueva visión.” Afirmó que él y sus contemporáneos estaban tras algo completamente nuevo, “negando completamente que el arte tenga alguna preocupación con el problema de la belleza y dónde encontrarla.” Afirmó que el trabajo que él y ellos estaban haciendo no tenía conexión con nada histórico, nostálgico o mítico, sino que era “evidente por sí mismo” y hecho “a partir de nuestros propios sentimientos.”

El resultado de toda esta filosofía se manifestó artísticamente para Newman en 1948, cuando creó su icónica obra maestra Onement, la primera de sus pinturas zip. El título de la pieza es un juego de palabras. Se refiere a la palabra expiación, que podría significar reparar algo, pero también es una referencia cristiana a la fusión de la humanidad y la divinidad representada por la figura de Cristo. Pero al omitir las dos primeras letras de la palabra, Newman también estaba haciendo una referencia a la totalidad del individuo, el uno, y su idea general de que la totalidad de toda comprensión sublime puede estar contenida dentro de una sola persona, o para el caso, una sola pintura.

Barnett Newman - Onement I, 1948. Óleo sobre lienzo y óleo sobre cinta adhesiva en lienzo. 27 1/4 x 16 1/4" (69.2 x 41.2 cm). Regalo de Annalee Newman. 390.1992. Colección del MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Una Expresión Singular de Propósito

Después de pintar Onement, Barnett Newman destruyó todas sus obras anteriores. Había logrado la voz estética que había estado buscando, y a partir de ese momento continuó destruyendo cualquier obra que no se ajustara a su visión específica. Irónicamente, no fue la única persona que sintió la necesidad de destruir su trabajo. Aprendió esa lección desafortunada en 1950 cuando comenzó a ser representado por su amiga Betty Parsons. A lo largo de los siguientes dos años, realizó dos exposiciones individuales en su galería. En ambas muestras, sus pinturas fueron desgarradas, y en sus reseñas, los críticos denigraron universalmente la obra.

Conmovido por el odio que experimentó, Newman retiró su obra de Betty Parsons y dejó de exhibir sus trabajos durante los siguientes cuatro años. Incluso compró de vuelta una de sus pinturas que se había vendido, escribiendo al coleccionista: “Las condiciones aún no existen . . . que puedan hacer posible una actitud directa e inocente hacia una pieza aislada de mi trabajo.” Pero continuó pintando sus pinturas de zip, creyendo inherentemente que comunicaban la pureza y grandeza del espíritu sublime e individual. Sin embargo, cuando finalmente decidió exhibir su trabajo nuevamente, todavía fue ridiculizado, con un crítico de una exposición de 1957 de la pintura Vir Heroicus Sublimis llegando incluso a maldecir sobre la obra y a llamar la atención solo sobre su tamaño y el hecho de que es roja.

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Óleo sobre lienzo. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242.2 x 541.7 cm). Donación del Sr. y la Sra. Ben Heller. 240.1969. Colección MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

La próxima generación

A pesar del malentendido público sobre sus esfuerzos, Newman persistió, solidificando su expresión al simplificarla. Sus obras más exitosas consistían solo en dos elementos: tono y forma. Los zips en sí mismos no eran tanto formas como eran figuras. Pero las pinturas eran formas en su totalidad. Los zips eran realmente solo expresiones de cualidades tonales, un cambio en el color que los diferenciaba de sus campos de color circundantes. Y también expresaba el tono en un sentido musical, como en una expresión clara, precisa y alargada de una voz. A través de su clara expresión de tono y forma, Newman definió su firme creencia en el valor del empoderamiento, la idiosincrasia y la esencia universal del individuo.

A pesar de su sinceridad y pasión, a lo largo de la década de 1950, solo un crítico apoyó a Barnett Newman, y ese fue Clement Greenberg. Aunque su apoyo hizo poco para convencer al establecimiento artístico del valor de la obra, reflejó la creciente comprensión que la generación más joven tenía sobre lo que representaba Barnett Newman. Para los jóvenes pintores, en lugar de atarlos al pasado, Newman los había liberado para abrazar su individualidad única. Había demostrado que los espectadores podían acercarse a cualquiera de sus pinturas y encontrarlas de la misma manera en que encontrarían a otro ser humano: solo una entidad esencial encontrándose con otra. Demostró que las pinturas no necesitaban relacionarse entre sí, y no necesitaban relacionarse con la historia. Mostró que cada obra de arte era un universo en sí misma.

Barnett Newman - El Tercero, 1964. Óleo sobre lienzo. © 2019 Fundación Barnett Newman / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

Una influencia retrasada pero duradera

A pesar de que pasó hasta que Newman estuvo en sus sesenta para que una nueva generación pudiera conectar con sus ideas, finalmente ganó el respeto y reconocimiento que merecía. Hoy en día, la influencia de Barnett Newman se puede ver en una serie de artistas abstractos contemporáneos que han creado visiones estéticas idiosincráticas basadas en el tono y la forma. Por ejemplo, considera a Tom McGlynn, quien ha creado una visión sublime e idiosincrática basada en el tono y la forma; o el trabajo de Richard Caldicott, que explora la repetición serial y las estructuras en la creación de espacios estéticos singularmente únicos.

A pesar del malentendido inicial hacia su trabajo, Barnett Newman ahora se incluye rutinariamente entre los mejores expresionistas abstractos, artistas de Color Field e incluso minimalistas. Pero él se consideraba no afiliado a ninguno de esos grupos. Se consideraba más como un movimiento propio. No obstante, aunque no era como los expresionistas abstractos en estilo, fue un estandarte del valor de la expresión personal. Aunque no era un artista de Color Field, demostró la capacidad de las cualidades tonales por sí solas para crear formas estéticas meditativas y contemplativas. Y aunque no era un minimalista, expresó prescientemente el valor de simplificar y reducir el lenguaje visual.

Barnett Newman - Fuego Negro I, 1963. Óleo sobre lienzo. 114 x 84 in. (289.5 x 213.3 cm.). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Imagen destacada: Barnett Newman - Onement I (detalle), 1948. Óleo sobre lienzo y óleo sobre cinta adhesiva en lienzo. 27 1/4 x 16 1/4" (69.2 x 41.2 cm). Regalo de Annalee Newman. 390.1992. Colección del MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio