¿Qué hemos aprendido de los pioneros del campo del color?
Cuando piensas en el Expresionismo Abstracto, ¿qué te viene a la mente? ¿Imaginas a pintores lanzando, goteando, salpicando y untando pintura sobre lienzos en gestos cargados de emoción? Si bien la Pintura de Acción fue una parte enorme del Ab-Ex, también había un lado más sutil en el movimiento. La pintura de Campo de Color, como se le llamaba, involucraba superficies planas y no pictóricas compuestas de espacio coloreado. En las pinturas de Campo de Color, la personalidad del artista es menos visible que en las Pinturas de Acción. Mientras que los Pintores de Acción transmitían sus propias maquinaciones subconscientes a través de su trabajo, los pintores de Campo de Color creaban obras que ofrecían a los espectadores un ámbito en el que experimentar sus propias revelaciones.
Abstracción Post-Pictórica
El término “pictórico” se refiere a cualidades que puede tener la superficie de una pintura, como el trazo y la textura, cualidades que hacen que la mano del artista sea obvia en la obra. Por ejemplo, una pintura que presenta capas de pintura aplicadas de manera gruesa en las que las pinceladas son claramente visibles y la técnica individual del pintor es obvia podría considerarse pictórica. La Abstracción Post-Pictórica fue un movimiento que surgió en la década de 1960 y que presentaba a pintores que evitaban hacer obras pictóricas.
La frase Abstracción Post-Pictórica fue acuñada por el crítico de arte Clement Greenberg, quien la utilizó como el título de una exposición que debutó en 1964 en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Esa exposición presentó a 31 artistas, muchos de los cuales estaban asociados con el Expresionismo Abstracto. Mientras que los anteriores pintores expresionistas abstractos como Jackson Pollock y Willem de Kooning crearon imágenes pictóricas en las que sus técnicas individuales eran claramente evidentes en las cualidades superficiales de las obras, los Abstraccionistas Post-Pictóricos hicieron obras abstractas con superficies planas donde la mano del artista no era obvia.
Robert Motherwell- Elegía a la República Española No. 110, 1971, Acrílico con grafito y carbón sobre lienzo, Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenciado por VAGA, Nueva York, NY
Artistas del campo de color
Entre los Abstraccionistas Post-Pictóricos había un grupo de pintores que llegó a ser conocido como los pintores del Color Field. Su nombre se refería a la tendencia que tenían estos artistas de incorporar grandes áreas de color en sus obras. Sus campos de color podían envolver por completo a un espectador al inspeccionar de cerca una obra de arte. No eran solo superficies pintadas; también eran áreas en las que podía ocurrir la introspección.
Los pintores del Color Field fueron revolucionarios porque, en lugar de usar la superficie como un fondo sobre el cual pintar un sujeto, hicieron que la superficie misma se convirtiera en el sujeto. Evitaron las formas en sus pinturas. No había imagen de nada presente. El fondo y el primer plano eran uno. Los campos de color no tenían un contexto propio, sino que eran un lugar en el que el espectador podía conectarse con algo personal, quizás algo mítico, y trascender las limitaciones de la imagen.
Frank Stella - Harran II, 1967, pintura de polímero y polímero fluorescente sobre lienzo, 120 × 240 in, Museo de Young, San Francisco, © 2019 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Una Arena Sobre Lienzo
El Expresionismo Abstracto considera el lienzo como una arena en la que puede ocurrir algo. El drama y la emoción ocurren en las obras de los Pintores de Acción. Mientras que los pintores de Campo de Color también utilizan el lienzo como una arena, en lugar de que su propio drama se desarrolle allí, es un lugar donde la introspección del espectador podría contribuir, o incluso crear por completo, el drama que emerge. Las pinturas de Campo de Color atraen al espectador hacia la obra, invitándolo a contemplar mucho más que solo la pintura, el color y la superficie. Se les invita a contemplarse a sí mismos, utilizando la arena de la pintura como una especie de talismán en ese viaje personal.
Se requiere una reflexión sostenida al observar una pintura de Color Field. En lugar de experimentar una carga inmediata de una pintura de acción, o sentir armonía de una obra abstracta geométrica, o percibir nostalgia, romance o alegría de una obra figurativa, los espectadores de las pinturas de Color Field deben mirar hacia adentro en busca de nuevas revelaciones. Pero la libertad también puede ser una carga. La angustia de los pintores de acción a menudo proviene de su total libertad para expresar su yo interior. Con las pinturas de Color Field, ese temido sentido de libertad se transmite al espectador.
Campos de Emoción No Objetiva
Aunque rechazó la etiqueta, Mark Rothko es considerado por muchas personas como el pintor de Color Field más influyente. Las icónicas pinturas de Rothko consisten en bandas horizontales de color, que se relacionan entre sí de una manera amorfa, fusionándose en sus bordes. Sus pinturas a veces consisten en tonos brillantes, como naranja, amarillo o rojo. Otras veces presentan azules, marrones y negro. Los espectadores que se enfrentan a estas pinturas a menudo se sienten abrumados por la emoción, que va desde la excitación y la alegría hasta la solemnidad e incluso la desesperación. Rothko dijo sobre su trabajo: “Las personas que lloran ante mis cuadros están teniendo la misma experiencia religiosa que yo tuve cuando los pinté.”
Mark Rothko - Naranja y Amarillo, 1956, Óleo sobre lienzo, 180.3 x 231.1 cm, Albright
Tirolinas
Barnett Newman hizo obras en una vena similar a las de Rothko, pero tenían un efecto muy diferente en los espectadores. Las pinturas de Color Field de Newman presentan franjas verticales de color separadas por bandas de color mucho más delgadas a veces referidas como "zips". Las pinturas de zips de Newman a veces presentan un solo zip, a veces varios. A veces los bordes de los zips son duros, otras veces se mezclan con los campos de color circundantes. La verticalidad de las imágenes de Newman y la presencia de los zips crean una respuesta emocional muy diferente a la de las obras de Rothko.
"Algo sobre los cierres evita que la vista se enfoque demasiado tiempo en un solo lugar. La línea vertical puede adquirir una cualidad antropomórfica, como si representara una figura o un carril. Atrae la vista hacia ella y luego la desvía de nuevo hacia los campos de color. Las obras de Newman transmiten un sentido de bravura y parecen un poco más ansiosas que las de Rothko por esta razón. Invitan a una contemplación nerviosa y altamente moderna."
Barnett Newman - Onement I, 1948, Óleo sobre lienzo y óleo sobre cinta adhesiva en lienzo, 27 1/4 x 16 1/4 in (69.2 x 41.2 cm), © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Unión y Revelación
Las pinturas del Color Field de Clyfford Still poseen una presencia completamente diferente a la de Rothko o Newman. Los espacios coloreados en ellas parecen estar en un estado de transformación o evolución. Tienen una calidad orgánica. Aunque no hay una forma específica presente, las áreas parecen cambiar e interactuar y sugieren la posibilidad de una forma futura. Donde hay una sensación de estabilidad en las imágenes que Rothko y Newman crearon, las pinturas de Still proyectan más una sensación de cambio. Fuerzas dispares se unen en ellas, sugiriendo que el tiempo para la introspección es limitado ya que todo está en flujo. Dijo Still sobre sus pinturas, “Estas no son pinturas en el sentido habitual; son vida y muerte fusionándose en una unión temerosa. En cuanto a mí, encienden un fuego; a través de ellas respiro de nuevo, sostengo un cordón dorado, encuentro mi propia revelación.”
Clyfford Still - PH-971, 1957, óleo sobre lienzo, 113 1/4 in. x 148 in. x 2 1/4 in, Colección SFMoMA, © Ciudad y Condado de Denver, Cortesía del Museo Clyfford Still / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York
Desbordamientos de Emoción
Helen Frankenthaler fue una de las pintoras más innovadoras del Color Field. Desarrolló una técnica innovadora de manchar sus lienzos sin imprimar, vertiendo pintura diluida directamente sobre la superficie. Al verter la pintura en lugar de esparcirla con una herramienta, evitó por completo cualquier sugerencia de la mano del artista y creó una planitud aún más plana. También permitió que la pintura se expandiera e interactuara con el lienzo de maneras inesperadas. Las áreas manchadas se permitieron sangrar entre sí, alterarse mutuamente y combinarse entre sí. El resultado de la técnica de manchas de Frankenthaler fueron imágenes que comunicaban una sensación de procesos naturales orgánicos profundamente profundos.
Helen Frankenthaler - Canyon, 1965, Acrílico sobre lienzo, 44 x 52 in, © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
El aspecto manchado
Morris Louis fue profundamente influenciado por la técnica de manchas de Frankenthaler, y la modificó para desarrollar su propio enfoque estético característico. Al igual que Frankenthaler, Louis también vertió pintura diluida sobre sus lienzos para lograr el aspecto manchado, pero lo hizo utilizando una técnica característica cuidadosamente protegida que supuestamente involucraba algo parecido a doblar el lienzo como un embudo. Los campos de color resultantes que creó Louis poseen una calidad extraña que atrae al espectador hacia un espacio de pensamiento místico e introspectivo.
Morris Louis - Salient, 1954, Resina acrílica (Magna) sobre lienzo, 74 1/2 x 99 1/4 in. (189.2 x 252.1 cm), © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Un Poco Más de Atmósfera
Basándose en las ideas de Frankenthaler y Louis, Jules Olitski desarrolló su propia técnica única para sus pinturas de Color Field. Aplicó pintura a sus lienzos con una pistola de pulverización, rociando ligeramente capas de pintura sobre cada uno para crear campos de color luminosos y atmosféricos que incluso hoy en día se sienten futuristas. El estilo característico de Olitski también se marcó por líneas de borde duro añadidas cerca de los bordes exteriores del lienzo. Ese gesto de borde quizás presagiaba el final de la pintura de Color Field, ya que parece casi reintroducir la noción de que el tema se presenta dentro de un marco.
Jules Olitski - Patutsky en el Paraíso, 1966, © Jules Olitski Estate/Licenciado por VAGA, Nueva York
La Contemplación como el Legado Duradero
Estos pioneros del Color Field lograron crear pinturas que podían actuar no solo como objetos de arte, sino también como intermediarios para las experiencias estéticas trascendentales de un espectador. Al crear obras que no tenían otro sujeto que el color mismo, alteraron la forma en que se podía percibir una pintura y llevaron la pintura a nuevos reinos míticos y espirituales. La contemplación es el legado perdurable de los pioneros del Color Field. Para muchos de nosotros, sus pinturas son talismanes, guiándonos por caminos hacia un estado de ánimo más introspectivo.
Imagen destacada: Helen Frankenthaler - Montañas y mar, 1952, Óleo y carbón sobre lienzo sin tamaño ni imprimar, 86 3/8 × 117 1/4 in (219.4 × 297.8 cm), © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
