Cómo la Pintura de Acción Cambió el Arte

Si la frase “pintura de acción” suena confusa, podría ser porque parece contener una redundancia. Pintar implica acción. ¿Puede haber pinturas de inacción? Pero ni el hecho de que pintar sea una acción ni que las pinturas resulten de la acción tienen mucho que ver con la definición de pintura de acción. De hecho, la pintura de acción no se trata realmente de acción o pintura en absoluto. Se trata de un estado mental. El crítico de arte Harold Rosenberg acuñó la frase pintura de acción en 1952, en un ensayo titulado “Los pintores de acción americanos.” El ensayo fue un intento de explicar lo que Rosenberg consideraba un cambio fundamental que ocurría en la mentalidad de un pequeño grupo de pintores abstractos americanos. En lugar de abordar la pintura como creación de imágenes, estos pintores estaban utilizando el acto de pintar para registrar los resultados de dramas personales, intuitivos y subconscientes que estaban representando frente al lienzo. Estaban usando el lienzo como un escenario. Eran actores, y la pintura era el método para registrar la evidencia del evento. En su ensayo, Rosenberg no solo señaló la novedad de este método, sino que también desvió completamente la atención de las pinturas como objetos, declarando que lo único que importaba a los pintores de acción era el acto creativo.

El Fin de la Objetualidad

Antes de la observación de Rosenberg, ningún crítico de arte respetado había sugerido por escrito que el objetivo del trabajo de un artista no era crear algo tangible. Se daba por sentado que el propósito de ser artista era crear obras de arte. Pero lo que Rosenberg observó sobre pintores como Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning fue que no estaban enfocados en crear objetos. Más bien, estaban centrados en su propio proceso como pintores. Estaban dando la máxima importancia no al producto terminado, sino al acto de conectarse con su propio inconsciente. La pintura era simplemente una forma de registrar los efectos resultantes de esa conexión.

Imagina estar vendado y recibir un pincel, luego te dicen que encuentres tu camino a través de un laberinto mientras pasas el pincel por la superficie de la pared. La marca resultante dejada en la pared no sería tanto un logro estético como un registro de tu viaje. Tal fue la raíz de la observación de Rosenberg: que los pintores de acción no estaban creando imágenes; estaban haciendo grabaciones externas de sus viajes internos.

Jackson Pollock - Número 8, 1949, 1949. Óleo, esmalte y pintura de aluminio sobre lienzo. 34 × 71 1/2 in; 86.4 × 181.6 cm. Federación Americana de Artes. © 2020 Fundación Pollock-Krasner / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

Técnicas de Pintura de Acción

Cuando un pintor se propone hacer una pintura de una imagen específica, las herramientas y técnicas involucradas deben ofrecer al pintor tanto control como sea posible. Pero si el objetivo de una pintura no es hacer una imagen específica y predefinida, sino crear un relicario visual abstracto de un evento psico-físico, el pintor puede disfrutar de más flexibilidad en términos de herramientas y técnicas. Dado que la pintura de acción se trata de la espontaneidad y de poder transmitir sin problemas cada intuición subconsciente a través de un gesto físico, cualquier cosa que obstaculice la libertad y el instinto debe ser abandonada.

El pintor de acción Jackson Pollock abandonó las preparaciones y soportes tradicionales y, en su lugar, pintó directamente sobre lienzos sin imprimar dispuestos en el suelo. Renunció a las herramientas tradicionales optando en su lugar por aplicar pintura a sus superficies utilizando lo que tuviera a mano, incluidos pinceles de pintura de casa, palos o incluso sus manos desnudas. A menudo lanzaba, vertía, salpicaba y goteaba pintura sobre sus superficies directamente desde cualquier recipiente en el que estuviera la pintura. Y utilizaba cualquier medio que tuviera a mano, incluyendo todo tipo de pintura líquida, así como vidrio roto, colillas de cigarrillos, gomas elásticas y cualquier otra cosa que su instinto le indicara.

Jackson Pollock- Mural, 1943. Óleo y caseína sobre lienzo. 95 7/10 × 237 1/2 in; 243.2 × 603.2 cm. Museo Guggenheim Bilbao. Bilbao

Grandes gestos

Además de ser libres con los medios, herramientas y técnicas, los pintores de acción también se liberaron de las limitaciones de su propia fisicalidad. Las pinturas de acción de Franz Kline se centran en el gesto físico. Cada trazo audaz que Kline hizo en el lienzo es un registro de un momento en el que su cuerpo estaba completamente involucrado en el movimiento. Mientras que un trazo de pincel impresionista se realiza con algo tan sutil como el movimiento de una muñeca, los trazos de Kline se hicieron con un empuje de todo su brazo, o de su cuerpo entero, guiado por los rincones internos de su mente.

Pollock a menudo no hacía contacto con el lienzo en absoluto. En cambio, confiaba en el impulso y el uso dinámico de su cuerpo, creando velocidad y poder para proyectar el medio en el espacio y sobre la superficie. Al no obstaculizar su movimiento por el contacto con la superficie, estaba colaborando con los poderes de la naturaleza, lo que resultó en marcas fluidas, elegantes y de aspecto orgánico. En cierto sentido, los gestos de Pollock y Kline no solo estaban creando marcas, estaban causando impactos. Al igual que los cráteres de meteoritos, estos impactos pueden ser apreciados tanto por su apariencia como por las fuerzas primordiales, antiguas y naturales que los causaron.

Franz Kline - Mahoning, 1956. Collage de óleo y papel sobre lienzo, 80 × 100 in. (203.2 × 254 cm). Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; compra con fondos de los Amigos del Museo Whitney de Arte Americano 57.10. © 2020 La Herencia de Franz Kline / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

El Inconsciente Consciente

El auge de la pintura de acción no fue un misterio. Tenía raíces lógicas en el contexto de la cultura estadounidense de la posguerra. La sociedad estadounidense en general se estaba recuperando de la guerra y ajustándose a una extraña nueva realidad moderna. En sus esfuerzos por entenderse a sí mismos y su mundo, las personas se interesaron cada vez más en la psicología, especialmente en las ideas relacionadas con los pensamientos subconscientes e inconscientes. En la mente de los pintores de acción estadounidenses, estas ideas se vinculaban directamente con el trabajo que los surrealistas habían hecho con el dibujo automático, que consistía en dejar que el cuerpo creara marcas basadas en movimientos reflejos inspirados por impulsos inconscientes.

Su pensamiento también se relacionaba con tradiciones primitivas encontradas en el arte totemico de las culturas nativas de América del Norte. El arte totemico está vinculado a la creencia de que las personas están conectadas entre sí, con la historia y con los mundos natural y espiritual a través de ciertos objetos naturales, o a través de seres que poseen poderes espirituales o místicos. Los pintores de acción esperaban que a través de su estilo de pintura intuitivo y subconsciente pudieran canalizar imágenes totemicas con las que los espectadores pudieran conectarse en presencia de los restos estéticos de su proceso.

Jaanika Peerna - Pequeño Maelstrom (Ref 855), 2009. Lápiz de pigmento sobre mylar. 45.8 x 45.8 cm

El legado de la pintura de acción

La preciosidad del regalo que la pintura de acción dio a las futuras generaciones de artistas no puede ser exagerada. Las observaciones cuidadosamente expresadas de Harold Rosenberg inspiraron un cambio tremendo en el arte modernista. Él dio palabras al pensamiento de que el proceso es más importante que el producto. Demostró que el viaje realmente es más importante que el destino, o si eso suena demasiado cliché, demostró que el drama que se desarrolla durante el proceso del acto creativo de un pintor es más importante que el relicario que resulta de ese proceso.

La realización de Rosenberg liberó a las generaciones posteriores de artistas de pensar en su trabajo únicamente en términos de "producción de productos". Podían participar en procesos experimentales y centrarse plenamente en las ideas. Tenían permiso para comenzar sin tener que predecir los resultados finales. Sin este cambio en la conciencia de los artistas, nunca habríamos podido disfrutar de los "happenings" o del trabajo de los artistas conceptuales o del movimiento Fluxus. Nunca habríamos podido experimentar los efímeros y transitorios misterios del land art. Nunca habríamos disfrutado de los frutos del movimiento del espacio de arte alternativo. En muchos sentidos, fue la pintura de acción la que permitió a los artistas desviar su enfoque de hacia dónde iban exactamente, y recordarles que a menudo lo más importante en el arte y en la vida es cómo llegan allí.

Imagen destacada: Jackson Pollock - Arco iris gris, 1953. Óleo sobre lienzo. 72 × 96 1/10 in; 182.9 × 244.2 cm. Instituto de Arte de Chicago, Chicago. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio