Serio y no tan serio: Kyong Lee en 14 preguntas

EL LENGUAJE DEL COLOR

En IdeelArt, creemos que la historia de un artista se cuenta tanto dentro como fuera del estudio. En esta serie, planteamos 14 preguntas que unen la brecha entre la visión creativa y la vida cotidiana, mezclando la perspectiva profesional con las peculiaridades personales que hacen único a cada artista.

Desde su estudio con vista a los campos de arroz coreanos, un espacio compartido con cinco gatos, un perro y la luz cambiante de las estaciones, Kyong Lee crea obras que buscan convertir la emoción en un lenguaje visible. Descubre cómo el amor por el jazz, la influencia de un mentor reflexivo y un cambio decisivo en los materiales la ayudaron a encontrar el "Color Emocional" que define su práctica hoy.

Las preguntas no tan serias

8 preguntas para revelar las peculiaridades inesperadas y la vida cotidiana de Kyong Lee

Si tu arte fuera una canción o una pieza musical, ¿qué estaría sonando de fondo?

Kind of Blue de Miles Davis,
The Köln Concert de Keith Jarrett,
Travels de Pat Metheny,
y Clair de Lune de Debussy.

Paso largas horas en el estudio, y esta música me ayuda a mantenerme en un estado tranquilo y reflexivo donde el color y la emoción pueden desplegarse lentamente.

¿Cuál es algo que te obsesiona o te interesa mucho y que no tiene nada que ver con el arte?

Mantengo un pequeño huerto, doy paseos diarios con mi perro, cuido a los gatos callejeros en mi patio y me encanta observar el cielo.

¿Café, té o algo más fuerte mientras trabajas? ¿O solo luz y silencio?

Comienzo mi día con una sola taza de café, luego cambio a té, a menudo té con leche o té de yuzu, a medida que avanza el día. Siempre trabajo con música, generalmente jazz. Las melodías de artistas como Pat Metheny y Keith Jarrett suelen ayudar a mantener el ritmo fluido de mi trabajo.
Mi estudio está conectado sin interrupciones con mi vida diaria, compartido con un perro y cinco gatos. Cerca fluye un pequeño arroyo, y en el patio hay un gran zelkova y un cerezo, rodeados de campos de arroz. Es un entorno donde se siente profundamente el cambio de las estaciones, y encuentro inspiración durante mis paseos diarios aquí con mi perro.

Si pudieras encontrarte con alguien, vivo o muerto, ¿quién sería?

El fallecido Klaus Stümpfel, mi profesor en HBK Braunschweig. Me enseñó a través de su pasión y seriedad hacia el arte. No era famoso, pero fue el maestro más importante en mi vida.

Si no fueras artista, ¿qué estarías haciendo?

Me he sentido atraída por el arte desde quinto grado, cuando comencé a copiar las acuarelas de Mont Sainte-Victoire de Cézanne; ahí fue donde el sueño echó raíces por primera vez. Cuando más tarde me di cuenta de que la vida de un artista no era el ideal romántico que había imaginado de niña, me comprometí aún más con mi trabajo. Nunca he considerado seriamente otra profesión, pero si tuviera que imaginar una, tal vez sería investigadora en biología o historia, materias que siempre he amado.

¿Puedes compartir una historia corta o un momento de tu vida que haya tenido un fuerte impacto en tu vida como artista?

Una persona que ha influido profundamente en mi camino artístico es Christelle Thomas de IdeelArt. Desde nuestra primera reunión en línea en 2017, ha apoyado mi trabajo con confianza y cuidado constantes.

Durante momentos en que me siento emocionalmente baja o creativamente bloqueada, sus mensajes breves pero sinceros a menudo se convierten en una fuerza silenciosa que me ayuda a volver a mi trabajo. El otoño pasado, me envió una foto del estudio de Paul Cézanne en Aix-en-Provence. Sabiendo mi admiración por Cézanne, su gesto considerado me conmovió profundamente y me llevó a preguntarme una vez más: ¿De qué color es esta emoción que siento? ¿Qué palabras podrían contenerla? ¿Y en qué forma podría dar forma a estas emociones mientras se construyen, capa por capa?
Momentos como este — encuentros inesperados y sutiles temblores emocionales — renuevan continuamente mi sentido de curiosidad y se convierten en la fuerza impulsora detrás de mi deseo de crear.

¿Cómo es un buen día para ti, fuera del estudio?

Un buen día fuera del estudio es aquel en el que siento que mis sentidos aún están vivos. Las rutinas diarias pueden embotar la percepción, pero dentro de esa repetición, a menudo surgen momentos inesperados de conciencia.
Pasear a mi perro en un día despejado y dejar que mi mirada siga las crestas lejanas, compartir café recién hecho con mi esposo, o notar las primeras azaleas floreciendo a mitad de una montaña después de un largo invierno: estos momentos ordinarios me traen una alegría tranquila.
La mayoría de los días están llenos de repetición y una cierta sensación de estancamiento. Pero cuando, dentro de esa cotidianidad, mis sentidos se despiertan suavemente de nuevo, eso es suficiente para que el día se sienta bueno.

¿Hay algo sobre ti que probablemente sorprendería a quienes conocen tu trabajo solo a través de tu arte?

Soy una mujer coreana pequeña. Las personas que encuentran mi trabajo antes de conocerme a menudo admiten que imaginaron al artista como un hombre grande pintando estas obras.

La entrevista (más) seria

6 preguntas para profundizar en las ideas, experiencias y esperanzas que moldean el viaje creativo de Lee.

¿Qué temas o preguntas vuelven una y otra vez en tu trabajo?

Vuelvo repetidamente a la pregunta de cómo la emoción se convierte en lenguaje, y cómo el lenguaje, a su vez, se convierte en color. Me atraen los estados antes de que las cosas estén claramente definidas — donde los sentimientos permanecen, cambian y resisten una denominación precisa. Es en este espacio liminal donde encuentro la expresión más verdadera de la experiencia humana.
Otro elemento recurrente en mi trabajo es la estructura horizontal. Las franjas horizontales que aparecieron en mis obras anteriores y en la serie ‘Emotional Color Change’ funcionan como un marco silencioso, permitiendo que el tiempo, la emoción y la percepción se desplieguen de manera uniforme en lugar de jerárquica. A través de esta estructura, exploro la acumulación, la variación sutil y el equilibrio entre el orden y el azar.

¿Puedes describir un momento crucial en tu trayectoria como artista?

Me fui a Alemania en el verano de 1991 y regresé a Corea en el verano de 2000. Durante mis estudios en el extranjero, creé obras abstractas en óleo con el agua como motivo, y continué en la misma línea después de regresar a casa.
El punto de inflexión llegó en 2001. A través de un programa de intercambio internacional en la residencia Ssamzie Space, visité Nueva York y obtuve dos ideas cruciales. Primero, la temporada de monzones en Corea estaba en conflicto directo con mi método de trabajo. La técnica de pintura al óleo que usaba — que dependía de la separación del agua y el aceite — producía grietas y colores turbios en la alta humedad. Segundo, para realizar la estructura horizontal que perseguía, era necesario un cambio fundamental en los materiales. Quería que cada color ocupara su propio territorio distinto en el lienzo, no simplemente se mezclara en gradaciones.
Colaborar con artistas de Nueva York me dio el valor para experimentar. Comencé a explorar las pinturas acrílicas de alta calidad que recién estaban llegando a Corea en ese momento. El método de aplicar cinta gruesa horizontalmente y rellenar los espacios con pintura — esto era imposible con los óleos de secado lento, pero factible con acrílicos. Este cambio técnico no fue solo un cambio de materiales; fue el momento decisivo que abrió el camino para concretar el lenguaje visual que había estado buscando todo el tiempo.

¿Qué materiales o procesos son los más importantes en tu práctica, y por qué?

Trabajar con pintura acrílica sobre papel y lienzo es fundamental en mi práctica. Elijo los acrílicos por su respuesta al tiempo: lo rápido que se secan, la precisión con la que se pueden superponer y la viveza con la que mantienen el color. Estas cualidades permiten que cada color mantenga su propio territorio en lugar de disolverse en una gradación continua.
A menudo trabajo con estructuras horizontales, usando cinta para definir límites y creando ritmo mediante la repetición. Este proceso refleja cómo entiendo la emoción: como algo que se acumula con el tiempo, estructurado pero abierto a sutiles cambios.
Los materiales me importan porque permiten que el color funcione no solo como mera representación, sino como un registro de estados perceptivos y emocionales.

¿Cómo quieres que se sientan las personas cuando experimenten tu obra?

Espero que los espectadores se detengan y luego se sientan atraídos a acercarse a la obra. No para descifrarla, sino para sentir cómo las emociones regresan silenciosamente dentro de ellos, sin presión.
El color nos llega antes que el lenguaje: se siente antes de ser explicado. Si mi obra puede crear un momento en que la emoción llega antes que las palabras, y los espectadores descubren un nombre para un sentimiento que aún no conocían dentro de los colores, eso es suficiente para mí.

¿Puedes contarnos cómo es un día típico de trabajo en tu estudio?

Trabajo solo mientras hay luz natural. Aunque uso luces con balance de luz diurna en interiores, evito trabajar con color por la noche, ya que dependo de los sutiles cambios de la luz natural. Por las noches, generalmente leo libros o veo películas en Netflix en lugar de dibujar. Una película memorable que vi recientemente fue Train Dreams, basada en la novela de Dennis Johnson, que me pareció muy impresionante.
Para ser fiel a las emociones del día, trabajo con varios lienzos o hojas de papel dispuestos a la vez. No sigo rituales fijos: el trabajo de cada día responde a las condiciones emocionales y situacionales de ese momento. Me concentro en el trabajo de estudio por la mañana, tomo un brunch tardío alrededor de la 1 p.m. y continúo trabajando durante la tarde hasta la cena.

¿Qué sueños o esperanzas tienes para tu trayectoria artística?

Mi serie "Color como Adjetivo", que explora la relación entre emoción, color y lenguaje, ya supera las 420 obras. Algunos colores ya se han agotado y no pueden crearse más, mientras que muchos otros esperan ser descubiertos y creados. He exhibido estos colores en pequeños grupos bajo el sustantivo singular "belleza".
Lo que sueño ahora es reunir toda la serie en un solo espacio. Sería una totalidad de todas las emociones que he descubierto, experimentado y sentido: un registro del tiempo mismo. Espero que dentro de este espacio, los visitantes descubran sus propias emociones a través del lenguaje del color y experimenten el mundo de maneras diferentes o quizás iguales a las mías.

Por Francis Berthomier
Todas las imágenes ©Kyong Lee

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