"Arte de Louise Bourgeois y la Reducción de la Forma"

Para quienes ven el arte abstracto como un camino hacia una vida más introspectiva y plena, Louise Bourgeois encarnaba un ideal. Pero no por sus honores o premios, ni por la celebridad que alcanzó: todo lo contrario. Es porque el arte de Louise Bourgeois habla de lo que es relevante para nuestra vida cotidiana. Parafraseando a Gichin Funakoshi, el padre del karate moderno, cuando comprendemos cómo algo se relaciona con nuestra vida cotidiana, es entonces cuando descubrimos su esencia. El mundo del arte está definido con demasiada frecuencia por manifiestos y dividido en movimientos, épocas y estilos. Los artistas suelen ser categorizados por género, raza, nacionalidad y formación académica. Olvidamos fácilmente que el verdadero valor del arte existe más allá de esas consideraciones mezquinas. La obra de Louise Bourgeois se eleva con confianza por encima de las clasificaciones. Su aportación estética habita sinceramente un espacio que es a la vez figurativo y simbólico. Es grotesca y, sin embargo, sublime. Exploró todas las disciplinas imaginables, sin vincularse nunca a ninguna tendencia concreta y, aun así, inventó algunas tendencias por el camino. A lo largo de una carrera de siete décadas logró lo que pocos otros artistas abstractos han conseguido: creó una obra personal que era universal.

Fuerzas contradictorias

Louise Bourgeois nació en una familia de contradicciones. Su padre era un proveedor exitoso, pero también era la mayor amenaza para la seguridad de Louise. Sus padres eran socios en los negocios y en la vida, pero su padre mantenía relaciones sexuales sin disculparse, poniendo en peligro la estabilidad de ambos. La niñera y tutora interna de Louise, supuestamente una protectora y guía, era en realidad la amante de su padre. La madre de Louise, tejedora para el negocio textil familiar, era una fuerza amorosa y protectora, además de su defensora más ferviente, pero también era físicamente débil y finalmente murió joven.

Durante toda su juventud, Louise fue testigo de la brutalidad cotidiana de un hogar definido y amenazado simultáneamente por el afecto. Experimentó la cruda verdad sobre la fragilidad del carácter humano. Sintió celos, rabia, miedo, soledad y confusión. Sin embargo, nunca le faltaron techo, comida, ropa ni educación. Fue amada y querida, al menos por uno de sus progenitores. Cuando murió su madre, Louise tenía 21 años y estudiaba matemáticas en la universidad. En lugar de continuar por ese camino, que era el deseo de su padre para ella, Louise se sintió inspirada por la muerte de su madre para cambiar drásticamente su vida. Forjó un camino que le permitiría enfrentarse a sus sentimientos y expresarlos. Abandonó las matemáticas y se dedicó, en cambio, a vivir la vida de una artista.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronce, pátina de nitrato de plata. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 in; 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Simbolismo y psicoterapia

Durante los seis años posteriores a la muerte de su madre, Louise estudió arte y adquirió una formación práctica visitando los estudios de artistas consagrados y ayudando en sus exposiciones. A los 27 años abrió brevemente una tienda en un rincón de la tienda textil de su padre, donde vendía reproducciones de arte. Él le permitió utilizar el espacio porque se trataba de una iniciativa empresarial. Un día, en la tienda, entabló conversación con un coleccionista. Entonces, como ella misma dijo, “entre conversaciones sobre el surrealismo y las últimas tendencias,” se casaron.

Aquel coleccionista resultó ser Robert Goldwater, un respetado historiador del arte estadounidense. Robert y Louise se mudaron a Nueva York, donde Louise continuó estudiando arte y amplió el alcance de su producción estética. Influida por el surrealismo y el concepto de psicoterapia, Louise recurrió a su infancia traumática como tema para su arte. Desarrolló un lenguaje simbólico de formas basado en una combinación de sus recuerdos y sus sueños.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Escultura de bronce fundido y pulido. 4 1/2 × 9 × 6 in; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Edición 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

El simbolismo de Louise Bourgeois

El lenguaje visual simbólico de Louise estaba compuesto por imágenes personales que para ella tenían un significado evidente. Pero para los espectadores, su arte parecía salvaje, audaz, abstracto e incluso impactante. Una de las formas simbólicas más habituales de Louise era la araña. Ya desde la década de 1940, Louise incorporó arañas y telarañas en dibujos y grabados, e incluso produjo una serie de obras abstractas de ganchillo inspiradas en las telarañas. Explicó que las arañas eran una referencia simbólica a su madre. Su madre era tejedora y, al igual que ella, las arañas son protectoras porque comen mosquitos, que transmiten enfermedades. 

Con el tiempo, sus formas de araña adquirieron una escala monumental, alcanzando su apogeo con una escultura de 9 metros de altura titulada Maman. Además de las arañas, el lenguaje visual simbólico de Bourgeois incluía jaulas, casas, genitales masculinos y femeninos, objetos domésticos como sillas y ropa, y también representaba a menudo formas biomórficas que recuerdan a partes del cuerpo. Una de sus obras más famosas se titula La destrucción del padre y presenta una selección de objetos semejantes a órganos y carne, extendidos sobre una mesa y rodeados de esferas que evocan una enorme boca abierta llena de dientes.

Louise Bourgeois - Spider, 1997. Acero, tapiz, madera, vidrio, tela, caucho, plata, oro y hueso. 177 × 262 × 204 in; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Juntos en el aislamiento

El hilo conductor de toda la obra de Bourgeois es que todas sus imágenes se relacionan con sus experiencias privadas y personales. Uno de los sentimientos más poderosos que buscaba compartir con sus espectadores era el de la interacción entre la unión y el aislamiento. En la década de 1940 creó una serie de formas escultóricas que hacían referencia a varias personas que conocía. Exhibió las formas de maneras que parecían aleatorias. Pero gradualmente, al observar las composiciones, las formas individuales comienzan a expresar sus características y cada una adquiere una personalidad propia, hasta que entre ellas surge una sensación de interacción.

Los sentimientos de unión y aislamiento también son fundamentales en una serie de objetos escultóricos que Bourgeois realizó en la década de 1950, una época en la que se centró en el lado más tierno de la vida, inspirado por su marido y sus hijos. Objetos como Night Garden, Cumul I y Clamart Other representan cada uno una agrupación de formas. Las agrupaciones parecen orgánicas, pero también parecen representar entidades que se han agrupado para protegerse o encontrar consuelo.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (fundida en 1991). Bronce y acero inoxidable. 67 1/2 × 12 × 12 in; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Más allá de las etiquetas

Aunque muchas obras de Bourgeois parecen figurativas, la esencia de su obra es que es simbólica y personal. A menudo representaba desnudos y se centraba en la forma femenina, pero afirmaba con contundencia que en su obra no había declaraciones sociales ni políticas. Era mujer, y la sexualidad fue una fuerza poderosa durante su crianza; en esas imágenes había poca o ninguna intención de plantear una agenda social o política. No obstante, debido a la fuerza de las imágenes presentes en gran parte de su obra, se la ha relacionado con frecuencia con el arte feminista y LGBTQ. Aunque quizá no se opondría a esa representación si viviera hoy, también declaró claramente que su objetivo no era abordar ninguna de estas cuestiones en su obra. En una ocasión dijo: “Mi obra trata problemas que son anteriores al género. Por ejemplo, los celos no son masculinos ni femeninos.”

Tiene sentido considerar la obra de Bourgeois desde una perspectiva personal. Después de todo, todo su simbolismo está relacionado con sus propias experiencias. Sin embargo, cada uno de nosotros puede encontrar en ella algo con lo que identificarse. Si estamos abiertos, podemos aceptarla desde la perspectiva de una sabiduría más amplia. Cuando podemos ver un cuerpo sin pensar en términos de masculino o femenino, nos sentimos menos aislados y más universalmente humanos. Cuando nos permitimos aprender tanto del sufrimiento como del amor de nuestros semejantes, el resultado final es un valor añadido tanto a su experiencia como a la nuestra.

Imagen destacada: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Bronce, pátina pulida. 33 × 40 × 23 in; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. The Museum of Modern Art, Nueva York. © 2018 The Easton Foundation
Todas las imágenes se utilizan únicamente con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio 2016
Editado por IdeelArt (2026)