"Arte de Louise Bourgeois y la Reducción de la Forma"

Para aquellos que ven el arte abstracto como un camino hacia una vida más introspectiva y plena, Louise Bourgeois fue la encarnación de un ideal. Pero no por sus honores o premios, ni por la celebridad que alcanzó: todo lo contrario. Es porque el arte de Louise Bourgeois habla de lo que es relevante para nuestras vidas cotidianas. Parafraseando a Gichin Funakoshi, el padre del karate moderno, cuando nos damos cuenta de cómo algo se relaciona con nuestras vidas diarias, es cuando descubrimos su esencia. El mundo del arte a menudo se define por manifiestos y se divide en movimientos, épocas y estilos. Los artistas a menudo son categorizados por género, raza, nacionalidad y pedigree educativo. Olvidamos fácilmente que el verdadero valor del arte existe más allá de tales consideraciones mezquinas. La obra de Louise Bourgeois se eleva con confianza por encima de las clasificaciones. Su contribución estética habita sinceramente un espacio que es tanto figurativo como simbólico. Es grotesca y, sin embargo, sublime. Exploró todas las disciplinas imaginables, nunca se adhirió a ninguna tendencia particular, y, sin embargo, inventó algunas tendencias en el camino. A lo largo de una carrera de siete décadas, logró lo que pocos otros artistas abstractos han logrado: creó obras personales que eran universales.

Fuerzas Contradictorias

Louise Bourgeois nació en una familia de contradicciones. Su padre era un proveedor exitoso, pero también era la mayor amenaza para la seguridad de Louise. Sus padres eran socios en los negocios y en la vida, sin embargo, su padre se involucraba sin disculpas en relaciones sexuales que amenazaban la estabilidad de ambos. La niñera y tutora que vivía con Louise, supuestamente una protectora y guía, era en realidad la amante de su padre. La madre de Louise, una tejedora para el negocio textil familiar, era una fuerza amorosa y protectora y era su más feroz defensora, pero también era físicamente débil y eventualmente murió joven.

A lo largo de toda su juventud, Louise fue testigo de la brutalidad diaria de un hogar que estaba simultáneamente definido y amenazado por el afecto. Experimentó la cruda verdad sobre la fragilidad del carácter humano. Sintió celos, rabia, miedo, soledad y confusión. Sin embargo, nunca le faltaron refugio, comida, ropa o educación. Fue amada y apreciada, al menos por uno de sus padres. Cuando su madre murió, Louise tenía 21 años y estaba estudiando matemáticas en la universidad. En lugar de continuar por ese camino, que era el deseo de su padre para ella, Louise se sintió inspirada por el fallecimiento de su madre para cambiar drásticamente su vida. Forjó un camino que le permitiría confrontar y expresar sus sentimientos. Abandonó las matemáticas y se dedicó en cambio a vivir la vida de una artista.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronce, pátina de nitrato de plata. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 in; 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Simbolismo y Psicoterapia

Durante seis años después de la muerte de su madre, Louise estudió arte y obtuvo una educación práctica visitando los estudios de artistas exitosos y ayudando con sus exposiciones. A la edad de 27 años, abrió brevemente una tienda en una esquina de la tienda de textiles de su padre, vendiendo impresiones de arte. Él le permitió utilizar el espacio ya que era una aventura comercial. Un día en la tienda, entabló una conversación con un coleccionista. Luego, como ella lo expresó, “entre charlas sobre surrealismo y las últimas tendencias,” se casaron.

Ese coleccionista resultó ser Robert Goldwater, un respetado historiador del arte de América. Robert y Louise se mudaron a Nueva York, donde Louise continuó estudiando arte y amplió el rango de su producción estética. Influenciada por el surrealismo y el concepto de psicoterapia, Louise recurrió a su infancia traumática como tema para su arte. Desarrolló un lenguaje simbólico de formas basado en una combinación de sus recuerdos y sus sueños.

Louise Bourgeois - Dar o Tomar (¿Cómo te sientes esta mañana?), 1990. Escultura de bronce fundido y pulido. 4 1/2 × 9 × 6 in; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Edición 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

El simbolismo de Louise Bourgeois

El lenguaje visual simbólico de Louise consistía en imágenes personales que para ella tenían un significado obvio. Pero para los espectadores, su arte parecía salvaje, audaz, abstracto e incluso impactante. Una de las formas simbólicas más comunes de Louise era la araña. Desde tan temprano como en la década de 1940, Louise incorporó arañas y telarañas en dibujos y grabados, e incluso produjo una serie de obras de ganchillo abstractas inspiradas en telarañas. Ella explicó que las arañas eran una referencia simbólica a su madre. Su madre era tejedora, y al igual que su madre, las arañas son protectoras ya que se alimentan de mosquitos, que propagan enfermedades. 

Eventualmente, sus formas de araña adquirieron una escala monumental, alcanzando un apogeo con una escultura de 9 metros de altura titulada Maman. Además de arañas, el lenguaje visual simbólico de Bourgeois incluía jaulas, casas, genitales masculinos y femeninos, objetos domésticos como sillas y ropa, y también a menudo retrataba formas biomórficas que se asemejan a partes del cuerpo. Una de sus obras más famosas se titula The Destruction of the Father, y presenta una selección de objetos que se asemejan a órganos y carne esparcidos sobre una mesa, rodeados de orbes que evocan una enorme boca abierta llena de dientes.

Louise Bourgeois - Araña, 1997. Acero, tapiz, madera, vidrio, tela, goma, plata, oro y hueso. 177 × 262 × 204 in; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Aislados juntos

El hilo común que recorre toda la obra de Bourgeois es que todas sus imágenes se relacionan con sus experiencias privadas y personales. Uno de los sentimientos más poderosos que buscó compartir con sus espectadores fue el de la interacción entre la convivencia y el aislamiento. En la década de 1940, creó una serie de formas escultóricas que hacían referencia a varias personas que conocía. Exhibió las formas de maneras que parecen aleatorias. Pero gradualmente, al observar las disposiciones, las formas individuales comienzan a expresar sus características y cada una adquiere una personalidad individual hasta que se desarrolla un sentido de interacción entre ellas.

Los sentimientos de unidad e aislamiento también son parte integral de una serie de objetos escultóricos que Bourgeois creó en la década de 1950, un tiempo en el que se centró en el lado más suave de la vida, inspirada por su esposo e hijos. Objetos como Noche Jardín, Cumul I y Clamart Otro retratan cada uno una reunión de formas. Las reuniones parecen orgánicas, sin embargo, también parecen retratar entidades que se han acurrucado juntas en busca de protección o consuelo.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (fundido 1991). Bronce y acero inoxidable. 67 1/2 × 12 × 12 in; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Más allá de las etiquetas

Aunque muchas de las obras de Bourgeois parecen figurativas, la esencia de su trabajo es que es simbólica y personal. A menudo retrató la desnudez y se centró en la forma femenina, pero fue contundente al negar cualquier declaración social o política en su obra. Ella era mujer, y la sexualidad fue una fuerza poderosa en su crianza; había poco o ningún agenda social o política intencionada en tales imágenes. No obstante, debido a las poderosas imágenes en gran parte de su trabajo, a menudo ha sido identificada con el arte feminista y LGBTQ. Aunque puede que no se oponga a tal representación si estuviera viva hoy, también dejó claro que su objetivo no era abordar ninguno de estos temas en su obra. Una vez dijo: “Mi trabajo trata problemas que son pre-género. Por ejemplo, los celos no son masculinos ni femeninos.”

Tiene sentido considerar el trabajo de Bourgeois a un nivel personal. Después de todo, su simbolismo es relativo a sus propias experiencias. No obstante, cada uno de nosotros puede encontrar algo en ello con lo que identificarse. Si estamos abiertos, podemos aceptarlo desde la perspectiva de una sabiduría más amplia. Cuando podemos ver un cuerpo y no pensar en términos de masculino o femenino, nos volvemos menos aislados y más universalmente humanos. Cuando nos permitimos beneficiarnos tanto del sufrimiento como del amor de nuestro prójimo, el resultado final es un valor añadido tanto a su experiencia como a la nuestra.

Imagen destacada: Louise Bourgeois - Arco de la Histeria, 1993. Bronce, pátina pulida. 33 × 40 × 23 in; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. El Museo de Arte Moderno, Nueva York. © 2018 The Easton Foundation
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio