"Arte de Louise Bourgeois y la Reducción de la Forma"

Para quienes ven el arte abstracto como un camino hacia una vida más introspectiva y plena, Louis Bourgeois fue la encarnación de un ideal. Pero no por sus honores o premios, ni por la fama que alcanzó: todo lo contrario. Es porque el arte de Louis Bourgeois habla de lo que es relevante en nuestra vida cotidiana. Para parafrasear a Gichin Funakoshi, el padre del karate moderno, cuando comprendemos cómo algo se relaciona con nuestra vida diaria, es entonces cuando descubrimos su esencia. El mundo del arte suele definirse demasiado por manifiestos y dividirse en movimientos, épocas y estilos. Los artistas se clasifican con demasiada frecuencia por género, raza, nacionalidad y formación académica. Olvidamos fácilmente que el verdadero valor del arte existe más allá de tales consideraciones mezquinas. La obra de Louise Bourgeois se eleva con confianza por encima de las clasificaciones. Su contribución estética habita sinceramente un espacio que es a la vez figurativo y simbólico. Es grotesca y, sin embargo, sublime. Exploró todas las disciplinas imaginables, sin atarse nunca a ninguna tendencia particular, y sin embargo inventó algunas tendencias en el camino. A lo largo de una carrera de siete décadas logró lo que pocos otros artistas abstractos han conseguido: hizo una obra personal que fue universal.

Fuerzas Contradictorias

Louise Bourgeois nació en una familia de contradicciones. Su padre era un proveedor exitoso, pero también la mayor amenaza para la seguridad de Louise. Sus padres eran socios en los negocios y en la vida, pero su padre mantenía sin remordimientos relaciones sexuales que amenazaban la estabilidad de ambos. La niñera y tutora que vivía con Louise, supuestamente protectora y guía, era en realidad la amante de su padre. La madre de Louise, tejedora en la empresa textil familiar, era una fuerza amorosa y protectora y su defensora más feroz, pero también era físicamente débil y murió joven.

Durante toda su juventud, Louise fue testigo de la brutalidad diaria de un hogar que estaba definido y amenazado a la vez por el afecto. Experimentó la cruda verdad sobre la fragilidad del carácter humano. Sintió celos, rabia, miedo, soledad y confusión. Sin embargo, nunca le faltó refugio, comida, ropa ni educación. Fue amada y valorada, al menos por uno de sus padres. Cuando su madre murió, Louise tenía 21 años y estudiaba matemáticas en la universidad. En lugar de continuar por ese camino, que era el deseo de su padre para ella, la muerte de su madre la inspiró a cambiar radicalmente su vida. Forjó un camino que le permitiría confrontar y expresar sus sentimientos. Abandonó las matemáticas y se dedicó a vivir la vida de artista.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronce, pátina de nitrato de plata. 33 × 41.9 × 19.7 cm; 13 × 16 1/2 × 7 3/4 pulgadas. © 2018 The Easton Foundation

Simbolismo y Psicoterapia

Durante seis años después de la muerte de su madre, Louise estudió arte y obtuvo una educación práctica visitando los talleres de artistas exitosos y ayudando en sus exposiciones. A los 27 años abrió brevemente una tienda en un rincón de la tienda textil de su padre, vendiendo grabados de arte. Él le permitió usar el espacio ya que era una empresa comercial. Un día en la tienda entabló conversación con un coleccionista. Luego, como ella dijo, “entre charlas sobre el surrealismo y las últimas tendencias,” se casaron.

Ese coleccionista resultó ser Robert Goldwater, un respetado historiador del arte de Estados Unidos. Robert y Louise se mudaron a Nueva York, donde Louise continuó estudiando arte y amplió el rango de su producción estética. Influenciada por el surrealismo y el concepto de psicoterapia, Louise recurrió a su traumática infancia como tema para su arte. Desarrolló un lenguaje simbólico de formas basado en una combinación de sus recuerdos y sus sueños.

Louise Bourgeois - Give or Take (¿Cómo te sientes esta mañana?), 1990. Escultura de bronce fundido y pulido. 11.4 × 22.9 × 15.2 cm; 4 1/2 × 9 × 6 pulgadas. Edición 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

El Simbolismo de Louise Bourgeois

El lenguaje visual simbólico de Louise consistía en imágenes personales que para ella tenían un significado obvio. Pero para los espectadores, su arte parecía salvaje, audaz, abstracto e incluso impactante. Una de las formas simbólicas más comunes de Louise era la araña. Desde tan temprano como la década de 1940, Louise incorporó arañas y telas en dibujos y grabados, e incluso produjo una serie de obras abstractas inspiradas en telas de ganchillo. Explicó que las arañas eran una referencia simbólica a su madre. Su madre era tejedora, y al igual que ella, las arañas son protectoras porque comen mosquitos, que transmiten enfermedades.

Con el tiempo, sus formas de araña alcanzaron una escala monumental, llegando a un punto culminante con una escultura de 9 metros de altura titulada Maman. Además de las arañas, el lenguaje visual simbólico de Bourgeois incluía jaulas, casas, genitales masculinos y femeninos, objetos domésticos como sillas y ropa, y también a menudo representaba formas biomórficas que se asemejan a partes del cuerpo. Una de sus obras más famosas se titula La destrucción del padre, y presenta una selección de objetos que parecen órganos y carne esparcidos sobre una mesa, rodeados por orbes que evocan una boca gigante abierta llena de dientes.

Louise Bourgeois - Araña, 1997. Acero, tapiz, madera, vidrio, tela, caucho, plata, oro y hueso. 449.6 × 665.5 × 518.2 cm; 177 × 262 × 204 pulgadas. © 2018 The Easton Foundation

Aislados Juntos

El hilo común que atraviesa toda la obra de Bourgeois es que todas sus imágenes se relacionan con sus experiencias privadas y personales. Uno de los sentimientos más poderosos que buscaba compartir con sus espectadores era el juego entre la unión y el aislamiento. En la década de 1940, creó una serie de formas escultóricas que hacían referencia a varias personas que conocía. Exhibió las formas de manera que parecía aleatoria. Pero poco a poco, al observar las disposiciones, las formas individuales comienzan a expresar sus características y cada una adquiere una personalidad individual hasta que surge un sentido de interacción entre ellas.

Los sentimientos de unión y aislamiento también son parte integral de una serie de objetos escultóricos que Bourgeois hizo en la década de 1950, un tiempo en que se centraba en el lado más suave de la vida inspirado por su esposo e hijos. Objetos como Jardín Nocturno, Cumul I y Clamart Other representan cada uno una reunión de formas. Las reuniones parecen orgánicas, pero también parecen representar entidades que se han agrupado para protección o consuelo.

Louise Bourgeois - Pareja de cuchillos, 1949 (fundición 1991). Bronce y acero inoxidable. 171.5 × 30.5 × 30.5 cm; 67 1/2 × 12 × 12 pulgadas. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Más Allá de las Etiquetas

Aunque muchas de las obras de Bourgeois parecen figurativas, la esencia de su trabajo es que es simbólico y personal. A menudo representaba la desnudez y se centraba en la forma femenina, pero negaba con firmeza cualquier declaración social o política en su obra. Era mujer, y la sexualidad fue una fuerza poderosa en su crianza; no había una agenda social o política en tales imágenes. No obstante, debido a las poderosas imágenes en gran parte de su obra, a menudo se la ha identificado con el arte feminista y LGBTQ. Aunque probablemente no se opondría a tal representación si estuviera viva hoy, también declaró claramente que su objetivo no era abordar ninguno de estos temas en su trabajo. Una vez dijo, “Mi trabajo trata problemas que son previos al género. Por ejemplo, los celos no son masculinos ni femeninos.”

Tiene sentido considerar la obra de Bourgeois a nivel personal. Después de todo, su simbolismo es relativo a sus propias experiencias. Sin embargo, cada uno de nosotros puede encontrar algo con lo que identificarse. Si estamos abiertos, podemos aceptarlo desde la perspectiva de una sabiduría mayor. Cuando podemos ver un cuerpo y no pensar en términos de masculino o femenino, nos volvemos menos aislados y más universalmente humanos. Cuando nos permitimos aprender tanto del sufrimiento como del amor de nuestro semejante, el resultado final es un valor añadido tanto a su experiencia como a la nuestra.

Imagen destacada: Louise Bourgeois - Arco de la histeria, 1993. Bronce, pátina pulida. 83.8 × 101.6 × 58.4 cm; 33 × 40 × 23 pulgadas. Museo de Arte Moderno, Nueva York. © 2018 The Easton Foundation
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio