Escultura Minimalista como la Contemplación Prístina del Espacio

¿Está definida la escultura minimalista por un conjunto de reglas? ¿El éxito de una escultura minimalista tiene que ver con sus propias propiedades, o depende de cómo interactúa con su entorno? El crítico de arte Guillaume Apollinaire declaró una vez que la escultura debe representar formas de la naturaleza, o de lo contrario, era arquitectura. El artista minimalista Robert Morris describió la escultura como ocupando la parte media de un continuo de "cosas tridimensionales inútiles" que van desde monumentos hasta ornamentos. Dejando de lado el valor cómico, ninguna de estas afirmaciones hace mucho para ayudarnos a entender la verdadera y completa naturaleza de la escultura, especialmente la escultura minimalista. En lugar de tropezar con definiciones académicas, creemos que la escultura minimalista se puede entender mejor manteniendo una mente abierta y observando cuidadosamente a los artistas que pioneros en sus caminos.

El Padre Fundador de la Escultura Minimalista

Ronald Bladen demostró una habilidad ejemplar en el dibujo y la pintura desde una edad temprana. Pero sus obras escultóricas son las que le trajeron fama y respeto. A principios de la década de 1960, Bladen cambió su práctica de las pinturas expresionistas abstractas que estaba haciendo y comenzó a crear objetos de madera a gran escala. Algunas formas eran reconocibles, como una X gigante, y otras eran abstractas. No especificó exactamente qué eran los objetos, simplemente señaló que estaba tratando de hacer algo que tuviera "presencia."

Una de las primeras obras de escultura minimalista de Bladen se llamaba White Z. No era ni geométrica ni figurativa. Era abstracta, monocromática, de bordes duros e intrincada. Reaccionaba a la luz, era táctil y se encontraba en el suelo. No fue reducida de una forma más grande, sino que fue construida a partir de formas más pequeñas. Poseía su propia gestalt: un todo organizado que se volvía más sustancial que la suma de sus partes.

Ronald Bladen - White Z, 1964, © La herencia de Ronald Bladen

En 1966, el trabajo de Bladen fue incluido en la exposición Estructuras Primarias, junto con Donald Judd, Sol LeWitt, Dan Flavin, Carl Andre y docenas de otros artistas minimalistas. Esa exposición se considera que representó un momento definitorio en la historia del Minimalismo. Bladen tuvo una obra en la muestra, una escultura de tres piezas titulada Tres Elementos.

El trabajo fue casi monumental en escala. Transformó la naturaleza misma del espacio que ocupaba. El espacio es solo un área dentro de la cual existen y se mueven cosas. Tres Elementos creó nuevos espacios dentro de un espacio. Se convirtió en espacio. Forzó la contemplación no solo de su propia forma, sino también de la forma de su entorno y de los otros habitantes de sus alrededores.

Ronald Bladen - Tres Elementos, 1965, © La Herencia Ronald Bladen

Valores escultóricos

A pesar de la innegable "algo" de las esculturas de Bladen, algunos críticos y espectadores de la época, así como algunos artistas, no las consideraban esculturas. Las definiciones existentes de escultura parecían no aplicarse a lo que fueran estas cosas. Esa es precisamente la razón por la que estas obras fueron tan revolucionarias y tan perfectamente adecuadas a la teoría minimalista emergente de la época. Requerían una reducción de las propias definiciones de arte.

En lugar de definir una escultura como algo figurativo, o geométrico, o algo tallado de algún material o algo fundido de otro material, estos objetos requerían una explicación diferente. Redefinieron la escultura como algo caracterizado no según lo que es, sino según lo que no es. Una pintura es un objeto estético que consiste en una superficie que actúa como soporte para la pintura, cuyo propósito está contenido o comunicado a través de la pintura en la superficie. La arquitectura es una estructura destinada a la habitabilidad. Una escultura no es ninguna de las dos. Es un objeto estético que no es una pintura y no es arquitectura, pero que existe en un espacio tridimensional.

Donald Judd - Objetos específicos sin título, © Donald Judd

La relación de la escultura con la pared

Uno de los mayores desafíos que el Minimalismo planteó a la escultura fue si la escultura tenía que estar colocada en el suelo. Robert Morris declaró una vez que las esculturas debían estar absolutamente colocadas en el suelo, ya que solo en el suelo podían ser afectadas por la gravedad, una propiedad escultórica esencial. Pero algunos de los objetos escultóricos más famosos creados por artistas asociados con el Minimalismo, de hecho, cuelgan de la pared, o utilizan la pared para soporte.

Donald Judd llamó a las obras escultóricas que creó Objetos Específicos. Las definió como ni pinturas ni esculturas. Muchos de sus Objetos Específicos más famosos cuelgan en la pared. Son objetos tridimensionales, tienen una forma definida, poseen escala, interactúan con la luz y son táctiles. Poseen color y superficie, como todas las cosas materiales, pero su propósito no está definido por esos elementos ni se comunica necesariamente nada a través de ellos.

¿Son esculturas o no lo son? Cualesquiera que sean los juegos semánticos que deseemos jugar, las obras de Judd son claramente escultóricas por naturaleza. Pero al colgarlas en la pared, se plantearon nuevas preguntas sobre las relaciones espaciales. En lugar de utilizar el espacio de una galería para contextualizar las obras de arte, estas obras de arte re-contextualizaron los espacios en los que fueron instaladas. Habitaron el entorno y lo reordenaron. Invitaron a los espectadores a contemplar los espacios adicionales que las partes de las obras creaban a través de su presencia. Incluso cuestionaron el papel de la arquitectura al unirse a ella. Aunque no estaban forzadas al suelo por la gravedad, llamaron la atención sobre la gravedad al demostrar resistencia a ella.

Ellsworth Kelly - Obra, © Ellsworth Kelly

La forma del cambio

Las obras de otros artistas minimalistas como Ellsworth Kelly y John McCracken también desafiaron las definiciones existentes de escultura. Las superficies monocrómicas y con forma de Kelly colgaban de la pared y estaban cubiertas de pintura, pero estaban mucho más alineadas con la esencia de la escultura que con la de la pintura. Las "tablones" monocrómaticos de McCracken descansaban contra la pared, utilizándola como soporte, como podría hacerlo una pintura, pero ante todo confiando en el suelo.

Aunque cada uno de estos artistas minimalistas se esforzó por definir lo que estaban haciendo y abordar el debate sobre cómo definir sus obras escultóricas, aún queda mucho espacio para un debate continuo sobre el tema. El artista minimalista contemporáneo Daniel Göttin es uno de los muchos artistas que continúan explorando esta zona estética vagamente definida. Artista multidisciplinario, Göttin crea murales, instalaciones y objetos abstractos geométricos tridimensionales que cuelgan en la pared.

Sus objetos de pared poseen superficies que están pintadas o cubiertas con otros medios industriales, pero no se definen por sus superficies pintadas, y las superficies no comunican nada específico. Son escultóricos, sin embargo, cuelgan planas en la pared. Detrás de ellos y dentro de ellos se crea y redefine el espacio, y nuestra experiencia del espacio circundante se recontextualiza por su presencia.

John McCracken - obra, © John McCracken

La simplicidad no es simple

Una de las lecciones clave que la escultura minimalista nos enseña es que la semántica de las etiquetas es irrelevante. El significado que encontramos en estas obras proviene menos de cómo las llamamos y más de las formas en que nos invitan a contemplar el espacio. A través de ellas regresamos a la pureza de esta simple revelación, que ellas, al igual que nosotros, habitan el espacio, interrumpen el espacio, contienen el espacio, definen el espacio, contextualizan el espacio y traen orden al espacio.

A pesar de su simplicidad, son infinitamente complejos en su capacidad para desafiarnos y comprometernos. Como señaló Robert Morris, “La simplicidad de la forma no necesariamente equivale a la simplicidad de la experiencia.”

Imagen destacada: Daniel Göttin - Sin título E, 2005, Papel de aluminio sobre cartón corrugado, 25 x 25 in.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio