Arte y Belleza: Un Enfoque Neuroestético

Durante siglos, filósofos y artistas han buscado definir la naturaleza de la "belleza". Pensadores como Platón y Kant conceptualizaron la belleza como una idea trascendental o una experiencia estética desvinculada de deseos personales. Hoy, sin embargo, ha surgido una nueva comprensión a través de la lente de la neuroestética: la belleza podría no ser simplemente un concepto abstracto, sino un fenómeno fisiológico. Cuando una obra de arte se percibe como hermosa, activa mecanismos neuronales específicos que generan emociones positivas, principalmente a través de la liberación de dopamina. Si el arte puede crear "belleza", entonces también puede producir felicidad, un concepto profundamente arraigado en la biología humana.

¿Belleza: una simple reacción química?

La neuroestética, un campo explorado por investigadores como el neurólogo Semir Zeki, sugiere que la percepción de la belleza activa regiones específicas del cerebro, como la corteza orbitofrontal medial, que está asociada con sentimientos de placer y recompensa. En el estudio de Zeki "La experiencia de la belleza matemática y su relación con la percepción de la belleza visual" (2011), demuestra que la percepción de la belleza—ya sea matemática o artística—se basa en procesos neurológicos similares. Esta investigación establece un vínculo directo entre la exposición a la belleza y la liberación de dopamina, un neurotransmisor clave en el sistema de recompensa del cerebro.

Así, contemplar una pintura, escultura o incluso una melodía armoniosa puede activar estos circuitos neuronales, proporcionando una sensación de bienestar. Esta noción se cita a menudo para explicar por qué ciertas obras de arte provocan una intensa respuesta emocional y positiva en los espectadores. En otras palabras, la belleza, lejos de ser una mera abstracción, puede ser la clave para provocar reacciones placenteras inmediatas en el cerebro humano.

Esto lleva a una pregunta central: si crear belleza en el arte produce felicidad, ¿se convierte el artista que elige crear belleza en un "creador de felicidad"? Por ejemplo, el pintor francés Pierre Bonnard, con sus pinturas bañadas en luz dorada y serenas escenas domésticas, parece haber orientado deliberadamente su trabajo hacia la creación de un sentido de calma y paz en el espectador. Su obra Comedor en el campo (1913) invita a los espectadores a contemplar un mundo de tranquilidad, evocando sentimientos de confort y serenidad.

Artistas de la Belleza: Productores de Emociones Positivas

A lo largo de la historia del arte, algunos artistas han buscado explícitamente capturar la "belleza", dejando de lado consideraciones sociopolíticas o narrativas. Yves Klein, con su obsesión por el monocromo y su famoso International Klein Blue (IKB), pretendía alcanzar una forma de belleza pura, desconectada de la representación figurativa o de mensajes. Para Klein, el color era el medio perfecto para lograr una experiencia estética trascendental, donde la belleza se percibía como una emoción universal.

De manera similar, Henri Matisse a menudo afirmaba que el color debería liberarse de sus funciones descriptivas para convertirse en un lenguaje en sí mismo. En obras como El loro y la sirena (1952-53), Matisse explora la belleza en su forma más pura, con formas simples y colores vivos que crean un ambiente alegre y armonioso. El propio Matisse afirmó que su objetivo era hacer arte que fuera "como un buen sillón", un refugio, un lugar de confort para el alma.

Para estos artistas, crear belleza es central en su práctica. Su objetivo no es representar realidades complejas, sino evocar una emoción positiva inmediata. Persiguen el placer estético, a menudo con la intención explícita de provocar reacciones agradables en sus espectadores.

¿Una visión reductora del arte?

Mientras que la búsqueda de la belleza es un noble esfuerzo, también tiene sus críticos. Muchos artistas y críticos argumentan que el arte no debería limitarse a producir emociones agradables. Marcel Duchamp, con su famosa Fuente (1917), rechazó la idea de que el arte tenía que ser "hermoso" para ser significativo. Para él, el arte también debería desafiar convenciones, desafiar expectativas y, a veces, provocar incomodidad. Duchamp buscó cambiar el enfoque de la pura contemplación estética para cuestionar la propia naturaleza del arte.

De manera similar, Francis Bacon, cuyas pinturas exploran los aspectos más oscuros y preocupantes de la experiencia humana, no buscó crear belleza, sino exponer la violencia y el dolor de la existencia. Sus retratos distorsionados, como su serie de Figuras, no tienen como objetivo consolar, sino confrontar a los espectadores con la brutal realidad de la condición humana. Para Bacon, el arte no podía reducirse a un placer visual; tenía que confrontar al espectador con la brutalidad de la vida.

Otro ejemplo es Goya, cuya pintura Saturno Devorando a Su Hijo (1819-1823) explora las profundidades del terror. En estas obras, la belleza se deja de lado intencionadamente para dar paso a una estética del miedo, confrontando al espectador con emociones mucho más complejas e inquietantes.

Estos ejemplos muestran que el arte puede (y debe) trascender el mero placer estético. El arte puede ser una fuerza para el comentario social, un catalizador para la reflexión, o incluso un desencadenante de incomodidad. Pero esto no significa que la belleza sea obsoleta en la práctica artística.

La belleza como un eje entre otros

A pesar de estas críticas, la búsqueda de la belleza sigue siendo un objetivo artístico perfectamente válido. Así como algunos artistas eligen abordar cuestiones políticas o sociales, otros se centran en crear belleza para producir emociones positivas. Lo "hermoso" en el arte no es un objetivo menor, sino simplemente una elección entre muchas.

Por ejemplo, Shepard Fairey, conocido por su cartel Hope que presenta a Barack Obama, se involucra políticamente a través de su arte. Aunque visualmente impactante, su trabajo no busca ser bello; su objetivo principal es transmitir un fuerte mensaje político.

Por otro lado, artistas como Claude Monet dedicaron sus vidas a capturar la belleza de la naturaleza. Su serie de Los Nenúfares explora la luz y el color de una manera que tiene como único objetivo evocar una sensación de paz y tranquilidad. Lejos de ser simplista o comercial, la búsqueda de Monet por capturar la belleza natural es un esfuerzo artístico tan profundo como cualquier obra comprometida políticamente.

Así, la búsqueda de la belleza, aunque a veces criticada como reductiva, es un camino artístico tan legítimo como otros. La belleza en el arte puede traer felicidad, ofrecer una pausa en medio del caos del mundo y crear momentos de pura contemplación.

El arte como fuente de felicidad

El arte centrado en la búsqueda de la belleza, como el trabajo de Matisse, Bonnard o Klein, no es ni reductivo ni carece de profundidad. Estos artistas no solo crean obras "agradables"; crean experiencias emocionales que resuenan profundamente con los espectadores. La investigación neuroestética muestra que estas obras afectan directamente a nuestros cerebros, liberando neurotransmisores asociados con el placer y la recompensa.

En un contexto contemporáneo, donde el arte a veces puede verse como excesivamente intelectual o conceptual, la búsqueda de la belleza nos recuerda que el arte también puede ser simplemente una fuente de felicidad. A pesar de que el arte puede ser subversivo, provocador o inquietante, también tiene la capacidad de traer alegría, serenidad y paz.

La belleza, lejos de ser una mera construcción cultural o una cuestión de gusto, está profundamente arraigada en nuestra biología. En este sentido, los artistas que eligen crear belleza no son solo creadores de emoción, sino que, de alguna manera, son productores de felicidad.

por Francis Berthomier