Abstracción y Naturaleza en las Pinturas de Ellsworth Kelly
Cuando un artista se vuelve famoso por hacer un tipo particular de obra, los ejemplos primordiales de ese tipo de obra tienden a convertirse en las piezas más valiosas del conjunto de obras del artista. Quizás por eso tantos de los pinturas de Ellsworth Kelly que encontramos en las colecciones de museos ejemplifican las obras de formas extrañas y monocromáticas que Kelly creó. Los observadores casuales pueden asumir que ese es el único tipo de arte que Kelly creó. También podrían asumir que el significado de estas piezas es puramente abstracto. Los monocromos de Kelly podrían fácilmente ser considerados como expresiones de abstracción geométrica, pintura de bordes duros, arte conceptual, arte de campo de color o Minimalismo. Y aunque algunas de esas tendencias pueden haber influido en Kelly en algún momento de su carrera, sería más preciso decir que los artistas que trabajan en esos campos fueron influenciados por él. Kelly fue un innovador. Y, sin que muchos lo supieran, sus pinturas no eran puramente abstractas, sino representaciones de formas que encontró en la naturaleza.
Las raíces naturales de Ellsworth Kelly
Kelly fue criado con una conexión personal con la naturaleza. Nació en 1923 en el idílico pueblo de Newburgh, Nueva York, a 60 millas al norte de Manhattan. Rodeado de bosques, colinas onduladas y el río, desarrolló una temprana apreciación por las plantas y animales de la naturaleza circundante. Después de estudiar arte y diseño en Pratt durante dos años, Kelly se enlistó en el ejército. Junto con varios otros artistas, Kelly fue parte del Ghost Army en la Segunda Guerra Mundial, una unidad para la cual estaba particularmente bien preparado, ya que su función era concebir y ejecutar operaciones de camuflaje para engañar a las tropas enemigas en el campo europeo.
Ellsworth Kelly - dibujo a lápiz del Jardín de las Tullerías, París, 1949
Después de la guerra, Kelly pasó varios años en París continuando su educación artística. Aunque su interés inicial estaba en los pintores figurativos, pronto se dio cuenta de que su interés estético personal no estaba en absoluto en el trabajo figurativo ornamentado, ni siquiera necesariamente en la pintura. Más bien, se sintió atraído por las formas simples de los objetos que veía a su alrededor. Hizo bocetos básicos de las formas que le interesaban, como ventanas, elementos arquitectónicos y varios elementos naturales como flores, arbustos, árboles, hojas y frutas.
El Jardín de las Tullerías hoy
Dibujos de Ellsworth Kelly
Cualquiera que fuera el tema que esbozara, Kelly reducía los objetos de su interés a sus formas más simples. Hizo estudios de las formas y comenzó a expresarlas en su arte. A lo largo de su carrera, los bocetos que realizó al principio de su vida inspiraron una enorme cantidad de pinturas, esculturas, serigrafías y otros objetos estéticos. Aunque las obras que creó a menudo se perciben como carentes de emoción, abstracciones minimalistas de formas sin sentido, la verdad es que hacen referencia a un lenguaje del mundo real específico de formas naturales que inspiraron a Kelly.
Ellsworth Kelly - Uva Silvestre, 1960, Lápiz sobre dos hojas de papel, 28 1/2 x 45 in, Colección del MoMA
En la década de 1960, hizo una serie de dibujos de varias frutas silvestres, verduras de jardín, árboles, ramas y las hojas y flores de varias otras plantas. Su dibujo de 1960 titulado Uva Silvestre reduce las hojas de la planta de uva silvestre a sus formas más simples. En su pintura de 1962 Rojo Blanco, Kelly toma esa forma exacta y la invierte sobre un lienzo blanco.
Ellsworth Kelly - Rojo Blanco, 1962, Óleo sobre lienzo, 80 1/8 x 90 1/4 in., Colección SFMOMA
En su dibujo de 1965 Grapefruit (mostrado a continuación como una litografía), Kelly reduce la imagen de un pomelo maduro y varias hojas colgando de una rama. La conglomeración de formas y la gama conceptual de colores representados por estos elementos se manifiestan ese mismo año en su litografía Blue and Yellow and Red-Orange.
Ellsworth Kelly - Grapefruit (Pamplemousse), 1965, Uno de una serie de doce litografías, 23 7/16 x 20 in., Colección del MoMA
Otro de los intereses de Kelly era la relación del espectador con el espacio en el que se presenta el arte. En su búsqueda por abordar este aspecto de la experiencia estética, Kelly hizo el avance en su trabajo que lo llevaría al icónico estilo visual que lo hizo famoso: objetos monocromáticos con forma que cuelgan en la pared. Estos objetos no eran realmente pinturas; eran más escultóricos por naturaleza, una distinción que Kelly consideraba irrelevante. Un ejemplo temprano de este tipo de trabajo es Yellow Piece. La forma de la pieza es una expresión madura de la combinación de sus inspiraciones naturales y el proceso de crear fenómenos estéticos manufacturados.
Ellsworth Kelly - Azul y amarillo y rojo-naranja (Bleu et jaune et rouge-orange), 1965, Litografía, 25 3/8 x 13 13/16 in.
Pinturas de Ellsworth Kelly
Pieza Amarilla, junto con otras obras en forma de Kelly, representa un gran salto conceptual. Al dar forma al lienzo, Kelly recontextualizó la pared y la arquitectura circundante. En lugar de que el lienzo actuara como un fondo para una imagen, la pared misma se convirtió en el soporte para la obra. En lugar de ser un entorno desconectado y ambiental en el que se contempla el arte, la arquitectura se convirtió en una parte integral de la experiencia del espectador. De esta manera, Kelly expresó perfectamente su inspiración. Hizo de la galería un entorno natural. Su arte era parte del entorno, creciendo de él, sostenido por él, realzado por él y realzándolo. Los espectadores lo encontraban de la misma manera que podrían encontrar una hoja, una flor, un tallo o cualquier otro elemento natural en un jardín o un campo.
Ellsworth Kelly - Pieza Amarilla, 1966, pintura de polímero sintético sobre lienzo, 75 x 75 in.
Algunas de sus piezas modeladas incluso ampliaron aún más su exploración en las relaciones estéticas espaciales al introducir una especie de elemento en capas, similar a un collage. Estas llamadas obras de "relieve" eran objetos en capas y multipaneles que combinaban dimensionalidad con lienzos modelados. Estas piezas se extienden hacia el espacio entre el objeto y el espectador, invitando a que surja una relación personal, casi antropomórfica, entre el espectador y la obra de arte. Integral a esta relación es la pregunta de cuáles son realmente las diferencias formales entre el espectador y la obra.
Ellsworth Kelly - Negro sobre Azul, 1963, Aluminio pintado, 81 ¾ x 64 ¼ in. x 6 in, Colección SFMOMA
Esculturas
Kelly también fue un prolífico creador de objetos escultóricos tradicionales. Sus esculturas siguen el mismo lenguaje estético que sus otras obras, haciendo referencia a las formas y composiciones naturales que aparecen en muchos de sus bocetos de la naturaleza. En la escultura de Kelly de 2002 Curvas Blancas vemos la reaparición de la forma de un solo pétalo de una flor de magnolia, tal como se captura en su litografía de 1966 Magnolia.
Ellsworth Kelly - Curvas Blancas, 2002, Aluminio blanco, Ubicado en el jardín de esculturas de la Fondation Beyeler, Riehen, Suiza
La próxima vez que te encuentres con la obra de Ellsworth Kelly, considérala desde el punto de vista de la inspiración que él mismo expresó. En lugar de interactuar con sus obras como si fueran objetos geométricos abstractos y sin emociones, considérelas como una expresión del lenguaje visual de la naturaleza que existe a nuestro alrededor. Como dijo Kelly: “dibujar plantas siempre me ha llevado a mis pinturas y mis esculturas. Todo mi trabajo proviene de la percepción. No soy un artista geométrico.”
Imagen destacada: Ellsworth Kelly Magnolia, 1966, Litografía, 24 1/4 x 34 3/4" Todas las imágenes © Ellsworth Kelly, todas las imágenes se utilizan solo con fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
