Abstracción y Naturaleza en las Pinturas de Ellsworth Kelly
Cuando un artista se vuelve famoso por crear un tipo particular de obra, los ejemplos principales de ese tipo de obra tienden a convertirse en las piezas más valiosas dentro de la producción del artista. Quizás por eso muchas de las pinturas de Ellsworth Kelly que encontramos en colecciones de museos ejemplifican las obras monocromáticas de formas extrañas que Kelly realizó. Los observadores casuales pueden suponer que ese es el único tipo de arte que Kelly creó. También podrían pensar que el significado de estas piezas es puramente abstracto. Los monocromos de Kelly podrían fácilmente tomarse como expresiones de abstracción geométrica, pintura de bordes definidos, arte conceptual, arte de campo de color o minimalismo. Y aunque algunas de esas tendencias pueden haber influido en Kelly en algún momento de su carrera, sería más exacto decir que los artistas que trabajaban en esos campos fueron influenciados por él. Kelly fue un innovador. Y, sin que muchos lo supieran, sus pinturas no eran puramente abstractas, sino representaciones de formas que encontraba en la naturaleza.
Las raíces naturales de Ellsworth Kelly
Kelly creció con una conexión personal con la naturaleza. Nació en 1923 en la idílica ciudad de Newburgh, a orillas del río Hudson, en Nueva York, a 60 millas al norte de Manhattan. Rodeado de bosques, colinas onduladas y el río, desarrolló desde temprano una apreciación por las plantas y animales de la naturaleza vecina. Tras estudiar arte y diseño en Pratt durante dos años, Kelly se enlistó en el ejército. Junto con varios otros artistas, Kelly formó parte del Ejército Fantasma en la Segunda Guerra Mundial, una unidad para la cual estaba particularmente bien preparado, ya que su función era concebir y ejecutar operaciones de camuflaje para engañar a las tropas enemigas en el campo europeo.
Ellsworth Kelly - dibujo a lápiz del Jardín de las Tullerías, París, 1949
Después de la guerra, Kelly pasó varios años en París continuando su educación artística. Aunque su interés inicial estaba en pintores figurativos, pronto notó que su interés estético personal no estaba en obras figurativas ornamentadas, ni siquiera necesariamente en la pintura. Más bien, se sintió atraído por las formas simples de los objetos que veía a su alrededor. Hizo bocetos básicos de formas que le interesaban, como ventanas, elementos arquitectónicos y varios elementos naturales como flores, arbustos, árboles, hojas y frutos.
El Jardín de las Tullerías hoy
Dibujos de Ellsworth Kelly
Cualquiera que fuera el tema que dibujara, Kelly reducía los objetos de su interés a sus formas más simples. Realizó estudios de las formas y comenzó a expresarlas en su arte. A lo largo de su carrera, los bocetos que hizo en su juventud inspiraron una gran cantidad de pinturas, esculturas, serigrafías y otros objetos estéticos. Aunque las obras que creó a menudo se perciben como carentes de emoción, abstracciones minimalistas de formas sin sentido, la verdad es que hacen referencia a un lenguaje específico y real de formas naturales que inspiraron a Kelly.
Ellsworth Kelly - Uva silvestre, 1960, lápiz sobre dos hojas de papel, 28 1/2 x 45 pulgadas, Colección MoMA
En la década de 1960 realizó una serie de dibujos de diversas frutas silvestres, verduras de jardín, árboles, ramas y las hojas y flores de varias otras plantas. Su dibujo de 1960 titulado Uva silvestre reduce las hojas de la planta de uva silvestre a sus formas más simples. En su pintura de 1962 Rojo Blanco, Kelly toma esa forma exacta y la invierte sobre un lienzo blanco.
Ellsworth Kelly - Rojo Blanco, 1962, óleo sobre lienzo, 80 1/8 x 90 1/4 pulgadas, Colección SFMOMA
En su dibujo de 1965 Pomelo (mostrado abajo como litografía), Kelly reduce la imagen de un pomelo maduro y varias hojas colgando de una rama. La conglomeración de formas y la gama conceptual de colores representados por estos elementos se manifiestan ese mismo año en su litografía Azul y Amarillo y Rojo-Naranja.
Ellsworth Kelly - Pomelo (Pamplemousse), 1965, uno de una serie de doce litografías, 23 7/16 x 20 pulgadas, Colección MoMA
Otro de los intereses de Kelly era la relación del espectador con el espacio en el que se presenta el arte. En su búsqueda por abordar este aspecto de la experiencia estética, Kelly logró un avance en su obra que conduciría al estilo visual icónico que lo hizo famoso: objetos de formas monocromáticos que cuelgan en la pared. Estos objetos no eran realmente pinturas; tenían una naturaleza más escultórica, una distinción que Kelly consideraba irrelevante. Un ejemplo temprano de este tipo de obra es Pieza Amarilla. La forma de la pieza es una expresión madura de la combinación de sus inspiraciones naturales y el proceso de crear fenómenos estéticos manufacturados.
Ellsworth Kelly - Azul y Amarillo y Rojo-Naranja (Bleu et jaune et rouge-orange), 1965, litografía, 25 3/8 x 13 13/16 pulgadas.
Pinturas de Ellsworth Kelly
Pieza Amarilla, junto con otras obras de formas moldeadas de Kelly, representa un gran salto conceptual. Al moldear el lienzo, Kelly recontextualizó la pared y la arquitectura circundante. En lugar de que el lienzo actuara como fondo para una imagen, la pared misma se convirtió en el soporte de la obra. En lugar de ser un entorno desconectado y ambiental en el que se ve el arte, la arquitectura se volvió parte integral de la experiencia del espectador. De esta manera, Kelly expresó perfectamente su inspiración. Hizo de la galería un entorno natural. Su arte era parte del entorno, surgía de él, era sostenido por él, lo realzaba y a la vez lo enriquecía. Los espectadores lo encontraban de la misma manera que podrían encontrar una hoja, una flor, un tallo o cualquier otro elemento natural en un jardín o un campo.
Ellsworth Kelly - Pieza Amarilla, 1966, pintura sintética sobre lienzo, 75 x 75 pulgadas.
Algunas de sus piezas moldeadas extendieron aún más su exploración de las relaciones espaciales estéticas al introducir un elemento tipo collage en capas. Estas llamadas obras “en relieve” eran objetos en capas y con varios paneles que combinaban dimensionalidad con lienzos moldeados. Estas piezas se proyectan hacia el espacio entre el objeto y el espectador, invitando a que surja una relación personal, casi antropomórfica, entre el espectador y la obra de arte. Parte integral de esta relación es la pregunta sobre cuáles son realmente las diferencias formales entre el espectador y la obra.
Ellsworth Kelly - Negro sobre Azul, 1963, aluminio pintado, 81 ¾ x 64 ¼ x 6 pulgadas, Colección SFMOMA
Esculturas
Kelly también fue un prolífico creador de objetos escultóricos tradicionales. Sus esculturas siguen el mismo lenguaje estético que sus otras obras, haciendo referencia a las formas y composiciones naturales que aparecen en muchos de sus bocetos de la naturaleza. En la escultura de Kelly de 2002 Curvas Blancas vemos la reaparición de la forma de un solo pétalo de una flor de magnolia, tal como fue capturada en su litografía de 1966 Magnolia.
Ellsworth Kelly - Curvas Blancas, 2002, aluminio blanco, ubicado en el jardín de esculturas de la Fondation Beyeler, Riehen, Suiza
La próxima vez que te encuentres con la obra de Ellsworth Kelly, considérala desde el punto de vista de la inspiración que él mismo expresó. En lugar de interactuar con sus obras como si fueran objetos geométricos puramente abstractos y sin emoción, considéralos como una expresión del lenguaje visual de la naturaleza que nos rodea. Como dijo Kelly, “dibujar plantas siempre me ha llevado a mis pinturas y esculturas. Todo mi trabajo proviene de la percepción. No soy un artista geométrico.”
Imagen destacada: Ellsworth Kelly Magnolia, 1966, litografía, 24 1/4 x 34 3/4" Todas las imágenes © Ellsworth Kelly, todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
