La Madre Den de la Expresionismo Abstracto - Betty Parsons

Betty Parsons murió hace 35 años, cuando yo tenía 13 años. Nunca la conocí. Teóricamente, supongo que podría haberla conocido, si hubiera sabido intentarlo. Pero no tenía idea de que existía hasta que fue demasiado tarde. Imagino que muchas personas lamentan no haber llegado a conocer a Parsons. Ella fue una revolucionaria del Arte Moderno. Aunque sospecho que no tenía idea de que lo haría, su ejemplo me inspiró, y creo que a muchos miembros de mi generación, a esforzarse por nuevos modelos de autenticidad y excepcionalidad en el arte. Desde colectivos de arte sin fines de lucro, hasta espacios de proyectos dirigidos por artistas, hasta museos experimentales, el mundo del arte hoy está lleno de personas y lugares que valoran el gran arte por encima del gran beneficio. Parsons es a quien agradezco por ese legado. Pero se ha escrito extensamente sobre ella, en las revistas de arte más prestigiosas, por escritores mucho más logrados que yo. No hay nada novedoso que pueda informar sobre ella. Pero dado que fue única de una manera que mi alma aprecia, estoy, no obstante, inclinado a intentarlo. Su apodo, “la madre de la manada del Expresionismo Abstracto,” apareció en un artículo en ARTnews de 1979, escrito por Grace Lichtenstein. El apodo se refería a cómo Parsons creía en, nutría y mostraba el trabajo de Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still y Barnett Newman cuando nadie más en América lo haría. Ese artículo también revela la complejidad y profundidad que Parsons poseía como artista, aficionada y como empresaria. Mientras tanto, una entrevista grabada con Parsons en 1977 por la artista Helène Aylon y publicada en su totalidad por Judith Stein en Art in America Magazine en 2013, va muy lejos para revelar lo que era extraordinario sobre Parsons como ser humano. La mejor manera en que siento que puedo rendir homenaje a Parsons es centrándome en estos dos perfiles, creados por aquellos que realmente la conocieron en vida. Aquí, extraídos de ellos, hay diez citas que han hecho de Parsons un héroe personal mío por cómo me recuerdan lo que es importante cuando se trata de la creación y apreciación del arte.

"Gracias a Dios, hoy no parece haber ningún 'ismo'. Odio las modas."

A menudo tratamos de nombrar los movimientos de hoy. ¿Por qué hacemos esto? Porque las etiquetas hacen que los productos sean más fáciles de vender, especialmente a personas sin mucha educación o apreciación real. En lugar de creer en tendencias, Parsons priorizó lo que era bueno y encontró alegría en lo que era diferente.

"Siempre me ha fascinado lo que llamo 'la presencia invisible'. Lo más permanente en este mundo es lo invisible; nunca puedes escapar de ello."

Algunos artistas piensan que solo pueden tener éxito si poseen una identidad comercializable, o si hacen arte específicamente sobre un tema que es popular entre las audiencias contemporáneas. Parsons se centró en lo desconocido. En lugar de promover el arte de lo obvio, se sintió atraída por el arte que revela lo que está oculto.

"Creo en la tensión. Si estás pintando un cuadro, y no tiene tensión, no tiene emoción."

La tensión en una obra de arte puede originarse en algo dentro de ella que es irreconocible para un espectador. O puede originarse en algo que se considera vulgar o grosero. Otras veces, la tensión proviene de algo que simplemente no encontramos bello. En lugar de apartar la mirada de estas cosas, Parsons las abrazó, viendo en ellas oportunidades para desafiarse a sí misma a crecer.

Betty Parsons - Verde #1, 1971, acrílico sobre lienzo, © 2018 La herencia de Betty Parsons, Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York

"Estoy interesado en pinturas importantes, no en el hogar."

Parsons mostró su trabajo en habitaciones con paredes blancas desnudas y suelos desnudos. No hizo un esfuerzo adicional para convencer a los coleccionistas de que compraran. Ella veía su trabajo como teniendo dos partes: promover la integridad del artista y convencer al público de que la obra era válida por razones no relacionadas con lo bien que pudiera verse sobre sus sofás.

"No quiero estar cargado con todas estas riquezas; me aburrirían hasta la muerte."

Parsons nació en la alta sociedad, pero rechazó los atavíos de la riqueza. Después de perderlo todo en la Gran Depresión, comenzó desde cero. Durante los siguientes cincuenta años, a menudo tuvo dificultades para pagar las cuentas. Vendió suficiente trabajo (el suyo y el de los artistas que representaba) para mantener las luces encendidas, y consideró que eso era la definición de éxito financiero.

"El mundo abstracto se consideraba frío porque no tenía figuras. Pero tenía fuego, energía, naturaleza, luz, espacio—se concentraba en todos esos valores."

Parsons tenía la confianza de creer en su propio gusto. Entendió la abstracción mucho antes que la mayoría de los estadounidenses. Confiaba en su propia visión, sin importar lo que dijera o hiciera el resto del mundo del arte.

"Siempre estuve diez años por delante de mi tiempo. Esa es la historia de mi vida."

Cuando no estás teniendo éxito financieramente, es tentador pensar que es porque lo que haces no tiene valor. Parsons se dio cuenta de que a veces la razón por la que nadie está comprando tu trabajo es porque no lo reconocen, porque es del futuro.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrílico sobre lienzo (Izquierda) / Sputnik, 1961, acrílico sobre lienzo (Derecha), © 2018 La herencia de Betty Parsons, Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York

"Siempre identifícate con el arte; nunca te identifiques con el artista."

Parsons despreciaba a algunos artistas pero adoraba su trabajo. Ella entendía que los artistas no tienen que ser agradables, sociables o encantadores. Los artistas no son vendedores ni políticos. Su trabajo habla por sí mismo.

"[Los artistas que represento] se vuelven más libres y creativos a medida que avanzan. Siempre he fomentado eso."

Algunos galeristas animan a los artistas a encontrar un estilo que se venda y luego apegarse a él. Parsons desafiaba a los artistas que mostraba. Ella creía que el dinamismo y el crecimiento son clave para mejorar, y que las ventas son el aspecto menos importante de una carrera artística.

"Todos somos parte de todo."

Parsons fue frecuentemente preguntada sobre sus creencias en temas sociales. Esta cita fue su respuesta a una de esas preguntas. Ella sabía que el arte tiene la capacidad de revelar la realidad de que nuestras universalidades superan con creces aquellas cosas que nos separan. Esta cita me ha influenciado más. Vale la pena repetirla constantemente, porque es muy fácil olvidar.

Betty Parsons - Réquiem, 1963, acrílico sobre lienzo, © 2018 La herencia de Betty Parsons, Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York

Imagen destacada: Betty Parsons - Naranja, 1956, acrílico sobre lienzo, © 2018 La herencia de Betty Parsons, Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio