La Madre Den de la Expresionismo Abstracto - Betty Parsons
Betty Parsons murió hace 35 años, cuando yo tenía 13. Nunca la conocí. En teoría, supongo que podría haberla conocido, si hubiera sabido que debía intentarlo. Pero no tenía ni idea de que existía hasta que fue demasiado tarde. Imagino que muchas personas lamentan no haber llegado a conocer a Parsons. Fue una revolucionaria del arte moderno. Aunque sospecho que no tenía idea de que ocurriría, su ejemplo me inspiró, y creo que inspiró a muchos miembros de mi generación, a esforzarnos por encontrar nuevos modelos de autenticidad y excepcionalidad en el arte. Desde colectivos artísticos sin ánimo de lucro hasta espacios de proyectos gestionados por artistas y museos experimentales, el mundo del arte actual está repleto de personas y lugares que valoran el gran arte por encima de los grandes beneficios. A Parsons le agradezco ese legado. Pero se ha escrito mucho sobre ella, en las revistas de arte más prestigiosas, por parte de escritores mucho más reconocidos que yo. No puedo aportar nada novedoso sobre ella. Pero, como fue única de una manera que mi alma aprecia, aun así me siento inclinado a intentarlo. Su apodo, «la madre adoptiva del expresionismo abstracto», apareció en un artículo de ARTnews de 1979, escrito por Grace Lichtenstein. El apodo aludía a la forma en que Parsons creyó en la obra de Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still y Barnett Newman, la apoyó y la exhibió cuando nadie más en Estados Unidos lo hacía. Ese artículo también revela la complejidad y profundidad que Parsons poseía como artista, aficionada y empresaria. Por otro lado, una entrevista grabada con Parsons en 1977 por la artista Helène Aylon y publicada íntegramente por Judith Stein en Art in America Magazine en 2013 contribuye enormemente a revelar qué tenía de extraordinario Parsons como ser humano. La mejor manera que se me ocurre de rendir homenaje a Parsons es centrarme en estos dos perfiles, creados por quienes realmente la conocieron en vida. Aquí, extraídas de ellos, hay diez citas que han convertido a Parsons en una heroína personal para mí, por cómo me recuerdan qué es importante a la hora de crear y apreciar arte.
«Gracias a Dios, hoy no parece haber ningún “ismo”. Odio las modas».
A menudo intentamos poner nombre a los movimientos actuales. ¿Por qué lo hacemos? Porque las etiquetas facilitan la venta de productos, especialmente a personas con poca educación o verdadera capacidad de apreciación. En lugar de creer en las tendencias, Parsons daba prioridad a lo que era bueno y encontraba alegría en lo diferente.
«Siempre me ha fascinado lo que llamo “la presencia invisible”. Lo más permanente en este mundo es lo invisible; nunca puedes escapar de ello».
Algunos artistas creen que solo pueden triunfar si poseen una identidad comercializable o si crean arte específicamente sobre un tema determinado que sea popular entre el público contemporáneo. Parsons se centraba en lo desconocido. En lugar de promover el arte de lo obvio, se sentía atraída por el arte que revelaba lo oculto.
«Creo en la tensión. Si estás pintando un cuadro y no tiene tensión, no tiene emoción».
La tensión en una obra de arte puede originarse en algo que haya en ella y que resulte irreconocible para el espectador. O puede surgir de algo considerado vulgar o burdo. Otras veces, la tensión procede de algo que simplemente no nos parece bello. En lugar de apartar la mirada de estas cosas, Parsons las abrazaba y veía en ellas oportunidades para desafiarse a sí misma y crecer.
Betty Parsons - Green #1, 1971, acrílico sobre lienzo, © 2018 The Estate of Betty Parsons, cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York
«Me interesan las pinturas importantes, no el hogar».
Parsons exhibía obras en salas con paredes y suelos blancos y desnudos. No hacía ningún esfuerzo adicional por convencer a los coleccionistas de comprar. Consideraba que su trabajo tenía dos partes: promover la integridad del artista y convencer al público de que la obra era válida por razones ajenas a lo bien que pudiera verse sobre sus sofás.
«No quiero estar cargada de todas estas riquezas; me aburrirían hasta la muerte».
Parsons nació en la alta sociedad, pero rechazó los símbolos de la riqueza. Después de perderlo todo durante la Gran Depresión, empezó desde cero. Durante los cincuenta años siguientes, a menudo tuvo dificultades para pagar las facturas. Vendía suficientes obras, propias y de los artistas que representaba, para mantener las luces encendidas, y consideraba que esa era la definición del éxito financiero.
«El mundo abstracto se consideraba frío porque no tenía figuras. Pero tenía fuego, energía, naturaleza, luz, espacio; se concentraba en todos esos valores».
Parsons tenía la confianza necesaria para creer en su propio gusto. Entendió la abstracción mucho antes que la mayoría de los estadounidenses. Confió en su propia visión, independientemente de lo que dijera o hiciera el resto del mundo del arte.
«Siempre estuve diez años por delante de mi época. Esa es la historia de mi vida».
Cuando no tienes éxito financiero, es tentador pensar que se debe a que lo que haces no tiene valor. Parsons comprendió que a veces la razón por la que nadie compra tu obra es que no la reconoce, porque pertenece al futuro.
Betty Parsons - Challenge, 1976, acrílico sobre lienzo (izquierda) / Sputnik, 1961, acrílico sobre lienzo (derecha), © 2018 The Estate of Betty Parsons, cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York
«Identifícate siempre con el arte; nunca con el artista».
Parsons detestaba a algunos artistas, pero adoraba su obra. Entendía que los artistas no tienen que ser agradables, sociables ni encantadores. Los artistas no son vendedores ni políticos. Su obra habla por sí misma.
«[Los artistas a los que represento] se vuelven más libres y creativos a medida que avanzan. Siempre los he animado a ello».
Algunos galeristas animan a los artistas a encontrar un estilo que venda y luego aferrarse a él. Parsons desafiaba a los artistas que exhibía. Creía que el dinamismo y el crecimiento son fundamentales para mejorar, y que las ventas son el aspecto menos importante de una carrera artística.
«Todos formamos parte de todo».
A Parsons le preguntaban a menudo cuáles eran sus opiniones sobre cuestiones sociales. Esta cita fue su respuesta a una de esas preguntas. Sabía que el arte tiene la capacidad de revelar que nuestras semejanzas universales superan con creces aquello que nos divide. Esta cita es la que más me ha influido. Hay que repetirla constantemente, porque es muy fácil olvidarla.
Betty Parsons - Requiem, 1963, acrílico sobre lienzo, © 2018 The Estate of Betty Parsons, cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York
Imagen destacada: Betty Parsons - Orange, 1956, acrílico sobre lienzo, © 2018 The Estate of Betty Parsons, cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York
Todas las imágenes se utilizan únicamente con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio 2018
Editado por IdeelArt (2026)
