La Madre Den de la Expresionismo Abstracto - Betty Parsons

Betty Parsons murió hace 35 años, cuando yo tenía 13 años. Nunca la conocí. Teóricamente, supongo que podría haberla conocido, si hubiera sabido intentarlo. Pero no tenía idea de que existía hasta que fue demasiado tarde. Imagino que muchas personas lamentan no haber llegado a conocer a Parsons. Fue una revolucionaria del Arte Moderno. Aunque sospecho que ella no tenía idea de ello, su ejemplo me inspiró, y creo que a muchos miembros de mi generación, a buscar nuevos modelos de autenticidad y excepcionalidad en el arte. Desde colectivos artísticos sin fines de lucro, hasta espacios de proyectos dirigidos por artistas, y museos experimentales, el mundo del arte hoy está lleno de personas y lugares que valoran el gran arte por encima del gran beneficio. A Parsons le agradezco ese legado. Pero se ha escrito mucho sobre ella, en las revistas de arte más prestigiosas, por escritores mucho más capacitados que yo. No hay nada novedoso que pueda contar sobre ella. Pero dado que fue única de una manera que mi alma aprecia, no obstante me inclino a intentarlo. Su apodo, “la madre protectora del Expresionismo Abstracto,” apareció en un artículo en ARTnews de 1979, escrito por Grace Lichtenstein. El apodo se refería a cómo Parsons creyó en, apoyó y mostró la obra de Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still y Barnett Newman cuando nadie más en América lo hacía. Ese artículo también revela la complejidad y profundidad que Parsons poseía como artista, aficionada y como persona de negocios. Mientras tanto, una entrevista grabada con Parsons en 1977 por la artista Helène Aylon y publicada íntegramente por Judith Stein en Art in America Magazine en 2013 revela en gran medida lo extraordinario que fue Parsons como ser humano. La mejor manera en que siento que puedo rendir homenaje a Parsons es centrarme en estos dos perfiles, creados por quienes realmente la conocieron en vida. Aquí, extraídas de ellos, están diez citas que han hecho de Parsons una heroína personal para mí, porque me recuerdan qué es importante cuando se trata de la creación y apreciación del arte.

"Gracias a Dios parece que hoy no hay ‘ismos’. Odio las modas."

A menudo intentamos nombrar los movimientos de hoy. ¿Por qué hacemos esto? Porque las etiquetas hacen que los productos sean más fáciles de vender, especialmente a personas con poca educación o verdadera apreciación. En lugar de creer en las tendencias, Parsons priorizaba lo que era bueno y encontraba alegría en lo diferente.

"Siempre me ha fascinado lo que llamo ‘la presencia invisible’. Lo más permanente en este mundo es lo invisible; nunca te libras de ello"

Algunos artistas piensan que solo pueden tener éxito si poseen una identidad vendible, o si hacen arte específicamente sobre un tema popular entre el público contemporáneo. Parsons se centró en lo desconocido. En lugar de promover el arte de lo obvio, se sentía atraída por el arte que revela lo oculto.

"Creo en la tensión. Si estás pintando un cuadro y no tiene tensión, no tiene emoción."

La tensión en una obra puede originarse en algo dentro de ella que es irreconocible para el espectador. O puede originarse en algo considerado vulgar o grosero. Otras veces, la tensión proviene de algo que simplemente no encontramos bello. En lugar de apartar la mirada de estas cosas, Parsons las abrazaba, viendo en ellas oportunidades para desafiarse a sí misma y crecer.

Betty Parsons - Verde #1, 1971, acrílico sobre lienzo, © 2018 El Patrimonio de Betty Parsons, Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York

"Me interesan las pinturas importantes, no las del hogar."

Parsons mostraba obras en salas con paredes blancas y suelos desnudos. No hacía ningún esfuerzo extra para convencer a los coleccionistas de comprar. Veía su trabajo como compuesto de dos partes: promover la integridad del artista y convencer al público de que la obra era válida por razones ajenas a lo bien que pudiera lucir sobre sus sofás.

"No quiero estar cargada con todas estas riquezas—me aburrirían hasta la muerte."

Parsons nació en la alta sociedad, pero rechazó las apariencias de la riqueza. Después de perderlo todo en la Gran Depresión, empezó de nuevo desde cero. Durante los siguientes cincuenta años, a menudo tuvo dificultades para pagar las cuentas. Vendió suficiente obra (de ella misma y de los artistas que representaba) para mantener las luces encendidas, y consideraba eso la definición de éxito financiero.

"El mundo abstracto se consideraba frío porque no tenía figuras. Pero tenía fuego, energía, naturaleza, luz, espacio—se concentraba en todos esos valores."

Parsons tuvo la confianza para creer en su propio gusto. Entendió la abstracción mucho antes que la mayoría de los estadounidenses. Confiaba en su propia visión, sin importar lo que dijera o hiciera el resto del mundo del arte.

"Siempre estuve diez años adelantada a mi tiempo. Esa es la historia de mi vida."

Cuando no tienes éxito económico, es tentador pensar que es porque lo que haces no tiene valor. Parsons comprendió que a veces la razón por la que nadie compra tu obra es porque no la reconocen, porque es del futuro.

Betty Parsons - Desafío, 1976, acrílico sobre lienzo (izquierda) / Sputnik, 1961, acrílico sobre lienzo (derecha), © 2018 El Patrimonio de Betty Parsons, Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York

"Siempre identifícate con el arte; nunca con el artista."

Parsons despreciaba a algunos artistas pero adoraba su obra. Entendía que los artistas no tienen que ser agradables, sociables o encantadores. Los artistas no son vendedores ni políticos. Su obra habla por sí misma.

"[Los artistas que represento] se vuelven más libres y creativos a medida que avanzan. Siempre he alentado eso."

Algunos galeristas animan a los artistas a encontrar un estilo que venda y luego ceñirse a él. Parsons desafiaba a los artistas que mostraba. Creía que el dinamismo y el crecimiento son clave para mejorar, y que las ventas son el aspecto menos importante de una carrera artística.

"Todos somos parte de todo."

A Parsons se le preguntaba frecuentemente sobre sus creencias en temas sociales. Esta cita fue su respuesta a una de esas preguntas. Sabía que el arte tiene la capacidad de revelar la realidad de que nuestras universalidades superan con creces aquellas cosas que nos separan. Esta cita me ha influido más. Merece ser repetida constantemente, porque es muy fácil olvidarla.

Betty Parsons - Réquiem, 1963, acrílico sobre lienzo, © 2018 El Patrimonio de Betty Parsons, Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York

Imagen destacada: Betty Parsons - Naranja, 1956, acrílico sobre lienzo, © 2018 El Patrimonio de Betty Parsons, Cortesía de Alexander Gray Associates, Nueva York
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio