El arte oscuro y abstracto de Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb fue una de las figuras clave en la abstracción de mediados del siglo XX. Sus pinturas son emotivas, escasas y primitivas, y muchas personas las consideran oscuras. Pero Gottlieb se veía a sí mismo como lo opuesto a lo oscuro. Sentía que era enérgico, complejo, apasionadamente moderno y alguien que iluminaba el camino, guiando con su arte hacia algo mejor para la humanidad. Nacido en la ciudad de Nueva York al comienzo de uno de los períodos más tumultuosos de la historia humana, Gottlieb definitivamente alcanzó la madurez en una oscuridad: un tiempo de angustia social, política y económica, cuando el futuro de la sociedad estaba en cuestión de una manera real y concreta. Es claro no solo por su arte, sino también por sus escritos, que las ansiedades y ambigüedades de la Primera Guerra Mundial, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial contribuyeron absolutamente al desarrollo de su visión estética. Pero esa visión estética no era solo de tristeza o fatalidad, como han sugerido muchos críticos. De hecho, era una a través de la cual Gottlieb simplemente se esforzaba por comunicar la verdad sobre el corazón y la mente humanos, de una manera esperanzadora. Quizás es inevitable que tal verdad, tal como Gottlieb la percibía, deba incluir algún grado de locura y caos. Pero el extenso cuerpo de trabajo que Gottlieb dejó atrás cuando murió en 1974 también incluía lo bello, lo sereno, lo pacífico y lo sublime. Esas complejidades paradójicas, que definieron su visión del mundo a veces controvertida, llevaron a Adolph Gottlieb a redefinir el arte abstracto, y resultaron en la creación de una obra que apenas ahora comienza a ser reconocida por su verdadera brillantez y luz.
Un artista de corazón
Adolph Gottlieb nació en una familia de inmigrantes de clase trabajadora en Nueva York en 1904. En comparación con muchos de los otros niños que crecían en el Lower East Side en ese momento, tuvo un comienzo tremendo en la vida, ya que sus padres construyeron un negocio de papelería exitoso y esperaban heredárselo algún día. Pero desde muy joven supo con certeza que todo lo que quería ser era un artista. Estaba tan seguro de ese hecho que abandonó la escuela a los 15 años para dedicarse por completo a su arte. Asistió a conferencias en la Art Students League, una institución dirigida por artistas donde muchos artistas que eventualmente se convirtieron en parte del movimiento Expresionista Abstracto asistieron a clases. Y luego, a la edad de solo 17 años, Gottlieb se fue a Europa, ganándose su pasaje trabajando a bordo de un barco con destino a Francia.
Su creencia juvenil en sus habilidades dio sus frutos en el extranjero, ya que rápidamente se familiarizó con el mundo del Modernismo Europeo. En contraste con el arte americano de la década de 1920, el arte europeo de la época era fantásticamente inventivo. Estuvo expuesto al Fauvismo, Cubismo, Suprematismo, Futurismo y Abstracción Geométrica. Frecuentaba museos y asistía a cualquier clase de arte gratuita que pudiera encontrar. Y cuando su visa expiró, pasó casi otro año viajando por toda Europa. En el camino, se convenció de que los artistas europeos estaban conectados a algo importante. En particular, se fascinó con la creciente influencia del arte tribal, una tendencia que lo inspiró a rechazar el coloquialismo del arte figurativo americano en lugar de buscar universalidades dentro de símbolos antiguos y tradiciones visuales centenarias.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Serigrafía en color, 31 1/8 × 23 1/8 in, 79.1 × 58.7 cm (Izquierda) y Flying Lines, 1967, Serigrafía en color, 30 × 22 in, 76.2 × 55.9 cm, créditos de foto Marlborough Gallery
El Artista Filósofo
Cuando Gottlieb regresó a Nueva York en 1922, trajo consigo un sentido de su propia responsabilidad como artista. Se vio a sí mismo como una fuerza modernizadora para su cultura y abrazó la noción de que los artistas deberían ser filósofos y agentes de cambio social. Terminó su formación artística y, durante los siguientes años, se hizo amigo de un grupo de otros artistas/filósofos, como Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith y Milton Avery, algunos de los cuales eventualmente se convertirían en los artistas estadounidenses más famosos de su generación. Gottlieb y sus compadres eran anomalías. Eran artistas abstractos, o al menos artistas que hacían arte que se interpretaba como abstracto, pero también estaban ansiosos por hablar públicamente sobre el significado de su trabajo.
En ese momento, los artistas de vanguardia, y especialmente los artistas abstractos, no eran comprendidos en los Estados Unidos, y definitivamente no eran ampliamente respetados—ni siquiera en Nueva York. Muchos tenían dificultades para abogar por sí mismos y su valor, y especialmente por el valor de los ideales estéticos modernistas. Pero Gottlieb era un defensor natural y un comunicador nato. Estaba políticamente y socialmente comprometido, y era rápido para hablar en favor de lo que consideraba importante. En 1935, Gottlieb y su amigo Mark Rothko (entonces conocido como Marcus Rothkowitz) pusieron sus creencias en acción formando un grupo llamado The Ten. Incluía a Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg y Yankel Kufeld. En protesta abierta contra las tendencias predominantes en la escena curatorial de Nueva York, The Ten exhibieron su trabajo abstracto juntos, rechazando lo que llamaron “la reputada equivalencia de la pintura americana y la pintura literal.”
Adolph Gottlieb - Suelo Rojo, Óleo sobre papel montado en lienzo
Los pictogramas
Uno de los primeros avances hacia el estilo abstracto maduro que Gottlieb desarrollaría eventualmente se produjo a principios de la década de 1940, en forma de sus pinturas Pictograph. Estas obras eran esencialmente intentos de crear un nuevo lenguaje simbólico de imágenes que pudiera comunicar emociones y sentimientos universales. Gottlieb conceptualizó sus pinturas Pictograph de tal manera que su superficie estaba aplanada, eliminando la profundidad y cualquier sentido de ilusión que pudiera asociarse con sus elementos figurativos. También democratizó todas las áreas del lienzo en una referencia presciente a lo que pronto se llamaría pintura "all-over". Sus Pictographs empleaban una crudeza reminiscentes de marcas infantiles y evocaban las tendencias estéticas de las sociedades tribales.
En cierto sentido, Gottlieb estaba tratando de crear un nuevo alfabeto de imágenes en la tradición de los jeroglíficos o los kanji chinos. Pero en lugar de intentar comunicar narrativas específicas, intentaba destilar sus declaraciones hasta lo esencial. En lugar de detallar los mitos a los que hacía referencia, intentó comunicar los sentimientos humanos colectivos que habitan en su núcleo. Para lograr este objetivo, creó cuidadosamente imágenes que eran totalmente originales y libres de asociaciones externas, con la esperanza de que su naturaleza universal trascendiera las pequeñas diferencias culturales que mantenían a las personas separadas.
Adolph Gottlieb - Pictograma, 1942, Óleo sobre tabla de artista, 29 1/4 × 23 1/4 in, 74.3 × 59.1 cm, créditos de foto Hollis Taggart Galleries, Nueva York (Izquierda) y Sin título, 1949, Pastel sobre papel, 24 × 18 in, 61 × 45.7 cm, créditos de foto Berggruen Gallery, San Francisco (Derecha)
Paisajes Imaginarios
A medida que Gottlieb desarrollaba sus Pictogramas, se involucró en un proceso de simplificación. A través de ese proceso, llegó a una serie de obras que llamó Paisajes Imaginarios. A diferencia de los Pictogramas, que no enfatizaban claramente ninguna parte de la imagen, Gottlieb separó el plano pictórico en estas pinturas en dos áreas distintas mediante la introducción de una línea de horizonte. Debajo de la línea, Gottlieb añadió garabatos pictográficos. Por encima de la línea, añadió formas geométricas de colores. Los Paisajes Imaginarios sugirieron una relación jerárquica entre los dos tipos de imágenes. Representado como subordinado está una expresión garabateada, emocional y complicada de la angustia humana. Flotando por encima está una expresión simple y directa de pureza universal.
El Paisaje Imaginario se simplificó aún más en lo que Gottlieb llamó pinturas Explosión. En estas obras eliminó la línea del horizonte, pero retuvo el garabato en la parte inferior y la forma unificada en la parte superior. Las Explosiones utilizaron grandes campos de color y unificaron el elemento del color con el de la forma. Invitaron a la contemplación en un nivel casi sagrado y parecieron comunicar el concepto de una relación simbiótica entre alguna conciencia superior e inferior.
Adolph Gottlieb - Paisaje Imaginario, 1971, Aguatinta en colores, sobre papel Fabriano, con márgenes completos, 26 3/10 × 32 1/2 in, 66.7 × 82.6 cm
El legado de Adolph Gottlieb
En 1970, Gottlieb sufrió un derrame cerebral y perdió el uso del lado izquierdo de su cuerpo. Sin embargo, continuó creando obras, produciendo algunas de las expresiones más profundas y extremas de su serie Burst solo un año antes de su muerte. Para cuando terminó su vida, era conocido no solo por el cuerpo de trabajo único que creó, sino también por su influencia en el trabajo de otros. Sus filosofías fueron fundamentales para las ideas de los Expresionistas Abstractos. Y su visión estética se considera que tuvo influencia en el auge de la Pintura de Campo de Color y Minimalismo.
Pero igualmente importante para el legado estético de las pinturas, esculturas y grabados que Adolph Gottlieb creó a lo largo de sus 70 años es la contribución que hizo a la comunidad artística más amplia a la que pertenecía—esa que trasciende los avances formales, generaciones y movimientos. Gottlieb tenía una visión del artista como alguien no separado del resto de la sociedad, sino intrínsecamente conectado con ella. Creía en el potencial del arte para transformar la civilización, y que era importante discutir ideas estéticas abiertamente y en un lenguaje claro para que pudieran ser entendidas por todos. Percibió que los artistas son esenciales para la capacidad que tiene una cultura de entenderse a sí misma, y a través de su trabajo demostró la responsabilidad que todos los artistas tienen de expresar la locura, el caos, el brillo, la belleza, la oscuridad y la luz de su tiempo.
Imagen destacada: Adolph Gottlieb -
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
