El arte oscuro y abstracto de Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb fue una de las figuras clave en la abstracción de mediados del siglo XX. Sus pinturas son emotivas, escasas y primitivas, y muchas personas las consideran oscuras. Pero Gottlieb se veía a sí mismo como lo opuesto a la oscuridad. Sentía que era enérgico, complejo, apasionadamente moderno y alguien que iluminaba el camino con su arte hacia algo mejor para la humanidad. Nacido en la ciudad de Nueva York al comienzo de uno de los períodos más tumultuosos de la historia humana, Gottlieb definitivamente maduró en una época oscura: un tiempo de angustia social, política y económica, cuando el futuro de la sociedad estaba en duda de manera real y concreta. No solo su arte, sino también sus escritos dejan claro que las ansiedades y ambigüedades de la Primera Guerra Mundial, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial contribuyeron absolutamente al desarrollo de su visión estética. Pero esa visión estética no era solo de tristeza o fatalidad, como han sugerido muchos críticos. De hecho, era una visión a través de la cual Gottlieb simplemente se esforzaba por comunicar la verdad sobre el corazón y la mente humana, de manera esperanzadora. Quizás sea inevitable que tal verdad, tal como la percibía Gottlieb, incluya cierto grado de locura y caos. Pero el extenso cuerpo de obra que Gottlieb dejó al morir en 1974 también incluía lo bello, lo sereno, lo pacífico y lo sublime. Esas complejidades paradójicas, que definieron su a veces controvertida visión del mundo, llevaron finalmente a Adolph Gottlieb a redefinir el arte abstracto y dieron lugar a la creación de una obra que solo ahora comienza a ser reconocida por su verdadera brillantez y luz.
Un artista de corazón
Adolph Gottlieb nació en una familia inmigrante de clase trabajadora en Nueva York en 1904. En comparación con muchos otros niños que crecían en el Lower East Side en esa época, tuvo un comienzo de vida tremendo, ya que sus padres construyeron un negocio exitoso de papelería y esperaban heredárselo algún día. Pero desde muy joven supo con certeza que todo lo que quería ser era artista. Estaba tan seguro de ese hecho que abandonó la escuela a los 15 años para dedicarse por completo a su arte. Asistió a conferencias en la Art Students League, una institución dirigida por artistas donde muchos artistas que eventualmente formarían parte del movimiento Expresionista Abstracto tomaban clases. Y luego, con solo 17 años, Gottlieb partió hacia Europa, ganándose el pasaje trabajando a bordo de un barco rumbo a Francia.
Su fe juvenil en sus habilidades dio frutos en el extranjero, ya que rápidamente se familiarizó con el mundo del Modernismo europeo. En contraste con el arte estadounidense de los años 20, el arte europeo de la época era fantásticamente inventivo. Se expuso al Fauvismo, Cubismo, Suprematismo, Futurismo y Abstracción Geométrica. Frecuentaba museos y asistía a todas las clases de arte gratuitas que podía encontrar. Y cuando su visa expiró, pasó casi otro año viajando por Europa. En el camino, se convenció de que los artistas europeos estaban conectados con algo importante. En particular, se fascinó con la creciente influencia del arte tribal, una tendencia que lo inspiró a rechazar el coloquialismo del arte figurativo estadounidense en favor de buscar universalidades dentro de símbolos antiguos y tradiciones visuales centenarias.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Serigrafía en color, 31 1/8 × 23 1/8 pulg, 79.1 × 58.7 cm (Izquierda) y Flying Lines, 1967, Serigrafía en color, 30 × 22 pulg, 76.2 × 55.9 cm, créditos fotográficos Marlborough Gallery
El artista filósofo
Cuando Gottlieb regresó a Nueva York en 1922, trajo consigo un sentido de su propia responsabilidad como artista. Se veía a sí mismo como una fuerza modernizadora para su cultura y abrazó la idea de que los artistas debían ser filósofos y agentes de cambio social. Terminó su formación artística y, durante los años siguientes, se hizo amigo de un grupo de otros artistas/filósofos, como Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith y Milton Avery, algunos de los cuales eventualmente se convertirían en los artistas estadounidenses más famosos de su generación. Gottlieb y sus compañeros eran anomalías. Eran artistas abstractos, o al menos artistas que hacían arte que se interpretaba como abstracto, pero también estaban ansiosos por hablar públicamente sobre el significado de su obra.
En ese momento, los artistas vanguardistas, y especialmente los artistas abstractos, no eran comprendidos en Estados Unidos, y definitivamente no eran ampliamente respetados, ni siquiera en Nueva York. Muchos tenían dificultades para defenderse a sí mismos y su valor, y especialmente para defender el valor de los ideales estéticos modernistas. Pero Gottlieb era un defensor natural y un comunicador nato. Estaba comprometido política y socialmente, y hablaba rápidamente a favor de lo que consideraba importante. En 1935, Gottlieb y su amigo Mark Rothko (entonces conocido como Marcus Rothkowitz) pusieron en práctica sus creencias formando un grupo llamado The Ten. Incluía a Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg y Yankel Kufeld. En abierta protesta contra las tendencias predominantes en la escena curatorial de Nueva York, The Ten exhibió su obra abstracta en conjunto, rechazando lo que llamaban “la supuesta equivalencia entre la pintura estadounidense y la pintura literal.”
Adolph Gottlieb - Red Ground, Óleo sobre papel montado en lienzo
Los pictogramas
Uno de los primeros avances hacia el estilo abstracto maduro que Gottlieb desarrolló finalmente llegó a principios de los años 40, en forma de sus pinturas Pictograph. Estas obras fueron esencialmente intentos de crear un nuevo lenguaje simbólico de imágenes que pudiera comunicar emociones y sentimientos universales. Gottlieb conceptualizó sus pinturas Pictograph de tal manera que su superficie se aplanaba, eliminando la profundidad y cualquier sentido de ilusión que pudiera asociarse con sus elementos figurativos. También democratizó todas las áreas del lienzo en una referencia premonitoria a lo que pronto se llamaría pintura “all-over”. Sus Pictographs empleaban una crudeza que recordaba las marcas infantiles y evocaban las tendencias estéticas de las sociedades tribales.
En cierto sentido, Gottlieb intentaba crear un nuevo alfabeto de imágenes en la tradición de los jeroglíficos o los kanji chinos. Pero en lugar de intentar comunicar narrativas específicas, intentaba destilar sus mensajes hasta lo esencial. En lugar de deletrear los mitos a los que hacía referencia, intentaba comunicar los sentimientos humanos colectivos que habitan en su núcleo. Para lograr este objetivo, creó cuidadosamente imágenes totalmente originales y libres de asociaciones externas, esperando que su naturaleza universal trascendiera las pequeñas diferencias culturales que separan a las personas.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, Óleo sobre tabla de artista, 29 1/4 × 23 1/4 pulg, 74.3 × 59.1 cm, créditos fotográficos Hollis Taggart Galleries, Nueva York (Izquierda) y Sin título, 1949, Pastel sobre papel, 24 × 18 pulg, 61 × 45.7 cm, créditos fotográficos Berggruen Gallery, San Francisco (Derecha)
Paisajes imaginarios
Mientras desarrollaba sus Pictographs, Gottlieb se embarcó en un proceso de simplificación. A través de ese proceso llegó a una serie de obras que llamó Imaginary Landscapes. A diferencia de los Pictographs, que no daban énfasis claro a ninguna parte de la imagen, Gottlieb separó el plano pictórico en estas pinturas en dos áreas distintas mediante la introducción de una línea del horizonte. Debajo de la línea, Gottlieb añadió garabatos pictográficos. Sobre la línea, añadió formas geométricas coloreadas. Los Imaginary Landscapes sugerían una relación jerárquica entre los dos tipos de imágenes. Se representaba como subordinada una expresión garabateada, emocional y complicada de la angustia humana. Flotando arriba estaba una expresión simple y directa de pureza universal.
El Imaginary Landscape se simplificó aún más en lo que Gottlieb llamó pinturas Burst. En estas obras eliminó la línea del horizonte, pero mantuvo el garabato en la parte inferior y la forma unificada en la parte superior. Los Bursts usaban grandes campos de color y unificaban el elemento del color con el de la forma. Invitaban a la contemplación en un nivel casi sagrado y parecían comunicar el concepto de una relación simbiótica entre una conciencia superior y una inferior.
Adolph Gottlieb - Imaginary Landscape, 1971, Aguatinta en colores, sobre papel Fabriano, con márgenes completos, 26 3/10 × 32 1/2 pulg, 66.7 × 82.6 cm
El legado de Adolph Gottlieb
En 1970, Gottlieb sufrió un derrame cerebral y perdió el uso del lado izquierdo de su cuerpo. Sin embargo, continuó creando obras, produciendo algunas de las expresiones más profundas y extremas de su serie Burst apenas un año antes de morir. Para cuando terminó su vida, era conocido no solo por el cuerpo único de obra que creó, sino también por su influencia en el trabajo de otros. Sus filosofías fueron parte integral de las ideas de los Expresionistas Abstractos. Y su visión estética se considera influyente en el auge de la Pintura de Campo de Color y el Minimalismo.
Pero tan importante como el legado estético de las pinturas, esculturas y grabados que Adolph Gottlieb creó a lo largo de sus 70 años es la contribución que hizo a la comunidad artística más amplia a la que pertenecía—una que trasciende avances formales, generaciones y movimientos. Gottlieb tenía una visión del artista como alguien no separado del resto de la sociedad, sino intrínsecamente conectado con ella. Creía en el potencial del arte para transformar la civilización y en la importancia de discutir ideas estéticas abiertamente y en lenguaje sencillo para que todos pudieran entenderlas. Percibía que los artistas son esenciales para la capacidad que tiene una cultura de entenderse a sí misma, y a través de su obra demostró la responsabilidad que todos los artistas tienen de expresar la locura, el caos, la brillantez, la belleza, la oscuridad y la luz de su tiempo.
Imagen destacada: Adolph Gottlieb -
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
