Cubismo Sintético Explicado - Planos, Formas y Puntos de Vista
Pablo Picasso, el padre del Cubismo, era famoso por su deseo de evolucionar. Después de inventar el Cubismo Analítico en 1907, fácilmente podría haber seguido pintando en ese estilo durante décadas y aún así haberse hecho rico y famoso. Pero en su lugar, siguió experimentando, ayudando a inventar lo que se conoció como Cubismo Sintético en 1911 al añadir al Cubismo Analítico una paleta de colores ampliada, nuevas texturas, formas más simples, nuevos materiales y al simplificar el uso del punto de vista y el plano. Desde el momento de su invención hasta alrededor de 1920, el Cubismo Sintético fue considerado la cúspide de la vanguardia. Amplió la gama de formas en que los pintores podían explorar la realidad y contribuyó al surgimiento de los Dadaístas, los Surrealistas e incluso el Arte Pop.
El Cubismo Sintético es una fase del movimiento cubista que se desarrolló a principios del siglo XX, aproximadamente entre 1912 y 1914. A diferencia del Cubismo Analítico, que se centraba en descomponer objetos en formas geométricas y colores apagados, el Cubismo Sintético se caracteriza por la incorporación de elementos más coloridos y la superposición de diferentes perspectivas en una sola obra. Los artistas comenzaron a utilizar collage, incorporando materiales como papel, tela y otros objetos en sus composiciones, lo que les permitió explorar nuevas texturas y dimensiones. Este enfoque más libre y experimental permitió a los artistas expresar ideas complejas y emocionales a través de la yuxtaposición de formas y colores. Pablo Picasso y Georges Braque son dos de los principales exponentes de esta corriente, creando obras que desafiaban las convenciones artísticas de su tiempo. El Cubismo Sintético no solo influyó en la pintura, sino que también tuvo un impacto significativo en la escultura, la arquitectura y el diseño gráfico, sentando las bases para movimientos artísticos posteriores como el Futurismo y el Dadaísmo. En resumen, el Cubismo Sintético representa una evolución crucial en la historia del arte moderno.
El Cubismo Sintético resultó de una desviación de esas mismas técnicas, en un intento de crear algo aún más real. Picasso, Braque y el pintor Juan Gris añadieron una vibrante gama de colores a sus obras, reintrodujeron la profundidad y disminuyeron el número de perspectivas y planos simultáneos en sus imágenes. Lo más importante, para dar la máxima sensación de realidad a sus pinturas, comenzaron a añadir papel, tela, papel de periódico, texto e incluso arena y tierra a sus obras, intentando traer un sentido total de la esencia de su sujeto al juego.
Pablo Picasso - Naturaleza muerta con caña de silla, 1912, Óleo sobre lienzo recubierto de tela, bordeado con cuerda, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, París, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Nuevos Materiales y Técnicas
En 1912, Picasso creó la obra de arte que se considera el primer ejemplo de collage, y un ejemplo definitorio del Cubismo Sintético: Naturaleza muerta con caña de silla. La obra es una representación cubista de una mesa de café con una selección de alimentos, un periódico y una bebida. Además de los medios tradicionales, Picasso añadió a la superficie de la pintura una sección de la caña de mimbre que se encontraba tradicionalmente en las sillas de café. Esta adición aparentemente trivial tuvo enormes consecuencias para el Arte Moderno. En lugar de pintar una silla, se puso parte de una silla directamente sobre la pintura. En lugar de mostrar algo desde múltiples perspectivas para que pareciera real, Picasso simplemente puso la cosa real, o al menos parte de ella, directamente sobre la obra.
Picasso también añadió texto a esta obra, escribiendo las letras "JOU" en parte de la superficie. Esta palabra "Jou" podría traducirse literalmente como "juego" en francés, un hecho que ha contribuido a la sensación que muchas personas tienen de que Picasso pretendía que el Cubismo Sintético añadiera un sentido de frivolidad de nuevo al arte después de la seriedad académica del Cubismo Analítico. Sin embargo, "JOU" también podría haber sido fácilmente destinado a ser la primera parte del término francés para periódico diario, o diario, una referencia al fragmento de periódico visto en la imagen.
Aunque logró un primer al añadir ese poco de enea a su obra, Picasso no fue el primer cubista en añadir texto a una pintura. En 1911, Georges Braque creó una obra llamada El Portugués, que fue la primera obra cubista en introducir letras. Evidente tanto en el primer collage de Picasso como en la primera pieza textual de Braque, hay un cambio lejos de la naturaleza seria y excesivamente compleja de algunas de sus obras cubistas analíticas posteriores. Hay una simplicidad caprichosa en las imágenes de estas obras de arte. Las perspectivas están simplificadas y las imágenes se están volviendo casi juguetonas, similares a las imágenes antropomórficas en las imágenes publicitarias.
Georges Braques - El portugués, 1911, Óleo sobre lienzo, 116.7 × 81.5 cm, Musée National Picasso, París, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
En 1912, Braque rompería nuevo terreno al menos dos veces más. Ese año se convirtió en el primer pintor cubista en añadir arena a una pintura para agregar niveles de textura y profundidad a la obra, y también se convirtió en el primero en incorporar la técnica conocida como papier collés, que se refiere al pegado de piezas recortadas de papel sobre una superficie. Ambas técnicas se utilizaron en su obra titulada Plato de fruta y vaso. En esta pintura aplicó piezas recortadas de papel tapiz directamente sobre la superficie y luego sombreó la pieza utilizando pintura mezclada con arena, añadiendo profundidad y textura a la imagen.
Braque también incluyó texto en esta obra, utilizando las palabras claramente definidas y fácilmente legibles "Ale" y "Bar". Estas palabras desafían las líneas que separan la imaginería publicitaria y el llamado arte elevado. La combinación de estas tres técnicas demostraría ser una gran influencia en los Dadaístas, quienes dependían en gran medida del collage y el texto para confundir y oscurecer los significados aparentes en sus obras y desafiar las nociones burguesas del arte.
Georges Braque - Plato de frutas y vaso, 1912, 62.9 × 45.7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Planos, Formas, Puntos de Vista y Colores
El artista más responsable de introducir colores vibrantes en el Cubismo Sintético fue el pintor cubista español Juan Gris. Gris también utilizó un lenguaje visual sustancialmente simplificado que demuestra superbamente el número reducido de puntos de vista y el uso simplificado de formas y planos que define el Cubismo Sintético. En la obra de Gris "Periódico y Plato de Frutas", vemos todos estos elementos en juego. También podemos ver en esta misma pintura muchas de las razones por las que el Cubismo Sintético a menudo se considera el precursor del Arte Pop.
No solo es que los Cubistas Sintéticos jugaran con las nociones de la línea difusa entre el arte bajo y el arte alto, y el arte y la publicidad. Esta pintura también evoca asombrosamente los puntos Ben-Day de Roy Lichtenstein, y parece casi idénticamente anticipar la repetición, colocación de imágenes y paleta de colores de Buffalo II de Robert Rauschenberg.
Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, óleo e tinta de serigrafía sobre lienzo. 96 x 72 in (243.8 x 183.8 cm). © Robert Rauschenberg Foundation / Licenciado por VAGA en Artists Right Society (ARS), Nueva York.
Las primeras pinturas del Cubismo Analítico incorporaron tantos puntos de vista diferentes que la complejidad de las imágenes se volvió casi imposible de desentrañar. Su temática parecía abstraída hasta el punto de ser irreconocible: cada punto de vista estaba representado por formas geométricas separadas en un plano separado y cada plano parecía apilado sobre los otros y luego aplanado nuevamente. Y las formas geométricas utilizadas en las pinturas del Cubismo Analítico parecían casi transparentes en ocasiones. Fueron pintadas de una manera que demostraba velocidad, vibración y movimiento. Representaban diferentes momentos del día, diferentes iluminaciones y diferentes puntos de vista.
Juan Gris - Periódico y Plato de Frutas, 1916, Óleo sobre lienzo. 93.5 x 61 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York
Al añadir una paleta de colores vibrantes a las pinturas cubistas, Juan Gris le dio al estilo un sentido de diversión y emoción que faltaba en aquellas obras cubistas anteriores. Y el vocabulario visual simplificado de Gris presentó la noción de que el cubismo podría lograr sus objetivos de una manera directa, simplificada y estéticamente agradable. En la pintura de Gris El violín, logra el número mínimo absoluto de puntos de vista, formas y planos para seguir siendo considerado una obra cubista. La imagen resultante parece más un ejemplo de la sugerencia del cubismo que la definición rigurosa del mismo.
Juan Gris - El violín, 1916, Óleo sobre panel de tres capas, 116.5 x 73 cm, Kunstmuseum, Basilea
Sintético: ¿Otra palabra para falso?
Al añadir escritura y trozos de objetos cotidianos en sus pinturas, Picasso, Braque y Gris estaban esforzándose por conectar con un sentido ampliado de la realidad de sus sujetos. Pero al agregar esos elementos artificiales a sus obras, también estaban creando algo que era patentemente irreal, y diferente de cualquiera de las obras de arte cubistas que vinieron antes. A veces incluso pintaban formas que parecían collage, entrelazando elementos de collage imitados con elementos de collage reales en la misma obra. Este nuevo estilo fue llamado Cubismo Sintético precisamente por esa razón, debido a la naturaleza artificial de las técnicas utilizadas en relación con la seriedad de la obra cubista que había venido antes.
El Cubismo Sintético fue más simbólico que el Cubismo Analítico. No buscaba lograr una visión elevada de la realidad en cuatro dimensiones. Más bien, buscaba lograr un indicio de la realidad, pero de una manera distorsionada. Fue una transformación que contribuyó inmensamente a las teorías e investigaciones en torno al Surrealismo.
El Cubismo Sintético también desafió las diferencias entre la pintura y la escultura. En lugar de descomponer la imagen y luego reensamblarla desde una serie de perspectivas diferentes, el Cubismo Sintético ensambló la imagen, construyéndola desde una superficie plana hasta un objeto de múltiples capas, como un objeto tridimensional descansando sobre una superficie bidimensional. De todas estas maneras, el Cubismo Sintético abordó sus logros a través de una paradoja clara e intencionada: Al crear obras que eran cada vez más falsas, lograron algo cada vez más real.
Imagen destacada: Pablo Picasso - Tres músicos, 1921, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
