Cómo el Cubismo Analítico prefiguró la Abstracción Pura

Lo que parecen fuerzas opuestas en el mundo en realidad se complementan mutuamente. Así fue a principios del siglo XX entre dos grandes tendencias simultáneas en el mundo del arte: el cubismo analítico y la abstracción pura. Por un lado estaban los artistas asociados con el cubismo analítico, nombres famosos como Pablo Picasso y Georges Braque, genios dedicados a descubrir una forma conceptualmente hiperrealista de hacer arte. Por otro lado estaban los artistas asociados con la abstracción pura; personas como Wassily Kandinsky, que se dedicaban a descubrir un arte completamente no representativo. Aunque aparentemente diametralmente opuestos, estos dos enfoques diferentes para crear arte estaban inextricablemente ligados. Al descomponer la realidad objetiva para presentarla más plenamente, los cubistas analíticos ayudaron a la abstracción pura a encontrar su voz.

¿Qué fue el cubismo analítico?

Cuando los críticos e historiadores de arte hablan del cubismo analítico, se refieren a una tendencia en la pintura que surgió entre 1908 y 1912. Antes de ese tiempo, las pinturas se consideraban bidimensionales (si carecían de profundidad) o tridimensionales (si se les daba una sensación de profundidad mediante técnicas como el sombreado). Durante ese período, un pequeño grupo de artistas liderados por Pablo Picasso y Georges Braque se embarcaron en experimentos estéticos revolucionarios destinados a llevar la pintura a la cuarta dimensión.

Las viejas formas de pintar se basaban en que el artista trabajara desde una sola perspectiva. Aunque eso era adecuado para mostrar una imagen momentánea de un sujeto, no lograba lo que Picasso consideraba la realidad, que se percibe desde múltiples perspectivas a la vez. Para lograr una sensación de movimiento y paso del tiempo (la cuarta dimensión), Picasso y su colega Braque abandonaron el uso de la perspectiva única. Su argumento era que en la vida real percibimos los objetos desde una multitud de perspectivas diferentes. Vemos algo desde distintos puntos de vista en diferentes momentos del día, con distinta iluminación, a veces en movimiento y a veces quieto. Sus experimentos intentaron mostrar su tema de esta manera más realista, desde una multitud de puntos de vista diferentes, todos al mismo tiempo.

Pablo Picasso - Retrato de Ambroise Vollard, 1910, óleo sobre lienzo. 93 x 66 cm, Museo Estatal Pushkin de Bellas Artes, Moscú, © 2017 Patrimonio de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Simultaneidad

Su palabra para este tipo de pintura con múltiples perspectivas fue simultaneidad. Pintaban fragmentos de su tema desde diferentes puntos de vista, con distinta iluminación y en diferentes momentos del día, y luego combinaban esos fragmentos en un solo plano, mostrando todos los puntos de vista a la vez y sin dar preferencia especial a ninguno. Para intensificar este efecto, mantenían su paleta de colores simple y evitaban el sombreado o cualquier otra técnica que añadiera profundidad a la imagen. El resultado era una imagen aplanada y con múltiples vistas, aparentemente compuesta por formas geométricas simplificadas.

Para un observador casual, una pintura cubista analítica podría parecer abstracta. Pero el cubismo analítico no era realmente abstracción; era más bien una forma de realismo intensificado. El resultado de los experimentos de Picasso y Braque era, en su opinión, una representación más realista de su tema, al menos desde un punto de vista conceptual, si no literal. Uno de los primeros ejemplos de lo que ahora llamamos cubismo analítico es el Retrato de Ambroise Vollard de Picasso, pintado en 1909. En él, podemos ver claramente que el tema es representativo, mientras que los diferentes puntos de vista, la distinta iluminación y los diferentes planos nos dan una sensación de movimiento y simultaneidad que aumentan nuestra comprensión de la presencia del sujeto.

Wassily Kandinsky - La vaca, 1910, óleo sobre lienzo, 95.5 cm x 105 cm

Mientras tanto en Múnich

El mismo año en que Picasso pintó su Retrato de Ambroise Vollard en París, Wassily Kandinsky, el artista que pronto sería reconocido como el inventor de la abstracción pura, estaba en Alemania realizando sus propios experimentos estéticos. Kandinsky también trabajaba con la idea de la planitud y la simplificación del vocabulario estético, pero por razones diferentes a las de Picasso y Braque. Kandinsky tenía la misión de crear pinturas completamente abstractas. Creía que, al igual que la música instrumental, el arte visual podía tener la capacidad de comunicar emociones más profundas y quizás un sentido de espiritualidad al comunicarse en un nivel puramente abstracto.

Los experimentos de Kandinsky fueron una extensión y culminación de muchas tendencias diferentes que habían ocurrido en el arte desde mediados del siglo XIX. Estaba descomponiendo la pintura en sus elementos esenciales, como el color, la línea y la forma, y aprendiendo qué podría comunicar cada uno de esos elementos por sí solo. Creía que estos elementos podrían compararse con diferentes notas musicales, tonalidades o tempos en cuanto al efecto que podrían tener en la psique humana. Un ejemplo del trabajo de Kandinsky de esta época es su pintura La vaca, que, aunque claramente representativa, logra un aplanamiento del espacio y una deconstrucción radical de los elementos estéticos de la imagen.

Wassily Kandinsky - Sin título (Primera acuarela abstracta), 1910, acuarela, tinta india y lápiz sobre papel, 49.6 × 64.8 cm, Centro Georges Pompidou, París, Francia

Mundos que se combinan

Así que en Francia, Picasso y Braque estaban aplanando sus imágenes y reduciendo su vocabulario estético para poder representar eficazmente su tema de manera simplificada desde múltiples puntos de vista diferentes. Y en Alemania, Kandinsky también buscaba la planitud y la bidimensionalidad, y también simplificaba sus imágenes, pero por una razón diferente. En lugar de usar formas geométricas para mejorar la comprensión del espectador sobre el tema de una pintura, Kandinsky y otros con su mentalidad exploraban qué significados podrían obtenerse de las formas geométricas si se usaban independientemente del tema representativo.

Alguien que desconociera el propósito de los diferentes experimentos de los artistas podría ver una u otra de sus pinturas y salir con un concepto muy distinto al que realmente se pretendía. Pero estas dos escuelas de pensamiento eran, sin embargo, bastante opuestas en su intención. El mismo año en que pintó La vaca, Kandinsky tuvo un avance. Combinó sus propias teorías sobre el instinto, la espiritualidad y el color con las teorías de los cubistas analíticos sobre la planitud y la simplificación geométrica y creó lo que la mayoría de los historiadores ahora consideran la primera pintura puramente abstracta: Sin título (Primera acuarela abstracta).

Jean Metzinger - Hora del té, 1911, óleo sobre cartón, 75.9 x 70.2 cm, Museo de Arte de Filadelfia, Colección Louise y Walter Arensberg, 1950, Filadelfia

Simultaneidades contemporáneas múltiples

Hoy resulta curioso imaginar el revuelo causado por Sin título (Primera acuarela abstracta) de Kandinsky y las pinturas cubistas analíticas de Picasso y Braque, y la sensación que muchos pintores debieron tener de que necesitaban tomar partido. Durante los siguientes años, una gran cantidad de otros pintores adoptaron el cubismo analítico y, junto con Picasso y Braque, continuaron explorando la cuarta dimensión en sus obras. En algunos casos, sus pinturas se volvieron cada vez más simplificadas, demostrando una visión clara de lo que realmente era el cubismo analítico. Por ejemplo, la pintura Hora del té de Jean Metzinger, que se considera un ejemplo particularmente directo, quizás bastante obvio, de la intención del cubismo analítico. Demuestra la simultaneidad de manera efectiva mientras se basa en un número limitado de perspectivas diferentes.

Otros cubistas analíticos hicieron obras que fueron en la dirección opuesta, volviéndose más densas y complejas, dificultando cada vez más distinguir el tema. Un ejemplo es el Acordeonista de Pablo Picasso, pintado en 1911. Aunque Picasso no pretendía que esta fuera una pintura abstracta, muchos espectadores hasta hoy malinterpretan esta obra y la consideran abstracta simplemente porque es difícil distinguir lo que se representa; especialmente a la luz de tantos otros pintores que intencionalmente intentaban hacer obras abstractas al mismo tiempo.

Pablo Picasso Acordeonista, 1911, óleo sobre lienzo, 130.2 x 89.5 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, © 2017 Patrimonio de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

¿Realmente importa la intención?

A menudo se ha señalado que al leer un poema, el efecto cambia si conoces personalmente al poeta. Lo mismo podría decirse fácilmente de una pintura, o una pieza musical, o quizás cualquier obra de arte. Aunque los cubistas analíticos no pretendían contribuir al auge del arte puramente abstracto, el espectador casual que no los conocía personalmente y que no sabía nada de la teoría detrás de su trabajo, sin duda tuvo reacciones a la obra que no tenían correlación con las intenciones de los artistas.

Fuera o no su intención, los cubistas analíticos ayudaron a los abstraccionistas puros preparando al público, incluidos críticos e historiadores, para aceptar la experimentación con la estructura y la perspectiva. Su trabajo parecía no representativo, aunque contenía tema, por lo que además de lo que los cubistas analíticos pretendían que los espectadores sintieran, también sentían otras cosas a nivel subconsciente. Esa contribución de ayudar a los espectadores a contextualizar reacciones emocionales subconscientes a imágenes aparentemente no representativas fue la contribución más vital que el cubismo analítico hizo a la evolución de la abstracción pura.

Sí, el cubismo analítico y la abstracción pura fueron fuerzas opuestas en cuanto a intención. Pero al desafiar el plano pictórico y distorsionar la percepción pública de la realidad representativa, el cubismo analítico complementó a la abstracción pura y ayudó a que esta ganara aceptación en el ámbito público. Aunque aparentemente opuestos, estos dos modos radicalmente diferentes de abordar el arte contribuyeron mucho al éxito mutuo.

Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio