Cómo el Cubismo Analítico prefiguró la Abstracción Pura

Lo que parecen ser fuerzas opuestas en el mundo en realidad se complementan entre sí. Así fue en el cambio del siglo XX entre dos tendencias principales y simultáneas en el mundo del arte: el cubismo analítico y la abstracción pura. Por un lado estaban los artistas asociados con el cubismo analítico, nombres famosos como Pablo Picasso y Georges Braque, genios dedicados a descubrir una forma conceptualmente hiperrealista de hacer arte. Por otro lado estaban los artistas asociados con la abstracción pura; personas como Wassily Kandinsky, que estaban dedicados a descubrir un arte completamente no representacional. Aunque aparentemente diametralmente opuestos, estos dos enfoques diferentes para la creación artística estaban inextricablemente vinculados. Al descomponer la realidad objetiva para presentarla de manera más completa, los cubistas analíticos ayudaron a la abstracción pura a encontrar su voz.

¿Qué fue el Cubismo Analítico?

Cuando los críticos de arte y los historiadores del arte hablan sobre el cubismo analítico, se refieren a una tendencia en la pintura que surgió entre 1908 y 1912. Antes de ese tiempo, las pinturas se habían visto como bidimensionales (si carecían de profundidad) o tridimensionales (si se les daba una sensación de profundidad a través de técnicas como el sombreado). Durante ese tiempo, un pequeño grupo de artistas liderado por Pablo Picasso y Georges Braque se dedicó a experimentos estéticos revolucionarios destinados a llevar la pintura a la cuarta dimensión.

Las viejas formas de pintar dependían de un artista que trabajaba desde una única perspectiva. Si bien eso era adecuado para mostrar una imagen momentánea de un sujeto, no lograba lo que Picasso consideraba la realidad, que se percibe desde múltiples perspectivas a la vez. Para lograr un sentido de movimiento y el paso del tiempo (la cuarta dimensión), Picasso y su colega Braque abandonaron el uso de la única perspectiva. Su argumento era que en la vida real percibimos objetos desde una multitud de diferentes perspectivas. Vemos algo desde diferentes puntos de vista en diferentes momentos del día con diferentes iluminaciones, a veces en movimiento y a veces quieto. Sus experimentos intentaron mostrar su tema de esta manera más realista, desde una multitud de diferentes puntos de vista al mismo tiempo.

Pablo Picasso - Retrato de Ambroise Vollard, 1910, Óleo sobre lienzo. 93 x 66 cm, Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin, Moscú, © 2017 Patrimonio de Pablo Picasso / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

Simultaneidad

Su palabra para este tipo de pintura de múltiples perspectivas era simultaneidad. Pintaban fragmentos de su tema desde diferentes puntos de vista y en diferentes iluminaciones y a diferentes horas del día y luego combinaban esos fragmentos en un solo plano, mostrando todos los diferentes puntos de vista a la vez y sin dar preferencia especial a ninguno de ellos. Para intensificar este efecto, mantenían su paleta de colores simple y evitaban el sombreado o cualquier otra técnica que añadiera profundidad a la imagen. El resultado era una imagen aplanada y de múltiples vistas compuesta aparentemente de formas geométricas simplificadas.

Para un observador casual, una pintura cubista analítica podría parecer abstracta. Pero el verdadero cubismo analítico no era abstracción; era más bien una forma de realismo elevado. El resultado de los experimentos de Picasso y Braque fue, en su mente, una representación más realista de su tema, al menos desde un punto de vista conceptual, si no literal. Uno de los ejemplos más tempranos de lo que ahora llamamos cubismo analítico es el Retrato de Ambroise Vollard de Picasso, pintado en 1909. En él, podemos ver claramente que el tema está destinado a ser representacional, mientras que los diferentes puntos de vista, la diferente iluminación y los diferentes planos nos dan una sensación de movimiento y simultaneidad que intensifican nuestra comprensión de la presencia del sujeto.

Wassily Kandinsky - La Vaca, 1910, Óleo sobre lienzo, 95.5 cm x 105 cm

Mientras tanto en Munich

El mismo año en que Picasso pintó su Retrato de Ambroise Vollard en París, Wassily Kandinsky, el artista que pronto sería acreditado con la invención de la abstracción pura, estaba en Alemania realizando sus propios experimentos estéticos. Kandinsky también estaba trabajando con la idea de la planitud y la simplificación del vocabulario estético, pero por razones diferentes a las de Picasso y Braque. Kandinsky tenía la misión de crear pinturas completamente abstractas. Creía que, al igual que la música instrumental, el arte visual podría tener la capacidad de comunicar emociones más profundas y quizás un sentido de espiritualidad al comunicarse en un nivel puramente abstracto.

Los experimentos de Kandinsky fueron una extensión y culminación de muchas tendencias diferentes que habían estado ocurriendo en el arte desde mediados de 1800. Estaba descomponiendo la pintura en sus elementos esenciales, como el color, la línea y la forma, y aprendiendo lo que cada uno de esos elementos podría comunicar por sí solo. Creía que estos elementos podrían compararse con diferentes notas musicales, tonalidades o tempos en el sentido del efecto que podrían tener en la psique humana. Un ejemplo del trabajo de Kandinsky de esta época es su pintura La Vaca, que, aunque claramente representacional, logra un aplanamiento del espacio y una deconstrucción radical de los elementos estéticos de la imagen.

Wassily Kandinsky - Sin título (Primera acuarela abstracta), 1910, Acuarela y tinta india y lápiz sobre papel, 49.6 × 64.8 cm, Centro Georges Pompidou, París, Francia

Combinación de mundos

Así que en Francia, Picasso y Braque estaban aplanando sus imágenes y reduciendo su vocabulario estético, para poder retratar efectivamente su sujeto de una manera simplificada desde múltiples puntos de vista diferentes. Y en Alemania, Kandinsky también estaba luchando por la planitud y la bidimensionalidad, y también estaba simplificando su imaginería, pero por una razón diferente. En lugar de usar formas geométricas para mejorar la comprensión de un espectador sobre el sujeto de una pintura, Kandinsky y otros de su mentalidad exploraban qué significados se podían extraer de formas geométricas si se usaban independientemente de un tema representativo.

Alguien que no estaba al tanto del propósito de los diferentes experimentos de los artistas podría ver una u otra de sus pinturas y salir con un concepto muy diferente al que realmente se pretendía. Pero estas dos escuelas de pensamiento eran, no obstante, bastante opuestas en su intención. El mismo año en que pintó La Vaca, Kandinsky tuvo un gran avance. Combinó sus propias teorías sobre el instinto, la espiritualidad y el color con las teorías de los cubistas analíticos sobre la planitud y la simplificación geométrica y creó lo que la mayoría de los historiadores ahora consideran la primera pintura puramente abstracta: Sin Título (Primera Acuarela Abstracta).

Jean Metzinger - Hora del Té, 1911, Óleo sobre cartón, 75.9 x 70.2 cm, Museo de Arte de Filadelfia, Colección Louise y Walter Arensberg, 1950, Filadelfia

Múltiples Simultaneidades Contemporáneas

Es curioso hoy imaginar el revuelo causado por Sin Título (Primera Acuarela Abstracta) de Kandinsky y las pinturas cubistas analíticas de Picasso y Braque, y la sensación que tantos pintores debieron haber tenido de que necesitaban tomar partido. Durante los siguientes años, un gran número de otros pintores adoptó el cubismo analítico, y junto con Picasso y Braque continuaron explorando la cuarta dimensión en sus obras. En algunos casos, sus pinturas se volvieron cada vez más simplificadas, demostrando una visión clara de lo que el cubismo analítico realmente representaba. Por ejemplo, La Hora del Té del pintor Jean Metzinger, que se considera un ejemplo particularmente directo, quizás algo obvio, de la intención del cubismo analítico. Demuestra la simultaneidad de manera efectiva mientras se basa en un número limitado de perspectivas diferentes.

Otros cubistas analíticos estaban creando obras que iban en la otra dirección, volviéndose más densas y más complejas, lo que hacía cada vez más difícil discernir el tema. Un ejemplo es El acordeonista de Pablo Picasso, pintado en 1911. Aunque Picasso no tenía la intención de que esta fuera una pintura abstracta, muchos espectadores hasta el día de hoy malinterpretan esta obra y la consideran abstracta simplemente porque es difícil discernir lo que se está representando; especialmente a la luz de tantos otros pintores que intencionalmente estaban tratando de hacer obras abstractas al mismo tiempo.

Pablo Picasso Acordeonista, 1911, Óleo sobre lienzo, 130.2 x 89.5 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, © 2017 Patrimonio de Pablo Picasso / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

¿Realmente importa la intención?

A menudo se ha señalado que al leer un poema, el efecto cambia si conoces personalmente al poeta. Lo mismo podría decirse fácilmente de una pintura, o una pieza de música, o quizás cualquier obra de arte. A pesar de que los cubistas analíticos no tenían la intención de contribuir al auge del arte puramente abstracto, el espectador casual que no los conocía personalmente, y que no sabía nada de la teoría detrás de su trabajo, sin duda tuvo reacciones a la obra que no tenían correlación con las intenciones de los artistas.

Ya fuera su intención o no, los cubistas analíticos ayudaron a los abstractos puros al preparar al público, incluidos críticos e historiadores, para aceptar la experimentación con la estructura y la perspectiva. Su trabajo parecía no representacional, aunque contenía materia temática, así que, además de lo que los cubistas analíticos pretendían que los espectadores sintieran, también sintieron otras cosas, a un nivel subconsciente. Esa contribución de ayudar a los espectadores a contextualizar reacciones emocionales subconscientes ante imágenes aparentemente no representacionales fue la contribución más vital que el cubismo analítico hizo a la evolución de la abstracción pura.

Sí, el cubismo analítico y la abstracción pura eran fuerzas opuestas en términos de intención. Pero al desafiar el plano pictórico y distorsionar la percepción de la realidad representacional del público, el cubismo analítico complementó la abstracción pura y ayudó a que esta ganara aceptación en el ámbito público. Aunque aparentemente opuestos, estas dos formas radicalmente diferentes de abordar el arte contribuyeron mucho al éxito de cada una.

Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio