La Psicología Detrás de la Forma y el Contorno

¿Por qué atrae el arte abstracto? A menudo considerado como un lenguaje visual de forma, color y forma, hay algo muy particular en la atracción hacia una obra de arte abstracta. Existen varias teorías que intentan explicar la psicología detrás del disfrute del espectador y la creación del artista en el arte abstracto. Los efectos del trauma en los artistas a menudo se pueden observar en un cambio notable hacia la abstracción: famoso es el caso de Willem de Kooning, quien continuó pintando después de desarrollar la enfermedad de Alzheimer, tras lo cual su estilo se volvió cada vez más abstracto. El ejemplo de de Kooning, y muchos otros como él, demuestra que el arte puede proporcionar una visión de los cambios en el cerebro humano que alteran la expresión y la percepción. En el siguiente informe, abordaremos algunas de las teorías psicológicas asociadas al arte abstracto.

Neuroestética: Introduciendo la Objetividad Científica en el Estudio del Arte

Durante la década de 1990, el neurocientífico de la visión Semir Zeki de University College London fundó la disciplina conocida como neuroestética, que examina, desde una base neurológica, el éxito relativo de diferentes técnicas artísticas. Varios estudios científicos que investigan el razonamiento detrás de la atracción hacia el trabajo abstracto han concluido que estudiar este género de arte estimula una actividad neural muy activa, ya que el espectador lucha por identificar formas familiares, lo que hace que la obra sea ‘poderosa’. Al ver la obra como un rompecabezas, el cerebro se complace cuando logra ‘resolver’ este problema (Pepperell, Ishai).

Un estudio en particular, dirigido por Angelina Hawley-Dolan del Boston College, Massachusetts (Psychological Science, volumen 22, página 435), cuestionó si el arte abstracto, creado por artistas profesionales, sería tan placentero a la vista como un grupo de líneas y colores aleatorios hechos por niños o animales. Hawley-Dolan pidió a los voluntarios que miraran una pintura de un famoso artista abstracto y una de un aficionado, niño, chimpancé o elefante, sin conocimiento previo de cuál era cuál. Los voluntarios generalmente prefirieron la obra de los artistas profesionales, incluso cuando la etiqueta les decía que había sido creada por un chimpancé. El estudio concluyó, por lo tanto, que al mirar una obra, somos capaces – aunque no podemos decir por qué – de percibir la visión del artista. El estudio de Hawley-Dolan siguió los hallazgos de que las imágenes borrosas del arte impresionista estimulan la amígdala del cerebro, que juega un papel central en los sentimientos y emociones. Sin embargo, el arte abstracto, que a menudo busca eliminar cualquier elemento interpretable, no cae en esta categoría.

Tomando inspiración de este estudio, Kat Austen en New Scientist (14 de julio de 2012), interroga el atractivo del arte abstracto, inspirado por el efecto de ver una obra de Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, que, escribe, fue la primera vez que una obra de arte abstracto había despertado sus emociones. Austen plantea la hipótesis de que las obras de arte abstracto que aparentemente no contienen ningún objeto reconocible para el cerebro – a saber, Rothko, Pollock y Mondrian – pueden tener un efecto a través de composiciones bien equilibradas ya que apelan a, o ‘secuestran’, el sistema visual del cerebro.

En un estudio de Oshin Vartanian en la Universidad de Canadá, en el que el investigador pidió a los voluntarios que compararan una serie de pinturas originales con una en la que se había alterado la composición, Vartanian descubrió que tenemos una respuesta aumentada a los patrones y la composición. Casi todos los voluntarios prefirieron la obra original, incluso al trabajar con estilos tan diversos como un bodegón de van Gogh y Bleu I de Miró. Los hallazgos sugirieron que el espectador es inherentemente consciente de la intención espacial detrás de las composiciones particulares de las pinturas.

Para volver a Austen, ella también considera los hallazgos de Alex Forsythe, un psicólogo de la Universidad de Liverpool, quien ha establecido un vínculo entre las formas utilizadas en el arte abstracto y la capacidad del cerebro para procesar escenas complejas, haciendo referencia al trabajo de Manet y Pollock. Utilizando un algoritmo de compresión para medir la complejidad visual de las obras de arte y almacenar imágenes complejas, Forsythe concluyó que algunos artistas pueden aprovechar esta complejidad para apelar a la necesidad del cerebro de detalle. Forsythe también exploró la atracción del cerebro hacia patrones fractales y el atractivo del arte abstracto. Estos patrones repetitivos, tomados de la naturaleza, pueden atraer al sistema visual humano que evolucionó al aire libre, y Forsythe razona que los artistas abstractos pueden usar el color para "calmar una experiencia negativa que normalmente tendríamos al encontrar un contenido fractal demasiado alto". Austen señala que la neuroestética aún se encuentra en una etapa incipiente, y que puede ser demasiado pronto para hacer afirmaciones generales. Sin embargo, las múltiples teorías que se han abordado a través de esta área de estudio nos brindan una mayor comprensión de la atracción visual del arte abstracto. No menos importante, algunos científicos han razonado que el cerebro puede sentirse atraído por el trabajo de artistas como Pollock, ya que procesamos el movimiento visual – como una carta escrita a mano – como si estuviéramos reproduciendo la creación. Esta podría ser una comprensión del dinamismo percibido de las obras de Pollock, cuya producción enérgica es revivida por el espectador.

Margaret Neill - Manifest, 2015. Carbón y agua sobre papel. 63.5 x 101.6 cm.

Wassily Kandinsky: Sobre lo espiritual en el arte

Regresemos ahora a hace aproximadamente un siglo, a uno de los líderes del Expresionismo Alemán, conocido por su papel como artista sinestésico: Kandinsky desempeñó un papel central en las teorías de principios del siglo XX sobre la psicología detrás del arte abstracto. Su libro ‘Sobre lo espiritual en el arte’, publicado en 1911, llegó a ser conocido como el texto fundamental de la pintura abstracta y exploró en gran detalle las propiedades emocionales de la forma, la línea y el color. La sinestesia de Kandinsky se manifestó en su sensibilidad anormal al color y su capacidad no solo de verlo, sino también de escucharlo. Debido a esto, razonó que una pintura debería evadir el análisis intelectual y, en su lugar, permitir que alcanzara las partes del cerebro conectadas con el procesamiento de la música. Kandinsky creía que el color y la forma eran los dos medios básicos por los cuales un artista podría lograr la armonía espiritual en la composición y, por lo tanto, separó la creación y percepción del arte en dos categorías: necesidad interna y necesidad externa. Haciendo referencia a Cézanne, Kandinsky sugirió que el artista creaba la yuxtaposición de formas lineales y coloristas para crear armonía, un principio de contraste que Kandinsky apostó era el "principio más importante en el arte en todo momento". Podemos aplicar uno de los principios de Kandinsky, como se discute en este trabajo académico, a la práctica artística de Jackson Pollock, quien colocaba lienzos en el suelo y goteaba pintura sobre ellos desde lo alto. Para Kandinsky, el artista no debe adherirse a las reglas del arte y debe ser libre para expresarse por cualquier medio posible: un factor esencial para la necesidad interna. Según Edward Lavine, la pintura, para Pollock, "se convierte en una experiencia [in] la que la obra tiene demandas propias que existen independientemente de la personalidad del pintor. Estas demandas a menudo parecen requerir la renuncia a la elección personal en favor de la necesidad interna de la obra." (Matices míticos en la obra de Jackson Pollock) Hasta cierto punto, esta teoría contradice la de Forsythe y otros mencionados, ya que implica que el artista tiene una elección limitada en la creación de la obra. No obstante, demuestra el poder del proceso de crear arte abstracto.

Anya Spielman - Bury, 2010. Óleo sobre papel. 28 x 25.4 cm.

Cambio de hora pico

La idea básica detrás del principio de desplazamiento máximo es que los animales pueden responder en mayor medida a un estímulo más exagerado que a uno normal. El concepto, originalmente articulado por el etólogo Nikolaas Tinbergen, fue aplicado por V.S. Ramachandran y William Hirstein en el artículo de 1999 The Science of Art, quienes aplicaron el experimento de la gaviota, por el cual los polluelos picotean con la misma disposición un punto rojo en el pico de la madre que un palo con tres rayas rojas en su extremo, para demostrar que los polluelos responden a un 'superestímulo', aquí representado por la cantidad de contorno rojo. Para los dos hombres, este palo con el extremo rojo sería similar, digamos, a una obra maestra de Picasso en relación con el nivel de respuesta logrado por el espectador.

Ramachandran argumentó que los artistas abstractos manipulan esta teoría para lograr los resultados más positivos, identificando la esencia de lo que quieren representar, exagerándola y deshaciéndose de todo lo demás. Según Ramachandran, nuestra respuesta al arte abstracto es un cambio de pico de una respuesta básica a algún estímulo original, aunque el espectador podría no recordar cuál fue el estímulo original.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Óleo sobre lienzo. 60 x 54 in.

Daño Cerebral y Abstracción

Para volver a de Kooning, los estudios han demostrado que el cerebro no tiene un único centro artístico, sino que utiliza ambos hemisferios para crear arte, algo que puede tener un efecto en la habilidad artística o en la naturaleza de la producción artística tras un daño cerebral o una enfermedad neurodegenerativa. Según Anjan Chatterjee para The Scientist, el daño en el lado derecho del cerebro puede resultar en un deterioro del procesamiento espacial, lo que a menudo lleva a la adopción de un estilo expresivo que no requiere el mismo grado de realismo. De manera similar, el daño cerebral en el lado izquierdo del cerebro puede inspirar a los artistas a usar colores más vivos en su trabajo y a cambiar el contenido de su imaginería. El estilo de la artista californiana Katherine Sherwood fue considerado más 'crudo' e 'intuitivo' por los críticos tras un accidente cerebrovascular hemorrágico en el hemisferio izquierdo. No limitado a la producción de arte, el daño cerebral también puede alterar la apreciación del arte, dice Chatterjee. Más específicamente, el daño en el lóbulo frontal derecho puede afectar el juicio de abstracción, realismo y simbolismo, y el daño en el lóbulo parietal derecho puede afectar el juicio de animación y simbolismo.

Gary Paller - 20 (2015) Azul, 2015. 59.1 x 45.7 in

Prestigio sobre Producción

Hay evidencia significativa que sugiere que respondemos de manera más positiva al arte según cómo lo experimentamos. Cuando se presenta una obra de arte abstracto, las personas la califican como más atractiva cuando se les dice que proviene de un museo que cuando creen que ha sido generada por computadora, incluso si las imágenes son idénticas. Esto funciona en varios niveles psicológicos diferentes, estimulando la parte del cerebro que procesa la memoria episódica – la idea de ir a un museo – y la corteza orbitofrontal, que responde de manera más positiva al elemento de estatus o autenticidad de una obra, que a su verdadero contenido sensorial, sugiriendo que el conocimiento, y no la imagen visual, juega un papel clave en nuestra atracción hacia el arte abstracto. De manera similar, podría ser el caso de que obtenemos mayor placer al recordar información sobre arte y cultura.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Acrílico sobre lienzo. 70 x 100 cm. 

El arte abstracto atrae a los artistas

Estudios adicionales han demostrado por qué el arte abstracto puede atraer más agudamente a grupos específicos de personas, a saber, a los artistas. Registrando los ritmos eléctricos que ocurren en los cerebros de no-artistas y artistas, un estudio mostró que el trasfondo artístico del sujeto influía en gran medida en el procesamiento del arte abstracto, revelando que los artistas demostraban atención enfocada y compromiso activo con la información. Una teoría sugiere que esto puede deberse a que el cerebro está utilizando la memoria para recordar otras obras como una forma de dar sentido al estímulo visual. Es este sentido de recuerdo y un proceso multilayer de búsqueda de reconocimiento lo que parece proporcionar al arte abstracto gran parte de su atractivo duradero. Desde la obra exploratoria de Kandinsky de 1911, hasta el concepto de peak-shift, y hasta el estudio contemporáneo de la neuroestética, la psicología del arte abstracto es un vasto y siempre cambiante campo de estudio que afirma el interés duradero en buscar decodificar, explicar y disfrutar del arte abstracto. 

Imagen destacada: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47.2 x 35.4 in