Momentos Definitorios en la Historia del Arte Abstracto

Las palabras pueden ser tan controvertidas. Solo queremos discutir la historia del arte abstracto. Pero esa frase está llena de peligros conceptuales. (¿De quién es la historia? ¿Qué es el arte? ¿Qué significa ser abstracto?) Para ser precisos, tal vez deberíamos titular este artículo algo así como, “Momentos Definitorios en la Cadena de Eventos que Componen la Línea de Tiempo Generalmente Aceptada de la Civilización Occidental Relacionada con Objetos y Fenómenos Creados por Artistas que se Autodenominan No Intencionados a Ser Representacionales de la Realidad Visual Objetiva.” Pero eso no es exactamente un titular atractivo. (¿O sí lo es?) Por el bien de la cordura, para este artículo dejemos de lado la semántica y simplemente comencemos desde el principio.

La Prehistoria del Arte Abstracto

Entre las primeras marcas de los habitantes de las cuevas prehistóricas estaban las líneas, rasguños y huellas de manos. Nuestra mejor interpretación es que eran simbólicas. ¿Eso los convierte en los primeros ejemplos de arte abstracto ? Quizás. Pero incluso las imágenes representacionales dejadas por nuestros antiguos ancestros no son exactamente fotorealistas. Lo que falta en nuestros análisis es una comprensión de la intención de nuestros primeros artistas. Cuando hablamos de arte abstracto, nos referimos a un arte que fue específicamente destinado a ser abstracto. Dado que no podemos saber qué pretendían comunicar los artistas prehistóricos a través de sus imágenes, no podemos juzgar si era abstracto, o incluso si es arte. Podría haber tenido propósitos utilitarios, por lo que sabemos. Así que avanzaremos, muy adelante, a un tiempo mejor documentado, cuando las intenciones de los artistas eran más claras.

Henri Matisse - Mujer con sombrero, 1905, Óleo sobre lienzo, 31 3/4 × 23 1/2 in, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Antes de principios de 1800, es seguro decir que la gran mayoría de los artistas, la gran mayoría del tiempo, no tenían el lujo de decidir qué iban a crear. La mayoría de los artistas de la era pre-romántica dependían del apoyo de instituciones religiosas o de algún otro poder autoritario para sobrevivir. Por lo tanto, los reyes y los hombres santos determinaban el tema de la mayoría de las obras de esos artistas. A medida que ese sistema de patrocinio declinó, otros modos de supervivencia se presentaron a los artistas. Surgió un sistema de galerías; los comerciantes de arte independientes comenzaron a representar el trabajo de los artistas; individuos adinerados e instituciones privadas comenzaron a apoyar a los artistas y a coleccionar sus obras. Por primera vez, se les dio a los artistas la oportunidad de responder por sí mismos a la pregunta: “¿Qué quiero crear?” Inmediatamente surgió la siguiente pregunta inevitable: “¿Por qué quiero hacerlo?” La respuesta a esa pregunta es una de las causas principales del eventual auge del arte abstracto, y es quizás el concepto más perdurable que emergió de la era romántica; uno expresado por muchos pensadores de la época, y resumido por los franceses como, “L'art pour l'art.” El arte por el arte. O como lo expresó el escritor Edgar Allan Poe en 1850: “…si tan solo nos permitiéramos mirar en nuestras propias almas, inmediatamente descubriríamos que bajo el sol no existe ni puede existir ninguna obra más digna, más suprema y noble, que este mismo poema…escrito únicamente por el bien del poema.”

Andre Derain - Las Velas Secas, 1905, óleo sobre lienzo, 82 x 101 cm, © Museo Pushkin, Moscú

Primeras impresiones

Una vez que los artistas fueron liberados de las limitaciones de un tema predeterminado, comenzaron a liberarse de otras restricciones también. Desde aproximadamente la década de 1850 hasta la de 1870, el Movimiento Estético empoderó a los artistas para hacer arte puramente con fines estéticos, en lugar de centrarse en temas relacionados con la cultura, la sociedad y la política. Luego vinieron los Impresionistas, artistas radicados en París que crearon obras que se centraban fuertemente en la representación de las cualidades de la luz, comenzando una destilación de los elementos estéticos individuales de una obra de arte. En la década de 1880, el pintor Georges Seurat desarrolló una técnica de construcción de una imagen completamente a partir de pequeños puntos. Esta técnica, conocida como Puntillismo, creó imágenes distorsionadas, pero representativas. El Puntillismo contribuyó al surgimiento de pinceladas experimentales y técnicas compositivas que sugerían una tendencia hacia la abstracción. Esta tendencia se amplió a lo largo del período Post-Impresionista a medida que los artistas comenzaron a experimentar con simbolismo y el uso arbitrario del color, la forma y la línea.

Todo es subjetivo

En los años 1900, los Expresionistas contribuyeron a la tendencia hacia la pura abstracción con su enfoque en la subjetividad. Al distorsionar dramáticamente sus imágenes, buscaban presentar un punto de vista profundamente personal, representativo más de la emoción que de la realidad física. Durante este período también surgió el movimiento de los Fauvistas, pintores que se centraban casi exclusivamente en el color vívido y la creación de marcas pictóricas. Para los Fauvistas, el tema era secundario frente a los componentes estéticos de la obra. Para este momento, la aparición de la pura abstracción era inevitable. En todas partes, los artistas trabajaban con representaciones simbólicas de la realidad, esforzándose por comunicar ideas y sentimientos de maneras no relacionadas con el tema. Por definición, estaban abstraiendo. Pero, ¿quién fue el primero en lograr hacer una pintura que fuera puramente abstracta?

Hans Hofmann - Luna Creciente, 1965, Óleo sobre lienzo, Colección Privada, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

¿Puede el verdadero primer abstractor ponerse de pie?

Casi todos los historiadores coinciden en que la primera pintura abstracta fue Sin título (Primera acuarela abstracta) de Wassily Kandinsky, pintada en 1910. Consistiendo en manchas de color vibrante, círculos, líneas, garabatos y campos de color ensamblados de una manera aparentemente aleatoria, la obra de ninguna manera hace referencia a elementos visuales preexistentes del mundo físico. Conspiratoriamente, podríamos, solo por diversión, postular que Sin título (Primera acuarela abstracta) de Kandinsky no fue la primera pintura puramente abstracta. Un año antes, en 1909, el pintor francés de vanguardia Francis Picabia pintó Caoutchouc, una obra proto-cubista que presenta formas geométricas irreconocibles envueltas en campos de color aparentemente no relacionados. Esta obra parece de ninguna manera representar la realidad visual objetiva. Sin embargo, la palabra Caoutchouc significa vagamente savia de caucho natural, una referencia a la materia prima para hacer caucho vulcanizado. Nunca habiendo analizado los elementos visuales del caucho no vulcanizado, no podemos decirlo, pero tal vez esta pintura sea representativa. ¿Quién sabe? Lo que sí sabemos es que Kandinsky era un ávido teórico del arte y un prolífico escritor de arte. Escribió con entusiasmo sobre su búsqueda para crear la primera obra de arte puramente abstracta del mundo. Habló abiertamente de su intención de convertirse en el fundador del arte abstracto y de su éxito en lograrlo. Nadie puede negar que era su intención ser el primero, independientemente de si alguien que lo precedió accidentalmente lo superó.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Óleo sobre lienzo, 85 1/4 x 73 1/2 in (216.5 x 186.7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Lo que Kandinsky definitivamente hizo

Al anunciar abiertamente su intención de hacer arte abstracto puro, Kandinsky liberó a los artistas de su dependencia de las referencias al mundo observable. Divorció el arte de su lógica anterior. Abrió el campo a una profunda y rápida experimentación. Llevó a su madurez la promesa de los románticos, que, como dijo Caspar David Friedrich, el artista romántico alemán, “El sentimiento del artista es su ley.”

Wassilly Kandinsky - Composición IV, 1911, óleo sobre lienzo, 250.5 x 159.5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Alemania

El mundo en guerra

A lo largo de las siguientes décadas, los artistas experimentaron de manera salvaje con la abstracción. Muchos nuevos estilos surgieron, influenciados por el llamado a la libertad de la abstracción, y también por los horrores de la Primera Guerra Mundial y el auge de la era mecánica. El cubismo influyó en los artistas para reducir su lenguaje visual a sus bloques de construcción más básicos. El futurismo demostró la vitalidad y el poder de la línea. El dadaísmo desafió el significado del arte, reafirmando la libertad del arte y su rechazo a la burguesía. En la década de 1920, el surrealismo abrió las mentes de los artistas al poder del subconsciente. Con su enfoque en imágenes oníricas y su rechazo a la lógica consciente, influyó profundamente en los artistas abstractos para experimentar más con técnicas, medios y métodos que pudieran conectarlos más directamente con sus yo inconscientes.

Wassiliy Kandinsky - Composición 6, 1913, Óleo sobre lienzo, 76 2/5 × 115 7/10 in, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París / Erich Lessing / Art Resource, NY

¡Hazlo nuevo!

En la década de 1930, se le atribuye al pintor estadounidense de origen alemán Hans Hofmann la difusión en América de las filosofías esenciales de lo que llegó a conocerse como Modernismo, la última iteración del rechazo a los modos y métodos del pasado. Siendo él mismo un pintor abstracto, Hofmann animó a sus estudiantes, desde California hasta Nueva York, a adoptar nuevos métodos de creación de imágenes, en busca de formas de confrontar y expresar las ansiedades y maravillas de una sociedad que se industrializaba rápidamente. En 1934, el poeta Ezra Pound resumió la actitud de los modernistas con su ahora famosa llamada a los artistas: “¡Hazlo nuevo!” Pound fue una figura controvertida, que finalmente se trasladó a Italia, donde apoyó a las principales figuras fascistas de la Segunda Guerra Mundial. No obstante, su entusiástico rechazo a lo viejo echó raíces en las mentes de los artistas abstractos, lo que llevó a poderosos cambios en el horizonte cercano.

Wasilly Kandinsky - Mancha Negra I (detalle), 1912, Óleo sobre lienzo. 39.4 × 51.2in (100.0 × 130.0 cm), El Museo Ruso, San Petersburgo, Rusia

Una nueva pureza

Después de dos guerras mundiales, una depresión global, hambrunas, atrocidades y dos ataques nucleares a ciudades pobladas, la medida en que el ser humano promedio experimentaba ansiedad a mediados de la década de 1940 no puede ser exagerada. Esta ansiedad dio lugar a un nuevo y amplio interés en el campo relativamente joven del psicoanálisis. Entre los muchos millones de personas que se volvieron hacia el psicoanálisis durante este tiempo estaba Jackson Pollock , uno de los miembros destacados de un grupo de artistas conocido como los Expresionistas Abstractos. Pollock fue expuesto al psicoanálisis mientras estaba en rehabilitación. Esto abrió su mente al mundo del conocimiento primigenio encerrado en su subconsciente. Muchos de sus contemporáneos buscaban nuevas formas de conectarse con la esencia oculta de su humanidad, trabajando para expresar emociones crudas y primales a través de sus pinturas. Pollock buscaba imágenes ocultas, con la esperanza de poder conectarse con algo profundo dentro de sí mismo, algo más puro que lo que aún se había expresado en el arte abstracto. Alrededor de 1947, Pollock fue pionero en su ahora icónica técnica de goteo. Esta técnica involucraba la aplicación de pintura a una superficie utilizando fuerzas como la gravedad y el impulso, en lugar de a través del contacto directo con herramientas sobre un lienzo. Al abrazar este nuevo nivel de fisicalidad y rechazar por completo cualquier sentido de forma reconocible, Pollock entró en un nuevo reino de pura abstracción basado enteramente en la intención subconsciente, el color, el movimiento, el poder y la fuerza.

Wassily Kandinsky - La primera acuarela abstracta de Kandinsky, 1910, Acuarela y tinta india y lápiz sobre papel, 19.5 × 25.5 in, (49.6 × 64.8 cm), París, Centre Georges Pompidou

El Fin del Comienzo

El trabajo de Pollock, en muchos sentidos, cumplió la promesa de la abstracción: la liberación total del artista de las limitaciones de la expectativa estética. Quizás también, sus esfuerzos llevaron al fin lógico de la abstracción. Pollock puso en primer plano la importancia de la textura, la materialidad, el proceso y la idea de ver una obra de arte no como una superficie en la que transmitir arte, sino como una forma unificada en sí misma. Aunque reflejados en un sentido primitivo en el trabajo de Pollock, estos conceptos son integrales al trabajo de los Minimalistas , quienes reemplazarían a los expresionistas abstractos como los artistas más influyentes de la década de 1960. Al igual que Kandinsky, el miembro principal del movimiento Minimalista, Donald Clarence Judd, fue un ávido teórico del arte y escritor. Aunque rechazó la etiqueta de Minimalista, Judd se convirtió en representante de sus ideas de reducir el lenguaje visual y purificar los conceptos de forma y espacio. En lugar de rechazar referencias visuales reconocibles y la realidad objetiva, artistas minimalistas como Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt y Frank Stella se centraron en la forma, el uso de colores vibrantes y puros, líneas de borde duro, textura mínima y materialidad moderna. En lugar de abstraer la realidad, los Minimalistas manifestaron las formas, colores, formas y líneas que a menudo se exploran en el arte abstracto, habitándolos en el espacio físico de una manera representacional.

Jackson Pollock - Convergencia, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, EE. UU. 

El nuevo nuevo

La historia del arte abstracto es la historia de la búsqueda de libertad por parte de los artistas. Lo que eso significa hoy en día es que los artistas son libres de expresarse de la manera que elijan, explorando cualquier método que les atraiga. La belleza del estilo abierto de hoy es que un artista puede utilizar cualquier estilo, medio o método que funcione mejor para la realización de una idea. Aunque el Minimalismo pudo haber dejado de lado el arte abstracto en los años 70, la abstracción ha regresado al primer plano de las prácticas de muchos artistas. Los pintores abstractos contemporáneos se benefician de la mentalidad abierta de sus predecesores. La abstracción continúa conectándonos con algo que la realidad objetiva no puede explicar; algo profundo dentro de nosotros que se extiende más allá de la realidad visible.

Imagen destacada: Wassily Kandinsky - La primera acuarela abstracta de Kandinsky, 1910, foto a través de Wikipedia

Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.

Por Phillip Barcio