Frank Stella - el Arte del Objeto

Muchos lamentan la aparente muerte inminente de los libros impresos. Pero la función de los libros es contar historias, y aparentemente las pantallas y las voces desincorporadas cuentan historias igual de bien. Dado que los libros como objetos nunca se han separado de su papel de narrador, han superado su utilidad. Gracias a Frank Stella, el arte no enfrentará el mismo destino. Stella divorció el arte de su propósito narrativo. En lugar de permitir que la pintura y la escultura continuaran funcionando como lo habían hecho durante siglos como dispositivos de entrega de ilusión, Stella desempeñó un papel clave en redefinir el arte, otorgándole un significado y propósito objetivos. A través de sus creaciones estéticas, Stella demostró que un objeto de arte es digno de consideración no por la historia que podría contar o por la interpretación que podría contribuir, sino por sus propias cualidades estéticas formales y la satisfacción que podrían proporcionar.

Frank Stella Arte vs. Expresionismo Abstracto

Si el joven Frank Stella hubiera estado en mejor salud, puede que nunca se hubiera convertido en un artista famoso. Después de graduarse de Princeton, Stella fue reclutado para luchar en Vietnam. Pero no pasó su examen físico. Así que, en lugar de luchar en batallas reales en el extranjero, se unió a la batalla cultural en su tierra natal, luchando contra el movimiento artístico predominante de la época: el Expresionismo Abstracto. Stella dijo sobre los Expresionistas Abstractos: “(Ellos) siempre sentían que el hecho de que la pintura estuviera terminada era muy problemático. Nosotros diríamos más fácilmente que nuestras pinturas estaban terminadas y diríamos, bueno, o es un fracaso o no lo es, en lugar de decir, bueno, tal vez no esté realmente terminada.”

Stella sentía que los artistas del Expresionismo Abstracto y sus admiradores estaban atribuyendo cualidades “humanísticas” al arte, lo que significaba que buscaban más en el arte de lo que objetivamente estaba allí. Ciertamente tenía razón en que muchos artistas abstractos entonces, como ahora, creen abiertamente que su trabajo está abierto a la interpretación. Para muchos artistas abstractos, ese es el punto. Incluso ofrecen sus obras como tótems, o como medios trascendentales que se pueden utilizar en la búsqueda de experiencias elevadas. De hecho, muchos amantes del arte derivan una inmensa satisfacción al interpretar lo que las pinturas abstractas podrían significar. Pero Stella no quería que ocurriera ningún tipo de interacción entre su obra y sus espectadores, lo que lo llevó a hacer su declaración más famosa sobre su arte: “Mi pintura se basa en el hecho de que solo lo que se puede ver allí está allí. Realmente es un objeto. Lo que ves es lo que ves.”

Frank Stella - El matrimonio de la razón y la miseria, II, 1959, Pintura al esmalte sobre lienzo, 91 x 133 in. © Frank Stella

Los Dos Problemas de Stella

El primer problema que Stella identificó con su deseo de reducir la pintura a su esencia objetiva fue descubrir qué es exactamente una pintura. Para seguirlo en su camino de razonamiento, es útil primero identificar en qué creía que una pintura no es. Creía que una pintura no debería ser un mecanismo de entrega para la narrativa. Tampoco debería ser una arena en la que demostrar o experimentar drama o ilusión. Entonces, ¿qué debería ser una pintura en la opinión de Stella? Debería ser una superficie cubierta de pintura. Debería ser un conjunto de partes, que incluyen el soporte para la superficie, la superficie misma, los dispositivos que conectan la superficie al soporte, los dispositivos que conectan el objeto total a la pared o al suelo, y por supuesto el medio.

Una vez que Stella entendió que para él una pintura era un objeto, y nada más, su siguiente problema fue determinar cómo hacer una. Esa segunda pregunta es una que ha tratado de responder repetidamente a lo largo de su carrera, y una que ha abordado de varias maneras diferentes. Aún activo hoy en sus 80 años, Stella ha buscado continuamente nuevos métodos para hacer pinturas. Ha hecho pinturas en lienzos tradicionales y rectangulares, pinturas en lienzos de diferentes formas, murales, impresiones, pinturas en relieve tridimensionales y pinturas que muchas personas describirían como esculturas.

Aunque algunas de las obras de Stella parecen encajar en la definición tradicional de escultura, Stella considera que esa distinción es irrelevante. Ha comentado en el sentido de que las esculturas son solo pinturas que han sido retiradas de la pared y colocadas en el suelo. Sus llamadas obras escultóricas son superficies cubiertas de medio unidas a soportes, igual que sus pinturas. Al mantener esta postura crítica, Stella nos obliga a confrontar la noción de por qué exactamente las pinturas se definen como cosas que deben colgar en una pared. Al igual que muchos otros líderes conceptuales, Stella entiende que la pintura y la escultura son lo mismo, simplemente exhibidas de manera diferente.

Frank Stella - La Pena de Hu, 1987-2009, Técnica mixta sobre magnesio grabado, aluminio y fibra de vidrio. © Frank Stella

El Propósito de la Geometría

A medida que Stella buscaba formas de hacer pinturas sin emoción, narrativa o drama, se sintió atraído por los patrones y la repetición. La simetría geométrica le resultaba útil porque, como él mismo dijo, "fuerza el espacio ilusionista fuera de la pintura a intervalos constantes utilizando un patrón regulado." Se basó en este enfoque simple para crear algunas de sus obras más tempranas y queridas, sus icónicas "pinturas negras", como El matrimonio de la razón y la miseria, II. Estas obras presentaban superficies aplanadas completamente cubiertas de pintura negra con la adición de líneas blancas geométricamente simétricas.

Las Pinturas Negras de Stella lo hicieron instantáneamente famoso cuando se mostraron por primera vez. No fueron las primeras pinturas abstractas mayormente negras en la historia del arte modernista. Tampoco fueron las primeras obras abstractas geométricas, ni las primeras pinturas de superficie plana. Lo que las hizo innovadoras fue su presencia absolutamente objetiva. No estaban en lo más mínimo abiertas a ningún tipo de interpretación. No había contenido. Eran simplemente objetos estéticos, exigiendo ser considerados de acuerdo a sus propias cualidades formales y objetivas. En lugar de experimentar trascendencia a partir de algo oculto dentro de la pintura o de algún elemento interpretativo en la obra, la única experiencia trascendental que Stella pretendía que los espectadores de estas pinturas tuvieran provenía del alivio psicológico de poder interactuar con un objeto estético en sus propios términos.

Frank Stella - Harran II, 1967, pintura de polímero y pintura fluorescente sobre lienzo, 120 × 240 in. © Frank Stella

Una vida de experimentación

Después de ganar fama en la década de 1950 con sus Pinturas Negras, Stella añadió una paleta de colores vívidos a sus obras y comenzó a dar forma a sus lienzos para poder crear formas pintadas sin causar la presencia de superficie no utilizada. A lo largo de las décadas siguientes, continuó desafiando los límites del espacio estético, creando pinturas que presentaban la realidad tridimensional como una cosa táctil y objetiva en lugar de una ilusión.

Aunque el extenso y multifacético cuerpo de trabajo de Stella ha evolucionado muchas veces, siempre ha reflejado su creencia fundamental en el arte como objeto. Sus esfuerzos han sido una influencia importante en movimientos tan diversos como Abstracción Post-Pictórica, Minimalismo, Arte Pop y Op-Art. El legado de su pensamiento es que conocemos la preciosa esencia de estar en la presencia física de una obra de arte única. Una fotografía de una obra de Stella es inadecuada. Solo el objeto en sí es suficiente. Si nos gusta la obra o no es irrelevante. La obra en sí es innegable.

Imagen destacada:  Frank Stella - Jill, 1959, Esmalte sobre lienzo, 90 x 78 in. © Frank Stella
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio