Frank Stella - el Arte del Objeto

Muchos lamentan la aparente muerte inminente de los libros impresos. Pero la función de los libros es contar historias, y aparentemente las pantallas y las voces sin cuerpo cuentan historias igual de bien. Dado que los libros como objetos nunca se han separado de su papel de narradores, han superado su utilidad. Gracias a Frank Stella, el arte no enfrentará el mismo destino. Stella separó el arte de su propósito narrativo. En lugar de permitir que la pintura y la escultura continuaran funcionando como lo habían hecho durante siglos como vehículos para la ilusión, Stella desempeñó un papel clave en la redefinición del arte, otorgándole un significado y propósito objetivos. A través de sus creaciones estéticas, Stella demostró que un objeto artístico merece consideración no por la historia que pueda contar o por la interpretación que pueda aportar, sino por sus propias cualidades formales estéticas y la satisfacción que puedan proporcionar.

Arte de Frank Stella vs. Expresionismo Abstracto

Si el joven Frank Stella hubiera gozado de mejor salud, tal vez nunca se habría convertido en un artista famoso. Después de graduarse de Princeton, Stella fue reclutado para luchar en Vietnam. Pero no pasó el examen físico. Así que, en lugar de combatir en batallas reales en el extranjero, se unió a la batalla cultural en su tierra natal, luchando contra el movimiento artístico predominante de la época: el Expresionismo Abstracto. Stella dijo sobre los expresionistas abstractos, “(Ellos) siempre sentían que la pintura estaba terminada de manera muy problemática. Nosotros decíamos más fácilmente que nuestras pinturas estaban terminadas y decíamos, bueno, o es un fracaso o no lo es, en lugar de decir, bueno, tal vez no está realmente terminada.”

Stella sentía que los artistas expresionistas abstractos y sus admiradores atribuían cualidades “humanísticas” al arte, es decir, que buscaban más en el arte de lo que objetivamente estaba allí. Ciertamente tenía razón en que muchos artistas abstractos entonces, como ahora, creen abiertamente que su obra está abierta a interpretación. Para muchos artistas abstractos ese es el punto. Incluso ofrecen sus obras como tótems, o como medios trascendentales para ser utilizados en la búsqueda de experiencias elevadas. De hecho, muchos amantes del arte obtienen una enorme satisfacción interpretando lo que las pinturas abstractas podrían significar. Pero Stella no quería que ese tipo de interacción ocurriera entre su obra y sus espectadores, lo que lo llevó a hacer su declaración más famosa sobre su arte: “Mi pintura se basa en el hecho de que solo lo que se puede ver allí está allí. Realmente es un objeto. Lo que ves es lo que ves.”

Frank Stella - El matrimonio de la razón y la miseria, II, 1959, Pintura esmalte sobre lienzo, 231 x 338 cm. © Frank Stella

Los dos problemas de Stella

El primer problema que Stella identificó con su deseo de reducir la pintura a su esencia objetiva fue descubrir qué es exactamente una pintura. Para seguir su camino de razonamiento, es útil primero identificar lo que él creía que una pintura no es. Creía que una pintura no debería ser un mecanismo para contar una historia. Tampoco debería ser un escenario para demostrar o experimentar drama o ilusión. Entonces, ¿qué debería ser una pintura según Stella? Debería ser una superficie cubierta de pintura. Debería ser un conjunto de partes, que incluyen el soporte de la superficie, la superficie misma, los dispositivos que conectan la superficie con el soporte, los dispositivos que conectan el objeto total con la pared o el suelo, y por supuesto el medio.

Una vez que Stella entendió que para él una pintura era un objeto, y nada más, su siguiente problema fue determinar cómo hacer una. Esa segunda pregunta es una que ha tratado de responder repetidamente a lo largo de su carrera, y que ha abordado de diversas maneras. Todavía activo hoy en sus 80 años, Stella ha buscado continuamente nuevos métodos para hacer pinturas. Ha hecho pinturas en lienzos tradicionales rectangulares, pinturas en lienzos de formas diferentes, murales, grabados, pinturas en relieve tridimensionales y pinturas que muchas personas describirían como esculturas.

Aunque algunas obras de Stella parecen encajar en la definición tradicional de escultura, Stella considera esa distinción irrelevante. Ha comentado que las esculturas son solo pinturas que han sido retiradas de la pared y colocadas en el suelo. Sus llamadas obras escultóricas son superficies cubiertas de medio adheridas a soportes, igual que sus pinturas. Al mantener esta postura crítica, Stella nos obliga a confrontar la noción de por qué exactamente las pinturas se definen como cosas que deben colgar en una pared. Como muchos otros líderes conceptuales, Stella entiende la pintura y la escultura como lo mismo, simplemente exhibidas de manera diferente.

Frank Stella - La Pena de Hu, 1987-2009, Técnica mixta sobre magnesio grabado, aluminio y fibra de vidrio. © Frank Stella

El propósito de la geometría

Mientras Stella buscaba maneras de hacer pinturas sin emoción, narrativa ni drama, se sintió atraído por los patrones y la repetición. La simetría geométrica le fue útil porque, como él dijo, “expulsa el espacio ilusorio de la pintura a intervalos constantes usando un patrón regulado.” Se apoyó en este enfoque simple para crear algunas de sus primeras y más queridas obras, sus icónicas “pinturas negras,” como El matrimonio de la razón y la miseria, II. Estas obras presentaban superficies aplanadas completamente cubiertas de pintura negra con la adición de líneas blancas geométricamente simétricas.

Las Pinturas Negras de Stella lo hicieron famoso instantáneamente cuando se mostraron por primera vez. No fueron las primeras pinturas abstractas mayormente negras en la historia del arte modernista. Tampoco fueron las primeras obras abstractas geométricas, ni las primeras pinturas de superficie plana. Lo que las hizo revolucionarias fue su presencia absolutamente objetiva. No estaban abiertas a ningún tipo de interpretación. No tenían contenido. Eran simplemente objetos estéticos, que exigían ser considerados según sus propias cualidades formales y objetivas. En lugar de experimentar trascendencia por algo oculto dentro de la pintura o por algún elemento interpretativo en la obra, la única experiencia trascendente que Stella quiso para los espectadores de estas pinturas provenía del alivio psicológico de poder interactuar con un objeto estético en sus propios términos.

Frank Stella - Harran II, 1967, Pintura de polímero y fluorescente sobre lienzo, 305 × 610 cm. © Frank Stella

Una vida de experimentación

Después de ganar fama en los años 50 con sus Pinturas Negras, Stella añadió una paleta de colores vivos a sus obras y comenzó a moldear sus lienzos para poder crear formas pintadas sin causar la presencia de superficie sin usar. Durante las siguientes décadas, continuó desafiando los límites del espacio estético, creando pinturas que presentaban la realidad tridimensional como algo táctil y objetivo en lugar de una ilusión.

Aunque el extenso y multifacético cuerpo de trabajo de Stella ha evolucionado muchas veces, siempre ha reflejado su creencia fundamental en el arte como objeto. Sus esfuerzos han sido una gran influencia en movimientos tan diversos como la Abstracción Post-Pictórica, el Minimalismo, el Arte Pop y el Arte Óptico. El legado de su pensamiento es que conocemos la esencia preciosa de estar en la presencia física de una obra de arte única. Una fotografía de una obra de Stella es insuficiente. Solo el objeto mismo basta. Que nos guste la obra o no es irrelevante. La obra misma es innegable.

Imagen destacada: Frank Stella - Jill, 1959, Esmalte sobre lienzo, 229 x 198 cm. © Frank Stella
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio