Escultura Abstracta - El Lenguaje de lo Lleno y lo Vacío

Desde los primeros días del Modernismo, se han planteado preguntas sobre la naturaleza de, y la diferencia entre, el arte abstracto bidimensional y tridimensional. En la primera década del siglo XX, Constantin Brancusi planteó la pregunta básica de lo que la escultura abstracta debía transmitir: ¿la imagen de un sujeto o su esencia? En la siguiente década, Pablo Picasso demostró que una escultura no necesitaba ser tallada, moldeada o fundida: podía ser ensamblada. En la década siguiente, Alexander Calder demostró que la escultura podía moverse. Y aún décadas después, en referencia a sus obras interdisciplinarias, Donald Judd ofreció "Objetos Específicos" como una alternativa a las palabras pintura y escultura. Aunque el tema podría llenar varios libros, hoy les ofrecemos una breve, admitidamente mucho más reducida, línea de tiempo de algunos de los aspectos más destacados de la historia de la escultura abstracta.

El Padre de la Escultura Abstracta

Constantin Brâncusi nació en Rumania en 1876, cuando el universo del arte fino europeo consistía básicamente en pintura y escultura, y ambos eran casi enteramente figurativos. Aunque la evolución gradual hacia la abstracción había comenzado, pocos artistas profesionales habían sido lo suficientemente audaces como para intentar la pura abstracción, o incluso para definir lo que eso significaba exactamente. La primera experiencia de Brâncusi esculpiendo fue completamente práctica, tallando herramientas de granja para usar como niño trabajador. Incluso cuando finalmente llegó a la escuela de arte, recibió una formación clásica. Pero cuando Brâncusi dejó Rumania en 1903, llegando finalmente a París, se involucró en la conversación modernista. Acordó entusiastamente con las ideas que circulaban sobre la abstracción, y pronto concluyó que el propósito moderno de la escultura era presentar “no la forma exterior, sino la idea, la esencia de las cosas.”

En 1913, algunas de las primeras esculturas abstractas de Brâncusi se exhibieron en la ciudad de Nueva York como parte de la Armory Show de ese año, la exposición que fue en gran parte responsable de introducir el arte modernista en los EE. UU. Los críticos ridiculizaron públicamente su escultura Retrato de la señorita Pogany por, entre otras cosas, parecerse a un huevo. Trece años después, Brâncusi tendría la última risa ante los estadounidenses cuando una de sus esculturas provocó un cambio en la ley federal de EE. UU. Eso ocurrió cuando un coleccionista compró e intentó enviar a los EE. UU. una de las esculturas de aves de Brâncusi, que de ninguna manera se parecía a aves, sino que representaba el vuelo. En lugar de eximir la escultura abstracta como arte, los funcionarios de aduanas le cobraron al coleccionista un impuesto de importación. El coleccionista demandó y ganó, lo que resultó en una declaración oficial de los tribunales de EE. UU. de que algo no tenía que ser representacional para ser considerado arte.

Constantin Brancusi - El Beso, 1907 (Izquierda) y Retrato de Mademoiselle Pogany, 1912 (Derecha), Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, París

Pablo Picasso y el Arte del Ensamblaje

Pablo Picasso fue otro pionero vital en los primeros tiempos de la escultura abstracta, aunque puede que no haya tenido la intención de serlo. Alrededor de 1912, Picasso comenzó a expandir sus ideas sobre el Cubismo hacia el ámbito tridimensional. Comenzó haciendo collages, que debido a su superficie en capas y al uso de materiales y objetos encontrados en lugar de pintura ya tenían una especie de calidad tridimensional. Luego tradujo la idea del collage al espacio tridimensional completo al ensamblar objetos reales, especialmente guitarras, a partir de materiales como cartón, madera, metal y alambre.

Tradicionalmente, la escultura resultaba de un molde, o de la formación de una masa como la arcilla, o de algún tipo de proceso reductivo como el tallado. Picasso había desafiado inadvertidamente esa tradición al crear un objeto escultórico a través del acto de ensamblar piezas dispares de materiales encontrados en una forma. Además, sorprendió a todos al colgar este ensamblaje en la pared en lugar de colocarlo en un pedestal. Los espectadores de arte estaban desconcertados e incluso indignados por las guitarras de Picasso, exigiendo saber si eran pinturas o esculturas. Picasso insistió en que no eran ninguna de las dos, diciendo, “¡No es nada, es la guitarra!” Pero, ya sea que lo hubiera hecho intencionalmente o no, había desafiado la definición fundamental de escultura y comenzó uno de los debates más duraderos sobre el arte abstracto.

Pablo Picasso - Construcción de guitarra de cartón, 1913, MoMA

Productos confeccionados

Tan revolucionarios como artistas como Picasso y Brâncusi pudieron haber parecido a los espectadores de arte en su tiempo, es interesante notar que 1913 también es el año en que el artista dadaísta Marcel Duchamp apropiado el término “readymade” para designar obras de arte que consisten en objetos encontrados, firmados y exhibidos por un artista como su obra. Según Duchamp, los objetos ordinarios podían ser “elevados a la dignidad de una obra de arte por la mera elección de un artista.” En 1917, Duchamp exhibió Fountain, quizás su readymade más famoso, que consiste en un urinario colocado de lado y firmado “R. Mutt.”

Duchamp había creado Fountain para su presentación en la primera exposición de la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York, que fue anunciada como una muestra completamente abierta de arte contemporáneo, sin jurados ni premios. La obra fue extrañamente rechazada de la exposición, causando un alboroto en la comunidad artística, ya que el objetivo de la exposición era no juzgar la obra. La junta de la Sociedad emitió un comunicado sobre Fountain que decía: “no es, por ninguna definición, una obra de arte.” No obstante, la obra continuó inspirando a generaciones de creativos por venir.

Una copia hecha en 1964 de la fuente original de Duchamp de 1917.

Faktura y Tektonika

En 1921, un grupo de artistas llamado El Primer Grupo de Trabajo de Constructivistas surgió en Rusia. El objetivo de su movimiento, que llamaron Constructivismo, era crear un arte puro basado en principios formales, geométricos y abstractos que involucraran activamente al espectador. Los principios escultóricos del Constructivismo se desglosaron en dos elementos separados: faktura se refería a las cualidades materiales de una escultura, y tektonika se refería a la presencia de una escultura en el espacio tridimensional.

Los Constructivistas creían que la escultura no necesitaba ningún sujeto en absoluto, y podía adquirir propiedades completamente abstractas. Lo único que les importaba era la exploración de la materialidad y el espacio. Eran especialmente conscientes de la forma en que un objeto ocupaba el espacio de exhibición, así como de cómo interactuaba con el espacio entre él y el espectador. La escultura constructivista ayudó a definir las nociones de que una escultura podía contener y definir el espacio además de simplemente ocuparlo, y que el espacio en sí mismo podía convertirse en un elemento importante de la obra.

La primera Exposición Constructivista, 1921

Dibujar en el espacio

A finales de la década de 1920, el lenguaje escultórico abstracto modernista incluía relieves dimensionales, objetos encontrados, abstracción geométrica y figurativa, y la noción de la plenitud y la vacuidad del espacio físico. Los futuristas italianos incluso intentaron usar la escultura para demostrar el movimiento, o Dinamismo, en piezas como Formas Únicas de Continuidad en el Espacio de Umberto Boccioni (cubierto con más detalle aquí). Pero el honor de introducir el movimiento real en la escultura, creando una nueva arena llamada Escultura Cinética, corresponde a Alexander Calder.

Calder fue formado como ingeniero mecánico y solo más tarde asistió a la escuela de arte. Después de graduarse, comenzó a hacer juguetes mecánicos, diseñando eventualmente un circo mecánico entero. Alrededor de 1929, comenzó a hacer delicadas y juguetonas esculturas de alambre, que describió como “dibujo en el espacio.” En 1930, cuando añadió partes móviles a sus esculturas de alambre, Marcel Duchamp llamó a estas obras de arte “móviles.” Los móviles cinéticos de Calder se han convertido ahora en la parte más instantáneamente reconocible de su obra, y han inspirado a artistas como Jean Tinguely, creador de Metamechanics. También influyeron quizás en el maestro modernista más prolífico del “dibujo en el espacio,” el artista venezolano Gego, quien llevó el concepto a extremos elaborados en la década de 1960.

Gego, construcción de alambre espacial, vista parcial de la instalación

Combinaciones y Acumulaciones

En la década de 1950, los artistas conceptuales se adentraron en las ideas pioneras de Picasso y Duchamp. El concepto del objeto encontrado se volvió ubicuo a medida que las grandes ciudades metropolitanas se veían abrumadas por los desechos y la producción y consumo masivo de productos industriales alcanzaban nuevas alturas. El artista multidisciplinario Robert Rauschenberg incorporó los fundamentos de los collages y ensamblajes de Picasso con los conceptos de Duchamp sobre objetos encontrados y las elecciones del artista para crear lo que se convirtió en su contribución distintiva a la escultura abstracta. Los llamó "Combines", y eran esencialmente ensamblajes escultóricos hechos de basura variada, detritus y productos industriales, combinados de manera reflexiva en una sola masa por el artista.

Robert Rauschenberg - Monograma, combinación independiente, 1955, © 2018 Fundación Robert Rauschenberg

Alrededor de la misma época, el Artista Conceptual Arman, uno de los miembros fundadores de los Nuevos Realistas, utilizó la idea de Duchamp del Readymade como punto de partida para una serie de obras escultóricas que él llamó Acumulaciones. Para estas obras, Arman recolectó múltiples de los mismos objetos readymade y los soldó juntos en una masa escultórica. Al utilizar productos de esta manera, recontextualizó la idea de un producto readymade, usándolo en su lugar como una forma abstracta, eliminando su significado anterior y transformándolo en algo simbólico y subjetivo.

Arman - Acumulación Renault No.106, 1967, © Arman

Materiales y Proceso

En la década de 1960, los escultores se centraban cada vez más en los aspectos formales puros de sus obras. Como una especie de rechazo a la emoción y el drama de sus predecesores, escultores como Eva Hesse y Donald Judd se enfocaron en los materiales en bruto que se utilizaban en su trabajo y en los procesos mediante los cuales se fabricaban sus objetos. Eva Hesse fue pionera en el trabajo con materiales industriales a menudo tóxicos como el látex y la fibra de vidrio. 

Eva Hesse - Repetición Diecinueve III, 1968. Fibra de vidrio y resina de poliéster, diecinueve unidades, Cada una de 19 a 20 1/4" (48 a 51 cm) x 11 a 12 3/4" (27.8 a 32.2 cm) de diámetro. Colección MoMA. Donación de Charles y Anita Blatt. © 2018 Patrimonio de Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zúrich.

A diferencia de Hesse, cuya técnica e individualidad se destacaban en sus formas escultóricas, Donald Judd se esforzó por eliminar por completo cualquier evidencia de la mano del artista. Trabajó para crear lo que él llamaba Objetos Específicos, objetos que trascendían las definiciones del arte bidimensional y tridimensional, y que utilizaban procesos y materiales industriales, y que generalmente eran fabricados por máquinas o por trabajadores distintos al artista.

Donald Judd - Sin título, 1973, latón y Plexiglás azul, © Donald Judd

Arte Contemporáneo Omni-Disciplinario

Gracias a los avances que los escultores modernistas han logrado en los últimos 100 años, hoy es un tiempo de asombrosa apertura en el arte abstracto. Gran parte de la práctica contemporánea es omni-disciplinaria, lo que resulta en fenómenos estéticos polimórficos y emocionantes. Las obras de muchos artistas abstractos contemporáneos tienen una presencia tan única que desafían etiquetas simples como "pintura", "escultura" o "instalación". Los pioneros modernistas de la escultura abstracta son, en gran medida, responsables de gran parte de la apertura y libertad que disfrutan los artistas contemporáneos, y de las innumerables formas en que podemos disfrutar de sus interpretaciones estéticas de nuestro mundo.

Imagen destacada: Alexander Calder - Pluma Azul, 1948, escultura cinética de alambre, © Calder Foundation
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio