Arte de Ilusión Óptica que Marcó el Siglo XX

La realidad no siempre es fija; o al menos puede parecerlo a la mente humana. Lo que creemos se basa en cierto grado en lo que percibimos, pero lo que percibimos también a veces está determinado por lo que creemos. El arte de la ilusión óptica, o Op Art para abreviar, es un estilo estético que explota intencionadamente esa rareza de la percepción humana que le da al ojo humano la capacidad de engañar al cerebro humano. Al manipular patrones, formas, colores, materiales y estructuras, los artistas de Op Art se esfuerzan por crear fenómenos que engañan al ojo, confundiendo a los espectadores para que vean más de lo que realmente hay. Y dado que la creencia puede ser tan influyente como el hecho, el Op Art plantea la pregunta de qué importa más: la percepción o la verdad.

Una Breve Historia del Arte de la Ilusión Óptica

El Op Art tiene sus raíces en una técnica llamada trompe-l'œil, que en francés significa engañar al ojo. Las primeras referencias a tales tendencias en el arte se remontan a la antigüedad, cuando los artistas griegos antiguos intentaron hacer pinturas tan realistas que las personas literalmente se dejaran engañar creyendo que sus imágenes eran reales. La técnica ha estado de moda y fuera de moda numerosas veces a lo largo de los siglos, alcanzando su apogeo en el siglo XIX con pinturas trompe-l'œil como Escapando de la Crítica, pintada en 1874 por Pere Borrell del Caso, que muestra una imagen hiperrealista de un niño saliendo de un marco de cuadro.

Pere Borrell del Caso - Escapando de la Crítica, 1874. Óleo sobre lienzo. Colección Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Pero aunque también está destinado a engañar al ojo, el Op Art no es lo mismo que el arte hiperrealista. De hecho, el Op Art tal como lo conocemos hoy en día es más a menudo abstracto, confiando en composiciones geométricas para convencer al ojo de que existen formas irreales y planos espaciales. La primera técnica abstracta que fue diseñada para engañar al ojo se llamó Puntillismo. En lugar de mezclar colores por adelantado, los pintores puntillistas colocaban colores no mezclados uno al lado del otro en un lienzo, creando la ilusión de campos sólidos de colores. Cuando estas pinturas se ven desde la distancia, parece que los colores están mezclados. Georges Seurat inventó el Puntillismo y dominó el efecto con pinturas como Faro en Honfleur.

Georges Seurat - Faro en Honfleur, 1886. Óleo sobre lienzo. Dimensiones totales: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), enmarcado: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Colección del Sr. y la Sra. Paul Mellon

Ilusiones abstractas

El concepto subyacente al Puntillismo dio lugar, en última instancia, a muchas otras técnicas a medida que los artistas buscaban formas de engañar a la mente para completar una imagen. Inspiró el Divisionismo de los Futuristas italianos y los planos cuatridimensionales del Cubismo. Pero su aplicación más exitosa se produjo cuando se combinó con la estética de la abstracción geométrica, como en la grabado geométrico abstracto Constelación Estructural, pintado en 1913 por Josef Albers.

Según sus propias declaraciones, Albers no estaba tratando de crear una ilusión óptica con esta obra. Estaba involucrado en simples experimentos compositivos sobre la percepción de líneas y formas en una superficie bidimensional. No obstante, descubrió que la disposición de líneas, formas y colores en una superficie puede alterar la forma en que la mente percibe lo que es real. Y aunque no intentó engañar intencionadamente a los espectadores con sus obras, pasó toda su vida investigando estos efectos.

Josef Albers - Constelación Estructural, 1913. Líneas blancas grabadas en un fondo negro sobre madera. © 2019 La Fundación Josef y Anni Albers

Cebras y Tableros de Ajedrez

Victor Vasarely, contemporáneo de Albers, sin embargo, se comprometió en un esfuerzo consciente por encontrar formas de engañar a los espectadores con su arte. Vasarely era tanto un científico como un pintor, y estaba particularmente interesado en las formas en que estas dos actividades se unían para afectar la percepción. Ya en la década de 1920, el artista había aprendido que a través de la manipulación de la línea sola podía distorsionar completamente una superficie bidimensional de tal manera que engañaba a la mente para percibirla como un espacio tridimensional.

Un tema al que Vasarely recurrió repetidamente en su obra fue la cebra. Las rayas de este animal en realidad sirven para engañar a los depredadores naturales que no pueden discernir en qué dirección corre el animal debido a la interacción de sus rayas negras y blancas con su entorno. A medida que desvelaba los secretos de este fenómeno, los aplicaba a composiciones geométricas más complejas, y para la década de 1960 creó un estilo característico que inspiró lo que hoy se considera el movimiento de Op Art modernista. 

Victor Vasarely - Cebra, 1938. © Victor Vasarely

En blanco y negro

Uno de los artistas de ilusión óptica más famosos del siglo XX fue la artista británica Bridget Riley, quien se inspiró directamente en el trabajo de Victor Vasarely. Riley estudió en el Royal College of Art a principios de la década de 1950. Su trabajo temprano era figurativo, pero después de aceptar un trabajo como ilustradora en una agencia de publicidad, se interesó más en crear ilusiones visuales. Comenzó a investigar el Puntillismo y luego el Divisionismo y finalmente desarrolló su propio estilo característico de Op Art, basado principalmente en la abstracción geométrica en blanco y negro.

Riley tuvo tanto éxito en crear ilusiones ópticas en su trabajo que los espectadores a veces informaban haber experimentado sensaciones de mareo o náuseas al mirar sus pinturas. Este fenómeno fascinó a Riley, quien se convenció de que la línea entre la percepción y la realidad es, de hecho, bastante frágil, y que una creencia causada por una ilusión podría manifestar consecuencias reales en el mundo físico. Dijo Riley, “Hubo un tiempo en que los significados estaban enfocados y la realidad podía ser fija; cuando ese tipo de creencia desapareció, las cosas se volvieron inciertas y abiertas a la interpretación.”

Bridget Riley frente a una de sus pinturas de Op Art a gran escala y hipnóticas, © Bridget Riley

El ojo responsivo

La altura del movimiento Op Art modernista llegó con una exposición llamada The Responsive Eye que recorrió los Estados Unidos en 1965. Esta exposición presentó más de 120 obras de arte de docenas de artistas que representaban una amplia gama de posiciones estéticas. La muestra incluyó las obras altamente ilusionistas de Victor Vasarely y Bridget Riley, así como abstraccionistas geométricos más sutiles de artistas como Frank Stella y Alexander Liberman, y esculturas cinéticas de artistas como Wen-Ying Tsai y Carlos Cruz-Diez.

También incluido en el grupo The Responsive Eye estaba el escultor Jesús Rafael Soto, quien indudablemente llevó el Op Art al máximo en el ámbito de la percepción tridimensional con un cuerpo de trabajo llamado Penetrables. Estas creaciones interactivas consisten en cientos de tubos de plástico colgantes, parcialmente pintados, por los que los espectadores pueden caminar. Cuando no se les molesta, presentan una ilusión impactante de que una forma concreta está flotando en el espacio. Pero cuando los espectadores interactúan físicamente con las esculturas, la ilusión se disuelve, dando la percepción de que una realidad concreta puede, de hecho, ser deformada y alterada por el toque humano.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

El legado del arte óptico

La bendición y la maldición del Op Art es su popularidad. Cuando el movimiento estaba en su apogeo en la década de 1960, muchos críticos lo despreciaban porque su imaginería fue apropiada ávidamente por los creadores de artículos de kitsch como camisetas, tazas de café y carteles. Pero para artistas como Victor Vasarely y Jesús Rafael Soto, ese era precisamente el punto.

Estos creativos creían que el valor de una obra de arte se determina por el grado en que un espectador puede participar en su finalización. Crearon fenómenos estéticos que se adaptan a cada nuevo espectador, creando posibilidades interpretativas ilimitadas. El hecho de que su arte fuera consumido a nivel masivo estaba perfectamente alineado con su concepto, que es que no debería haber barreras entre las personas y el arte, y que las barreras que parecen existir solo existen en nuestra percepción.

Imagen destacada: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acrílico sobre lienzo. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio