Pintura Impasto en Arte Abstracto

Quizás el edificio más simbólico de América es el One World Trade Center en Lower Manhattan. Como el centro del desarrollo que reemplazó a las torres gemelas que fueron destruidas en 2001, su mera existencia es una poderosa declaración. Agregando prominencia a su simbolismo hay dos enormes, abstractas impasto pinturas instaladas permanentemente en el vestíbulo de su entrada sur. El edificio es apodado Freedom Tower, y es el edificio más alto del Hemisferio Occidental. Se eleva 1776 pies: una referencia deliberada al año en que América declaró su independencia. Las mencionadas pinturas impasto que adornan las paredes del vestíbulo sur son del artista estadounidense Donald Martiny. Una de las pinturas se llama Lenape, y la otra se llama Unami. Los títulos hacen referencia a la historia precolombina de Nueva York. Los Lenape son la tribu nativa que originalmente habitó el terreno sobre el cual se construyó la Freedom Tower. Unami es un dialecto Lenape. En la parte superior de la Freedom Tower hay una plataforma de observación llamada One World Observatory. Desde el observatorio, hasta donde alcanza la vista, todo el entorno circundante una vez apoyó la cultura Lenape. Entonces, ¿qué se está comunicando con este edificio? Fue diseñado para conmemorar uno de los peores ataques terroristas en la historia humana. Presenta las ideas de un mundo, libertad, independencia y comercio. Anima a los visitantes a tener una visión a largo plazo. Y sus obras de arte más prominentes llevan el nombre de aquellos que fueron sometidos para construir la nación responsable de su creación. ¿Qué conversación se está llevando a cabo aquí? ¿Cuál es el significado de todo este simbolismo? Quizás hay algo que aprender de las obras de arte en sí, y de las cualidades abstractas que la pintura impasto representa.

Sombra y luz

El término impasto proviene de la palabra italiana para masa. En la pintura, se refiere a la técnica de aplicar capas gruesas de medio sobre una superficie para proporcionar una dimensión textural a una obra de arte. El pintor italiano del siglo XVI, Tiziano, fue uno de los primeros artistas conocidos por haber incorporado intencionadamente técnicas de impasto en sus pinturas. Comenzó a utilizar la técnica en un momento en que las pinturas eran valoradas por sus superficies lisas y la falta de pinceladas visibles. Un maestro pintor realista, Tiziano se dio cuenta de que al acumular pintura en ciertas áreas de una superficie podía crear variaciones en cómo la luz se reflejaba en ella, dando a los elementos de una pintura una sensación de vida.

Cada pincelada de pintura en impasto provoca gradaciones en color que aparecen desde las sombras causadas cuando la luz golpea la pintura elevada. Dependiendo de la posición de las luces y el punto de vista de un espectador, una pintura en impasto puede cambiar de maneras sutiles, añadiendo variaciones de profundidad y un sentido de realismo aumentado. En su propio siglo, Tiziano desafiaba la tradición al permitir que sus pinceladas fueran visibles y que las propiedades materiales de su medio se mostraran. Pero era tan maestro en la técnica que su influencia hizo que rápidamente se popularizara. En el siglo XVII, Rembrandt incorporaba famosamente la pintura en impasto en sus obras. Y para el siglo XIX, la técnica era tan bien considerada que Van Gogh la convirtió en su estilo característico.

Van Gogh - La noche estrellada, 1889, 1889. Óleo sobre lienzo. 29 x 36 1/4 in. Colección MoMA. © Van Gogh (Izquierda) y detalle (Derecha)

Expresiones Abstractas

A principios del siglo XX, un grupo de pintores llamado los Expresionistas buscaba formas de expresar estados emocionales internos en sus pinturas en lugar de simplemente capturar la realidad exterior. Adoptaron la técnica del impasto como una de sus preferidas. La pintura aplicada en capas gruesas posee muchas cualidades inherentes, como peso, profundidad y gravedad. Cuanto más gruesa se aplica, más sombra crea. Abstracta la imaginería, distorsionando la forma en que los espectadores interactúan con el tema. Los Expresionistas la encontraron ideal para comunicar seriedad, intensidad y drama.

Alrededor de la misma época en que el Expresionismo ganaba prominencia, la abstracción también se convertía en una preocupación creciente para muchos artistas. La pintura en impasto resultó ser una técnica ideal para los pintores abstractos, ya que ayudaba a desviar el enfoque de una pintura del tema hacia las cualidades formales de la obra. Por lo tanto, una pintura abstracta en impasto no tiene que tratar sobre nada más que la pintura. Hans Hofmann fue un artista abstracto particularmente influyente que abrazó completamente la pintura en impasto. Hofmann creía que al centrarse en los elementos formales de la estética en lugar de imitar la realidad, los artistas podían expresar verdades más profundas. Usó la pintura en impasto para expresar las cualidades abstractas de la estructura, el espacio, el color, la forma y la ilusión.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Óleo sobre lienzo. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Colección privada. Cortesía de Tom Powel Imaging (Izquierda) y detalle de la pintura (Derecha)

Dimensiones Escultóricas

Además de ser pintor, Hofmann también fue profesor. Muchos de los estudiantes que enseñó, como Helen Frankenthaler y Lee Krasner, la esposa de Jackson Pollock, se convirtieron en figuras destacadas del movimiento Expresionismo Abstracto. Hofmann tuvo un profundo efecto en la forma en que estos pintores se relacionaban con sus medios. Dado que el enfoque de muchos pintores del Expresionismo Abstracto era transmitir sus sentimientos subconscientes y capturar en el lienzo la emoción y la intensidad del acto de pintar, Hofmann les inculcó que las cualidades materiales de su medio deberían ser un elemento clave en su trabajo.

Él les enseñó que, “cada medio de expresión tiene su propio orden de ser.” En manos de pintores como Jackson Pollock y Jane Frank, la pintura en impasto adquirió una dimensión completamente nueva, literalmente. Jane Frank construyó capas escultóricas de medios sobre sus superficies de impasto. Jackson Pollock salpicó, goteó y vertió pintura en cantidades tan masivas que el peso mismo de sus capas de impasto amenazaba con destruir los soportes de sus obras. Los Expresionistas Abstractos además expandieron el concepto de la pintura en impasto para incluir cosas además de pintura, como medios inusuales y detritus como vidrio roto, piedras, colillas de cigarrillos. Al agregar materiales y medios inusuales a sus capas de impasto, estos pintores expresaron profundidad conceptual así como física.

Jane Frank - Grietas y hendiduras, 1961. Óleo y masilla sobre lienzo. 70 x 50 in. © Jane Frank

Todo sobre la pintura

En respuesta a la intensidad emocional del Expresionismo Abstracto, la pintura en impasto perdió popularidad entre muchos artistas en las décadas de 1960 y 70, especialmente aquellos asociados con el Minimalismo. Estos artistas buscaban crear superficies lisas que eliminaran la evidencia del artista individual que realizó la obra. Para crear superficies ultra lisas, recurrieron a técnicas como el teñido y el rociado, y utilizaron procesos mecanizados e industriales. Pero para la década de 1980, el amor por el impasto regresó.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Óleo sobre lino. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Cortesía de George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Una razón por la que la técnica recuperó su favor fue una reacción contra la percepción de la falta de alma del Minimalismo. Otra razón fue un creciente interés en las cualidades formales de los materiales artísticos. Una expresión particularmente exitosa de la estética minimalista fue la pintura monocromática. Monocromos expresan color puro y planitud. En la década de 1980, pintores como James Hayward y Alan Ebnother comenzaron a reimaginar el monocromo a través de la pintura en impasto. Sus monocromos en impasto abrazaron la expresión del color pero añadieron una dimensión de fisicalidad y especificidad del medio. Al eliminar el anonimato industrial de los monocromos minimalistas y reintroducir la marca del artista, re-priorizaron la emoción y la personalidad, y trajeron una atención renovada a las cualidades esenciales de la pintura.

James Hayward - Abstracto 31, 2001. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 30 x 28 in. © James Hayward (Izquierda) y Chromachord Asimétrico 38, 2009. Óleo sobre lienzo sobre panel de madera. © James Hayward (Derecha)

Más allá de la masa

Al mirar hacia atrás en la historia de la pintura impasto, está claro que la técnica conlleva una serie de asociaciones abstractas. En sus primeros días, dio el paso sin precedentes de no ocultar el hecho de que una obra de arte estaba hecha de pintura. En ese sentido, rompió la ilusión. Más tarde, sirvió para resaltar las sutiles y a menudo cambiantes diferencias entre la oscuridad y la luz. En la era modernista, la pintura impasto se convirtió en una forma de expresar la profunda emoción y las sensibilidades primordiales de la mente subconsciente. Y en su uso contemporáneo, se ha convertido en una expresión del poder y la simplicidad del gesto artístico en sí. Entonces, ¿qué podemos deducir sobre la conversación que tiene lugar entre el One World Trade Center y las pinturas abstractas impasto de Donald Martiny que ocupan su vestíbulo? 

Aunque estas pinturas parecen ser masivos pinceladas de impasto, en realidad fueron hechas meticulosamente en un proceso laborioso, durante el cual Martini vierte, gotea y unta capa tras capa de medio, a veces usando sus manos desnudas. Expresan trabajo duro, adaptación, paciencia, visión y la fuerza inherente en la cuidadosa construcción de capas a lo largo del tiempo. Más allá de eso, como todas las pinturas de impasto, Lenape y Unami también simbolizan la ruptura de ilusiones, la naturaleza evolutiva de la oscuridad y la luz, el rango de profundidad emocional y física, y las realidades primordiales de la mente humana subconsciente. Consideradas desde esta perspectiva, se convierten en más que objetos estéticos y más que gestos simbólicos. Se convierten en los perfectos representantes abstractos de su medio, su entorno, sus homónimos, su historia y su tiempo.

Imagen destacada: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio