Pintura Impasto en Arte Abstracto

Quizás el edificio más simbólico de América sea el One World Trade Center en el Bajo Manhattan. Como pieza central del desarrollo que reemplazó a las torres gemelas destruidas en 2001, su mera existencia es una declaración poderosa. Añadiendo de manera destacada a su simbolismo, hay dos enormes pinturas impasto abstractas instaladas de forma permanente en el vestíbulo de su entrada sur. El edificio es apodado Torre de la Libertad, y es el edificio más alto del Hemisferio Occidental. Se eleva 1776 pies: una referencia deliberada al año en que América declaró su independencia. Las mencionadas pinturas impasto que adornan las paredes del vestíbulo sur son obra del artista estadounidense Donald Martiny. Una de las pinturas se llama Lenape y la otra Unami. Los títulos hacen referencia a la historia precolombina de Nueva York. Los Lenape son la tribu nativa que originalmente habitaba el terreno donde se construyó la Torre de la Libertad. Unami es un dialecto Lenape. En la cima de la Torre de la Libertad hay una plataforma de observación llamada One World Observatory. Hasta donde alcanza la vista desde el observatorio, todo el entorno circundante apoyó en su momento la cultura Lenape. Entonces, ¿qué comunica este edificio? Fue diseñado para conmemorar uno de los peores ataques terroristas en la historia humana. Propone las ideas de un mundo unido, libertad, independencia y comercio. Invita a los visitantes a tener una visión a largo plazo. Y sus obras de arte más destacadas llevan el nombre de aquellos que fueron subyugados para construir la nación responsable de su creación. ¿Qué conversación está teniendo lugar aquí? ¿Cuál es el significado de todo este simbolismo? Quizás haya algo que aprender de las obras mismas y de las cualidades abstractas que representa la pintura impasto.

Sombra y Luz

El término impasto proviene de la palabra italiana para masa. En la pintura, hace referencia a la técnica de aplicar capas gruesas de medio sobre una superficie para proporcionar una dimensión textural a una obra. El pintor italiano del siglo XVI Tiziano fue uno de los primeros artistas conocidos en incorporar intencionadamente técnicas de impasto en sus pinturas. Comenzó a usar esta técnica en una época en que las pinturas eran valoradas por sus superficies lisas y la ausencia de pinceladas visibles. Maestro del realismo, Tiziano comprendió que acumulando pintura en ciertas áreas de una superficie podía crear variaciones en cómo la luz se reflejaba, dando a los elementos de una pintura una sensación de vida.

Cada pincelada en una pintura impasto provoca gradaciones en el color que aparecen a partir de las sombras causadas cuando la luz incide sobre la pintura elevada. Dependiendo de la posición de las luces y el punto de vista del espectador, una pintura impasto puede cambiar sutilmente, añadiendo variaciones de profundidad y un sentido aumentado de realismo. En su propio siglo, Tiziano rompía con la tradición al permitir que sus pinceladas fueran visibles y que las propiedades materiales de su medio se mostraran. Pero fue tan maestro en la técnica que su influencia hizo que rápidamente se popularizara. En el siglo XVII, Rembrandt incorporaba de manera famosa la pintura impasto en sus obras. Y para el siglo XIX, la técnica estaba tan bien valorada que Van Gogh la convirtió en su estilo característico.

Van Gogh - La noche estrellada, 1889. Óleo sobre lienzo. 29 x 36 1/4 pulgadas. Colección MoMA. © Van Gogh (Izquierda) y detalle (Derecha)

Expresiones Abstractas

Alrededor del cambio de siglo XX, un grupo de pintores llamados los Expresionistas buscaban formas de expresar estados emocionales internos en sus pinturas en lugar de simplemente capturar la realidad exterior. Adoptaron la pintura impasto como una de sus técnicas preferidas. La pintura aplicada en capas gruesas posee muchas cualidades inherentes, como peso, profundidad y gravedad. Cuanto más gruesa es la aplicación, más sombra crea. Abstrae las imágenes, distorsionando la forma en que los espectadores interactúan con el tema. Los Expresionistas la encontraron ideal para comunicar seriedad, intensidad y dramatismo.

Al mismo tiempo que el Expresionismo ganaba prominencia, la abstracción también se convertía en una preocupación creciente para muchos artistas. La pintura impasto resultó ser una técnica ideal para los pintores abstractos, ya que ayudaba a desplazar el enfoque de una pintura del tema hacia las cualidades formales de la obra. Por lo tanto, una pintura impasto abstracta no tiene que tratar sobre nada más que la pintura misma. Hans Hofmann fue un artista abstracto particularmente influyente que abrazó completamente la pintura impasto. Hofmann creía que al centrarse en los elementos formales de la estética en lugar de imitar la realidad, los artistas podían expresar verdades más profundas. Usó la pintura impasto para expresar las cualidades abstractas de estructura, espacio, color, forma e ilusión.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Óleo sobre lino. 40 x 50 pulgadas (101.6 x 127 cm). Colección privada. Cortesía Tom Powel Imaging (Izquierda) y detalle de la pintura (Derecha)

Dimensiones Escultóricas

Además de ser pintor, Hofmann también fue maestro. Muchos de los estudiantes que enseñó, como Helen Frankenthaler y Lee Krasner, esposa de Jackson Pollock, llegaron a ser figuras destacadas del movimiento Expresionismo Abstracto. Hofmann tuvo un efecto profundo en la manera en que estos pintores se relacionaban con sus medios. Dado que el enfoque de muchos pintores expresionistas abstractos era transmitir sus sentimientos subconscientes y capturar en el lienzo la emoción e intensidad del acto de pintar, Hofmann les inculcó que las cualidades materiales de su medio debían ser un elemento clave en su obra.

Les enseñó que, “cada medio de expresión tiene su propio orden de ser.” En manos de pintores como Jackson Pollock y Jane Frank, la pintura impasto adquirió una dimensión completamente nueva, literalmente. Jane Frank construyó capas escultóricas de medios sobre sus superficies impasto. Jackson Pollock salpicaba, goteaba y vertía pintura en cantidades tan masivas que el peso mismo de sus capas impasto amenazaba con destruir los soportes de sus obras. Además, los Expresionistas Abstractos ampliaron el concepto de pintura impasto para incluir materiales distintos a la pintura, como medios inusuales y desechos tales como vidrios rotos, piedras, colillas de cigarrillos. Al añadir materiales y medios poco comunes a sus capas impasto, estos pintores expresaron profundidad conceptual además de física.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Óleo y masilla sobre lienzo. 70 x 50 pulgadas. © Jane Frank

Todo Sobre la Pintura

En respuesta a la intensidad emocional del Expresionismo Abstracto, la pintura impasto cayó en desuso entre muchos artistas en las décadas de 1960 y 70, especialmente entre aquellos asociados con el Minimalismo. Estos artistas buscaban crear superficies lisas que eliminaran toda evidencia del artista individual que hizo la obra. Para crear superficies ultra lisas recurrieron a técnicas como el teñido y el rociado, y usaron procesos mecanizados e industriales. Pero para los años 80 el amor por el impasto regresó.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Óleo sobre lino. 28.25 x 28.25 pulgadas (71.76 x 71.76 cm). Cortesía George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Una razón por la que la técnica recuperó su favor fue la reacción contra la aparente falta de alma del Minimalismo. Otra razón fue un interés creciente en las cualidades formales de los materiales artísticos. Una expresión particularmente exitosa de la estética minimalista fue la pintura monocroma. Los monocromos expresan color puro y planitud. En los años 80, pintores como James Hayward y Alan Ebnother comenzaron a reimaginar el monocromo a través de la pintura impasto. Sus monocromos impasto abrazaron la expresión del color pero añadieron una dimensión de fisicalidad y especificidad del medio. Al eliminar el anonimato industrial de los monocromos minimalistas y reintroducir la marca del artista, revalorizaron la emoción y la personalidad, y trajeron renovada atención a las cualidades esenciales de la pintura.

James Hayward - Abstract 31, 2001. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 30 x 28 pulgadas. © James Hayward (Izquierda) y Asymmetrical Chromachord 38, 2009. Óleo sobre lienzo sobre panel de madera. © James Hayward (Derecha)

Más Allá del Impasto

Al repasar la historia de la pintura impasto, queda claro que la técnica lleva consigo una gama de asociaciones abstractas. En sus primeros días, dio el paso sin precedentes de no ocultar que una obra de arte estaba hecha de pintura. En ese sentido, rompió la ilusión. Más tarde sirvió para destacar las diferencias sutiles y a menudo cambiantes entre la oscuridad y la luz. En la era modernista, la pintura impasto se convirtió en una forma de expresar la profunda emoción y las sensibilidades primarias de la mente subconsciente. Y en su uso contemporáneo se ha convertido en una expresión del poder y la sencillez del gesto artístico mismo. Entonces, ¿qué podemos deducir sobre la conversación que tiene lugar entre el One World Trade Center y las pinturas abstractas impasto de Donald Martiny que ocupan su vestíbulo?

Aunque estas pinturas parecen ser enormes pinceladas impasto, en realidad fueron hechas meticulosamente en un proceso laborioso, durante el cual Martiny vierte, gotea y unta capa tras capa de medio, a veces usando sus propias manos. Expresan trabajo duro, adaptación, paciencia, visión y la fuerza inherente en la construcción cuidadosa de capas a lo largo del tiempo. Más allá de eso, como todas las pinturas impasto, Lenape y Unami también simbolizan la ruptura de ilusiones, la naturaleza cambiante de la oscuridad y la luz, la gama de profundidad emocional y física, y las realidades primarias de la mente subconsciente humana. Consideradas desde esta perspectiva, se convierten en más que objetos estéticos y más que gestos simbólicos. Se convierten en los representantes abstractos perfectos de su medio, su entorno, sus homónimos, su historia y su tiempo.

Imagen destacada: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio