Las técnicas de arte abstracto más típicas

Antes del auge del arte abstracto modernista, la mayoría de las técnicas artísticas se desarrollaron con un objetivo en mente: ayudar a los artistas a imitar la realidad de manera más precisa en su trabajo. Una vez que la búsqueda de la imitación comenzó a perder importancia, los artistas ya no estaban limitados por las técnicas existentes. Podían modificarlas o abandonarlas por completo en busca de nuevas formas de alcanzar los objetivos del arte no objetivo. Dado que el arte abstracto se basa en los principios de libertad e inventiva, se están inventando nuevas técnicas todo el tiempo, por lo que ninguna lista de técnicas de arte abstracto puede ser exhaustiva. Pero aquí hay un resumen de ocho técnicas artísticas modernistas comunes que los artistas abstractos suelen utilizar.

La Pintura de Acción como una de las Técnicas Artísticas Más Radicales

El encabezado de la pintura de acción incorpora en realidad una serie de tendencias diferentes, incluyendo la pintura de salpicaduras, la pintura por goteo y la creación de marcas gestuales. Los Expresionistas Abstractos originaron esta técnica. El objetivo de la pintura de acción es inyectar espontaneidad y fisicalidad en el proceso de pintura. Algunos críticos acusan a los pintores de acción de hacer obras que son caóticas y descontroladas, pero pintores como Jackson Pollock, el principal fundador de la pintura de acción, sostenían que su trabajo no era caótico, sino más bien guiado e intuitivo. Gracias a las obras icónicas realizadas por pintores de acción como Pollock, Willem de Kooning y Franz Kline, la pintura de acción es una de las técnicas de arte abstracto más comunes y fácilmente reconocibles hoy en día.

Jackson Pollock trabajando en una pintura de acción

Collage

La mayoría de los collages están hechos con papel, pero cualquier obra de arte bidimensional que se crea añadiendo una combinación de materiales que no sean medios líquidos sobre su superficie puede llamarse collage. Los primeros artistas modernistas en incorporar el collage en sus obras fueron los cubistas, a saber, Pablo Picasso y Georges Braque. Aunque muchos consideran que sus collages cubistas son abstractos, ellos sostienen que en realidad estaban intentando representar la realidad de manera más precisa, tal como la percibe la mente, al añadir elementos del mundo objetivo a sus imágenes. Muchos otros movimientos de arte abstracto desde entonces también han incluido famosamente collage, como el dadaísmo y el expresionismo abstracto.

Jackson Pollock en el trabajo 

Décollage

Esencialmente lo opuesto al collage, el decollage es una técnica artística que implica cortar o rasgar elementos de una imagen original. En un decollage abstracto, un artista podría primero agregar capas de papel a una superficie y luego usar herramientas o sus manos para eliminar partes de las diversas capas con el fin de crear una composición abstracta. A menudo, las superficies públicas donde la gente coloca anuncios comienzan a parecerse a decollages a medida que las capas de carteles se deterioran y se rasgan con el tiempo.

Picasso en su estudio, inventando el collage modernista 

Tinción

En la década de 1950, Helen Frankenthaler inventó lo que ella llamó la técnica de "mancha de empapado". Consistía en verter un medio de pintura diluido directamente sobre lienzo sin imprimar. Al no imprimar el lienzo primero, el medio se extendía desde donde se aplicaba originalmente, creando franjas orgánicas de color que no revelaban marcas de brocha ni otros restos de la mano del artista. La mancha fue pronto adoptada por muchos otros artistas abstractos, especialmente Morris Louis y Kenneth Noland, y ayudó a inspirar lo que llegó a conocerse como pintura de campo de color.

Helen Frankenthaler en su estudio dominando su técnica de manchas por absorción  

Fabricación

Cuando tienes algo fabricado, significa que lo tienes manufacturado, generalmente a través de un proceso industrial. Los Minimalistas fueron los artistas abstractos más famosos en adoptar intencionalmente el uso generalizado de la fabricación como técnica artística. Uno de los objetivos clave del Minimalismo era eliminar cualquier referencia al ego del artista. Los artistas minimalistas diseñarían sus objetos estéticos y luego los harían fabricar con materiales industriales por otras partes. La fabricación del arte abstracto plantea preguntas sobre la importancia de que el artista realmente haga la obra.

El Proceso de Fabricación  

Montaje

Como técnica artística, el ensamblaje se considera el opuesto de la escultura. La escultura es el acto de crear una forma a través de la talla de un material como la madera o la piedra, o mediante el moldeado de un material como el plástico o el metal, o dándole forma a un material como la arcilla. En un ensamblaje, el artista crea una forma tridimensional combinando elementos dispares. Un artista abstracto famoso por utilizar la técnica del ensamblaje fue Robert Rauschenberg, quien la utilizó para crear sus famosos "combines."

Andy Warhol en su estudio, "The Factory," en 1965 trabajando en su icónica serigrafía "Flores"

Grabado

Una impresión es cualquier imagen bidimensional transferida a una superficie desde una matriz previamente preparada. Hay múltiples formas de hacer una impresión, incluyendo litografía, xilografía, grabado, serigrafía e impresión digital. Como técnica artística, la impresión permite a un artista crear una imagen con antelación y luego hacer múltiples copias de ella. Aparte de las impresiones digitales, la mayoría de las copias de impresiones no son realmente idénticas porque la mayoría de los procedimientos de impresión crean inconsistencias debido a pequeños defectos y cambios en la superficie de la placa original, de la cual se hacen las impresiones. Esas inconsistencias son vitales para la singularidad individual de las impresiones firmadas y numeradas. Las inconsistencias fueron una preocupación estética importante para Andy Warhol, quien confió extensamente en la impresión y otros procesos mecánicos en su trabajo.

Vista interior de tres de las piezas en relieve en la Capilla Frank Stella en Francia

Alivio

La técnica de relieve implica esculpir una imagen a partir de una superficie bidimensional de manera que la imagen esculpida sobresalga de la superficie de la obra. A veces se añaden otros materiales y elementos a un relieve para crear lo que se llama un relieve compuesto, que es como una combinación de relieve y collage. El artista Frank Stella ha incluido durante mucho tiempo el relieve compuesto en su práctica multidisciplinaria. Seis de sus obras de relieve compuesto a gran escala se encuentran en los terrenos de la Fundación Venet en Francia, en una instalación exterior permanente llamada la Capilla Frank Stella.

Imagen destacada: Robert Rauschenberg (a la derecha) trabajando con Billy Klüver, un ingeniero eléctrico de Bell Telephone Laboratories, en la ensamblaje "Oracle" de Rauschenberg en 1965.
Todas las imágenes se utilizan solo con fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio