Josef Albers y La Interacción del Color

A lo largo de la historia del Modernismo, una conversación continua entre artistas ha intentado determinar cuál es el elemento más importante de la pintura. Algunos dicen la forma. Otros, la línea. Algunos, la superficie. Otros, el tema. A través de su arte, su escritura y sus cargos docentes altamente influyentes, Josef Albers dedicó casi toda su carrera a explorar la propuesta de que el elemento más importante en la pintura es el color. Su investigación influyó en el Minimalismo, los pintores del Campo de Color, el Expresionismo Abstracto, el Op Art, y sigue inspirando a una nueva generación de artistas abstractos. Aunque Albers falleció en 1976, su libro fundamental sobre el tema, La interacción del color, sigue siendo considerado el texto más importante para que los jóvenes artistas lo lean cuando buscan entender las complejas maneras en que los ojos humanos perciben el color.

Josef Albers y la Bauhaus

Albers nació en 1888 y fue educador antes que artista profesional. Comenzó su carrera enseñando una clase de estudios generales a estudiantes de primaria cerca del pequeño pueblo alemán donde creció. En 1919, se inauguró la Bauhaus en Weimar, Alemania, ofreciendo una educación sin precedentes. Los fundadores de la Bauhaus pretendían que fuera un lugar donde artistas y diseñadores se formaran juntos en busca de desarrollar una perspectiva sobre un arte total. Albers se inscribió en la Bauhaus al año siguiente, en 1920, cuando tenía 32 años. Cinco años después se convirtió en el primer alumno invitado a unirse a la Bauhaus como maestro instructor.

Josef Albers - Estudio para Tenayuca, 1940, lápiz sobre papel, 6 × 11 ½ pulg., Colección SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Mientras estuvo en la Bauhaus, Albers formuló su visión no solo sobre la creación artística, sino también sobre la enseñanza del arte. Aunque él personalmente se enfocaba mucho en la técnica, comprendió que no dedicaría el tiempo de clase a enseñar técnica. Más bien, decidió centrarse en enseñar una forma de pensar sobre el arte. Adoptó un enfoque reflexivo y científico hacia su arte, y creía que lo más importante que podía ofrecer a los estudiantes era una manera de ver el mundo diferente a como lo habían visto antes. Su objetivo declarado como maestro era “abrir los ojos”.

Cuando la presión nazi cerró la Bauhaus en 1933, Albers llegó a América y enseñó en el recién inaugurado Black Mountain College en Carolina del Norte. En 1950 dejó ese puesto y pasó a dirigir el departamento de diseño en Yale. En el camino, sus alumnos incluyeron a varios que se convirtieron en algunos de los artistas más influyentes del siglo XX, entre ellos Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Eva Hesse y Cy Twombly.

Josef Albers - Tenayuca, 1943, óleo sobre masonita, 22 ½ x 43 ½ pulg., Colección SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

La interacción del color

Una de las críticas que muchos artistas, críticos y espectadores han hecho a Albers es que su obra parece impersonal. La razón de esto sin duda tiene que ver con el enfoque científico de Albers hacia su arte. Por ejemplo, en el reverso de muchas de sus obras escribe en detalle los colores exactos que utiliza la pieza. Pero también hay una gran profundidad emocional y bastante psicología presente en la obra de Albers. Albers estaba interesado en la manera en que los colores interactuaban entre sí y el efecto que esa interacción tenía en la percepción humana. Uno de los descubrimientos clave que hizo es que los seres humanos son fácilmente susceptibles a la ilusión, algo que consideraba demostrable a través de su arte.

En 1963, mientras estaba en Yale, Albers escribió un libro llamado La interacción del color, que cubría con detalle minucioso todos sus descubrimientos sobre cómo los colores interactúan entre sí. El libro incluye lecciones detalladas, experimentos y gráficos que explican cómo ciertos colores neutralizan o alteran otros colores, cómo la luz afecta el tono y cómo lo que él llamaba el “ojo humano normal” no podía captar ciertos fenómenos del color debido a las limitaciones de sus capacidades perceptivas. Si consideramos este libro a nivel conceptual, como con sus pinturas, las lecciones no son tanto sobre el color como sobre el hecho de que los humanos tienen limitaciones en lo que pueden percibir, y si los artistas pueden entender esas limitaciones, pueden potencialmente ampliar el rango perceptivo de quienes se encuentran con su obra.

Homenaje al cuadrado

Además de sus escritos sobre el color, Albers dedicó 27 años de su vida a crear una serie de pinturas llamada Homenaje al cuadrado. Esta serie demostraba su teoría del color a través de la exploración de diferentes cuadrados de colores. Al usar una única forma geométrica una y otra vez, pudo investigar la vasta gama de fenómenos perceptivos que se podían lograr simplemente yuxtaponiendo varios colores dentro de un rango limitado de composiciones espaciales.

Cuando Albers comenzó a hacer sus pinturas Homenaje al cuadrado en 1949, incluso los artistas las ignoraban en gran medida. El mundo del arte en ese momento estaba dominado por pinturas gestuales de tamaño monumental. Las pinturas de Albers eran relativamente pequeñas y muy controladas. Eran diseñadas. Albers definió una vez el diseño como, “planear y organizar, ordenar, relacionar y controlar. En resumen, abarca todos los medios que se oponen al desorden y al accidente.” En una época en que el Expresionismo Abstracto era el estilo predominante, las pinturas diseñadas y aparentemente sin emoción eran como una herejía.

Para la década de 1960, el mundo del arte alcanzó a Albers y él se volvió tan respetado como artista como ya lo era como educador, escritor y filósofo. Parte de ese respeto le llegó por una serie de encargos que recibió para realizar obras públicas a gran escala, algunas en forma de elementos arquitectónicos y otras en forma de murales. Una de las primeras obras arquitectónicas de Albers fue un muro que creó para el Centro de Posgrado Harkness Commons de la Universidad de Harvard. Sus murales incluyeron obras para el Edificio Time and Life en el Rockefeller Center de Nueva York, el Pan Am Center y el Edificio Corning Glass. En 1971, a los 83 años, Albers se convirtió en el primer artista vivo en ser honrado con una exposición individual en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Josef Albers - Ladrillo, 1950, 71⁄2 × 8 pies, 2.3 × 2.5 m, Centro de Posgrado Harkness Commons, Universidad de Harvard. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Una impresión duradera

Al principio de su formación, Albers fue profundamente conmovido por los impresionistas, especialmente los puntillistas, quienes exploraron la “impresión” del color creada cuando colores complementarios se colocaban uno al lado del otro en pequeños puntos en lugar de mezclar los colores previamente. En un poema escrito a un amigo sobre el hábito que tienen las personas de seguir a la multitud en lugar de pensar por sí mismas, Albers escribió una vez: “Cada uno siente su lugar a través de su vecino.” Como una pintura impresionista vista desde lejos, Albers veía la sociedad como muchos individuos mezclándose para formar una imagen común.

Dedicó su vida a tomar un camino único, aislando su propia visión y manteniéndose fiel a ella. Al estudiar lo que aprendió sobre cómo los colores individuales se afectan mutuamente cuando están cerca y sobre la capacidad humana de ser engañada por la ilusión, podemos apreciar no solo su obra y sus lecciones sobre la pintura, sino también algo fundamental sobre nosotros mismos.

Imagen destacada: Josef Albers - Portales, Edificio Time Life, 1961. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio