El Carácter Abstracto del Arte Tipográfico
Ciertas ilusiones deben mantenerse para que la civilización continúe. Por ejemplo, la moneda moderna no tiene valor intrínseco. Mantenemos la ilusión del valor del dinero para estructurar la sociedad de manera confiable. El lenguaje también es abstracto. Los sonidos y símbolos significan lo que acordamos que significan. El arte tipográfico es una forma en que los artistas exploran estas abstracciones inherentes a nuestra cultura. Desafía nuestras ideas aceptadas sobre lo que es significativo y lo que no lo es al presentar el lenguaje escrito fuera de su contexto habitual, de maneras inquietantes o yuxtapuestas con contrapartes estéticas inusuales o inesperadas. Desde el Cubismo hasta el Dadaísmo, el Arte Conceptual, el Pop Art y más allá, el Arte Tipográfico ha investigado nuestro uso de símbolos escritos durante más de 100 años. Ha ampliado los límites y posibilidades de lo que percibimos como lenguaje y lo que creemos que puede lograr.
Arte Tipográfico Cubista
Uno de los primeros ejemplos del arte tipográfico modernista es Pablo Picasso con Bodegón con asiento de rejilla, creado en 1912. Esta obra icónica también se considera el primer collage de Picasso, marcando el inicio del Cubismo Sintético. La pieza evoca la superficie de una mesa de café e incluye elementos como un vaso, una pipa, un periódico y una silla de café, entre otros objetos. Además de ser importante para la evolución del Cubismo, es clave para nuestra comprensión de la abstracción tipográfica. La obra incluye tres letras pintadas que parecen formar la palabra “JOU,” que en francés puede traducirse como “juego.” O bien, JOU podría ser parte de la frase “Le Journal,” el nombre del periódico más leído en París en la época en que se hizo esta obra.
Dado que la imagen en Bodegón con asiento de rejilla alude a un periódico, Picasso fácilmente podría haber querido referirse a Le Journal. Pero también el texto podría ser un guiño juguetón a juegos visuales o conceptuales. Otra posibilidad es que la confusión entre estas interpretaciones fuera una declaración intencionada de Picasso sobre los medios de comunicación y su tendencia a confundir el significado y la intención en sus reportajes. En cualquier caso, el punto no es identificar la intención de Picasso. El punto es reconocer la falta de claridad. Toda la cuestión sobre el significado de los elementos tipográficos de la obra la identifica como representativa del nacimiento de la abstracción tipográfica modernista.
Francis Picabia - ¡Dama! Ilustración para la portada del periódico Dadaphone n. 7, París, marzo de 1920
Arte Dada y Tipografía
Inmediatamente después del auge del Cubismo surgieron los Dadaístas, un grupo de artistas dedicados a confrontar el absurdo de su civilización. Los dadaístas confiaron mucho en el collage como medio visual e incluyeron muchas referencias tipográficas abstractas en sus obras. Francis Picabia fue uno de los dadaístas más famosos en usar la tipografía. Formado como pintor realista experto, poeta y tipógrafo, Picabia sabía bien que el propósito del lenguaje escrito era la comunicación. Sin embargo, en sus obras dadaístas se esforzó por crear composiciones escritas inquietantes y absurdas que podían interpretarse de maneras muy diferentes o incluso tomarse como galimatías.
Consideremos una portada que Picabia hizo para el periódico dadaísta Dadaphone en 1920. La imagen se titula “¡Dama!” Incluye una imagen abstracta de una espiral y varias áreas de texto. La traducción completa del texto es: “Carne que ha bebido demasiado es una ternera napolitana,” “las manos en la mierda canónica,” “remendando su cama,” y “el puente levadizo de la dama.” El significado de las palabras es tan poco claro como el significado de la espiral. ¿La imagen pretende indicar un tornillo? ¿Es algo juguetón, como confeti? ¿Es una imagen del progreso mecánico? ¿Es un mensaje de desesperación o progreso? El texto no aclara el significado, añadiendo niveles de abstracción que logran lo contrario de lo que Picabia entendía que el lenguaje como medio debía lograr, que es claridad.
Jasper Johns y la Tipografía
En los años 50, el pintor Jasper Johns alcanzó prominencia por su uso abstracto de símbolos culturales icónicos, a menudo incluyendo símbolos tipográficos. Johns apropiaba formas simbólicas como la bandera estadounidense y un blanco de tiro, explorándolas de maneras que las recontextualizaban como formas abstractas en lugar de símbolos con significado, desvinculándolas de su sentido cultural. Johns evitaba explicar el significado o propósito de sus obras, indicando que pretendía que fueran “terminadas,” es decir, interpretadas, por el espectador.
Joseph Kosuth - Una y Tres Sillas, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), Ciudad de Nueva York
Johns incorporó famosamente el alfabeto inglés así como los números arábigos en un gran número de sus obras. Usó estos elementos tipográficos como temas aparentemente sin sentido para pinturas que parecían tratar más sobre cualidades formales, como superficie, textura, dimensionalidad y cualidad pictórica que sobre algo representacional. También incorporó palabras, como nombres de colores, pintándolas y yuxtaponiéndolas con colores diferentes, confundiendo el significado de las palabras. Estas obras tipográficas cuestionaban si la tipografía era una herramienta para comunicar o simplemente un conjunto de formas que podían usarse de manera abstracta, como los abstraccionistas geométricos pintaban círculos, cuadrados, cruces y triángulos.
Andy Warhol - Latas de sopa Campbell, 1962, pintura de polímero sintético, cm x 41 cm, Museo de Arte Moderno, Ciudad de Nueva York, © 2017 Fundación Andy Warhol / Artists Rights Society (ARS), Ciudad de Nueva York
Arte Conceptual, Pop Art y Tipografía
La obra de Johns influyó en Andy Warhol, quien combinó famosamente elementos simbólicos y tipográficos en sus obras. Las Latas de sopa Campbell de Warhol, creadas en 1962, consistían en 32 impresiones separadas, cada una representando una de las 32 variedades de sopa que la Compañía Campbell ofrecía en ese momento. Estas obras eran planas, producidas mecánicamente y utilizaban temas aparentemente irrelevantes. El texto no comunicaba nada excepto la marca comercial. A través de este uso abstracto de la imagen tipográfica, Warhol planteó preguntas sobre el significado, o la falta de significado, tanto de la cultura consumista como del arte.
Jasper Johns también influyó en artistas conceptuales como Joseph Kosuth. Kosuth usó la tipografía como un tercio de su famosa obra Una y Tres Sillas, creada en 1965. En esta pieza, Kosuth presentó juntos una fotografía de una silla, una silla de madera real y una descripción escrita de una silla. La obra sugería que los tres elementos representaban no una silla, sino la idea de una silla. Solo uno de los objetos era funcional como silla. La fotografía y la descripción tipográfica eran ambas abstracciones.
Guerrilla Girls - ¿Deben las mujeres estar desnudas para entrar al Museo Met? 1989, serigrafía sobre papel, 280x710mm, © Guerrilla Girls
Forma y la Palabra Pintada
Hoy en día, los artistas a menudo usan texto, muchas veces con la intención de que se tome al pie de la letra, para ser leído y comprendido. Por ejemplo, las Guerrilla Girls, un colectivo de artistas mujeres, que usan mensajes tipográficos no abstractos como parte integral de su arte por la justicia social.
El uso abstracto de la tipografía en el arte participa en una misión diferente de justicia social, una sin un objetivo claro. A través de la abstracción tipográfica, los artistas no cuestionan un ideal cultural particular. Cuestionan toda la noción de comunicación. A medida que nuestras sociedades se vuelven más complejas, nuestro uso de la tipografía a menudo solo complica más las cosas para las masas, mientras que los espectadores que han aprendido a traducir los mensajes ocultos comparten secretos a plena vista. El arte tipográfico abstracto cuestiona el valor y la objetividad del lenguaje escrito, y pregunta si algo más esencial que podríamos estar comunicando de maneras más intuitivas se está perdiendo.
Imagen destacada: Pablo Picasso - Bodegón con asiento de rejilla, 1912, óleo y técnica mixta sobre tela encerada, 11 2/5 × 14 3/5 pulgadas, Musée National Picasso, París, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Foto: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), Ciudad de Nueva York
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
