El Carácter Abstracto del Arte Tipográfico
Ciertas ilusiones deben mantenerse para que la civilización continúe. Por ejemplo, la moneda moderna no tiene valor intrínseco. Mantenemos la ilusión del valor del dinero para estructurar la sociedad de una manera confiable. El lenguaje también es abstracto. Los sonidos y símbolos significan lo que acordamos que significan. El arte tipográfico es una forma en que los artistas exploran estas abstracciones que son inherentes a nuestra cultura. Desafía nuestras ideas aceptadas sobre lo que es significativo y lo que no lo es, presentando el lenguaje escrito fuera de su contexto habitual, de maneras inquietantes, o yuxtapuesto con contrapartes estéticas inusuales o inesperadas. Desde el Cubismo hasta el Dadaísmo, pasando por el Arte Conceptual, el Arte Pop y más allá, el Arte Tipográfico ha investigado nuestro uso de símbolos escritos durante más de 100 años. Ha ampliado los límites y posibilidades de lo que percibimos que es el lenguaje y lo que creemos que puede lograr.
Arte Tipográfico Cubista
Uno de los primeros ejemplos del arte tipográfico modernista es Still Life with Chair Caning de Pablo Picasso, creado en 1912. Esta obra icónica también se considera el primer collage de Picasso, marcando el comienzo del Cubismo Sintético. La pieza evoca la superficie de una mesa de café e incluye elementos de un vaso, una pipa, un periódico y una silla de café, entre otros objetos. Además de ser importante para la evolución del Cubismo, también es clave para nuestra comprensión de la abstracción tipográfica. La pieza incluye tres letras pintadas que parecen deletrear la palabra "JOU", que en francés puede traducirse como "juego". O, JOU podría ser parte de la frase "Le Journal", el nombre del periódico más leído en París en el momento en que se realizó esta obra.
Dado que la imaginería en Naturaleza muerta con caña de silla alude a un periódico, Picasso fácilmente podría haber tenido la intención de hacer referencia a Le Journal. Pero, por otro lado, el texto podría haber sido un guiño juguetón a juegos visuales o conceptuales. Otra posibilidad es que la confusión entre estas interpretaciones fuera una declaración intencionada que Picasso estaba haciendo sobre los medios de comunicación y su tendencia a confundir el significado y la intención en su reporting. En cualquier caso, el punto no es identificar la intención de Picasso. El punto es reconocer la falta de claridad. Toda la cuestión sobre el significado de los elementos tipográficos de la obra lo identifica como representativo del nacimiento de la abstracción tipográfica modernista.
Francis Picabia - ¡Dame! Ilustración para la portada del periódico Dadaphone n. 7, París, marzo de 1920
Arte Dada y Tipografía
Inmediatamente después del surgimiento del Cubismo llegaron los Dadaístas, un grupo de artistas dedicados a confrontar la absurdidad de su civilización. Los Dadaístas dependían en gran medida del collage como medio visual, e incluían muchas referencias tipográficas abstractas en sus obras. Francis Picabia fue uno de los Dadaístas más famosos en utilizar la tipografía. Formado como un experto pintor realista, poeta y tipógrafo, Picabia sabía bien que el propósito del lenguaje escrito era la comunicación. Sin embargo, se esforzó en sus obras Dadaístas por crear composiciones escritas extrañas y absurdas que podían ser interpretadas de maneras muy diferentes, o que incluso podían ser tomadas como palabrería sin sentido.
Considera una portada que Picabia hizo para el periódico dadaísta Dadaphone en 1920. La imagen se titula “¡Dame!” Incluye una imagen abstracta de una espiral y varias áreas de texto. La traducción completa del texto es: “La carne que ha bebido demasiado es un buey napolitano,” “las manos en la mierda canónica,” “remendando su cama,” y “el puente levadizo de la dama.” El significado de las palabras es tan poco claro como el significado de la espiral. ¿Se supone que la imagen indica un tornillo? ¿Es algo juguetón, como confeti? ¿Es una imagen del progreso mecánico? ¿Es un mensaje de desesperación o de progreso? El texto no hace nada para aclarar el significado, añadiendo niveles de abstracción que logran lo opuesto de lo que Picabia entendía que el lenguaje como medio está destinado a lograr, que es la claridad.
Jasper Johns y Tipografía
En la década de 1950, el pintor Jasper Johns ganó prominencia por su uso abstracto de símbolos culturales icónicos, a menudo incluyendo símbolos tipográficos. Johns apropiaba formas simbólicas como la bandera estadounidense y un objetivo, explorándolas de maneras que las recontextualizaban como formas abstractas en lugar de símbolos significativos, divorciándolas de su significado cultural. Johns evitaba explicar el significado o propósito de sus obras, indicando que pretendía que fueran "terminadas", es decir, interpretadas, por el espectador.
Joseph Kosuth - Una y Tres Sillas, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), Ciudad de Nueva York
Johns incorporó famosamente el alfabeto inglés así como los números árabes en un gran número de sus obras. Usó estos elementos tipográficos como materia aparentemente sin sentido para pinturas que parecían tratar más sobre cualidades formales, como la superficie, la textura, la dimensionalidad y la pintoresquidad que sobre cualquier cosa representacional. También incorporó palabras, como los nombres de los colores, pintándolos y yuxtaponiéndolos con diferentes colores, confundiendo el significado de las palabras. Estas obras tipográficas desafiaron si la tipografía era una herramienta para comunicar o si simplemente era una colección de formas que podían usarse de manera abstracta como los abstractos geométricos habían pintado círculos, cuadrados, cruces y triángulos.
Andy Warhol - Latas de sopa Campbell, 1962, Pintura de polímero sintético, cm x 41 cm, Museo de Arte Moderno, Ciudad de Nueva York, © 2017 Fundación Andy Warhol / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Ciudad de Nueva York
Arte Conceptual, Arte Pop y Tipografía
El trabajo de Johns influyó en Andy Warhol, quien combinó de manera famosa elementos simbólicos y tipográficos en sus obras. Las latas de sopa Campbell de Warhol, creadas en 1962, consistían en 32 impresiones separadas, cada una representando una de las 32 variedades de sopa que la Campbell Company ofrecía en ese momento. Estas obras eran planas, producidas mecánicamente y utilizaban un tema que parecía irrelevante. El texto no comunicaba nada excepto por la marca comercial. A través de este uso abstracto de la imaginería tipográfica, Warhol planteó preguntas sobre el significado, o la falta de significado, tanto de la cultura de consumo como del arte.
Jasper Johns también influyó en artistas conceptuales como Joseph Kosuth. Kosuth utilizó la tipografía como un tercio de su famosa obra One and Three Chairs, creada en 1965. En esta pieza, Kosuth presentó juntos una fotografía de una silla, una silla de madera real y una descripción escrita de una silla. La obra sugería que los tres elementos representaban no una silla, sino la idea de una silla. Solo uno de los elementos era funcional como silla. La fotografía y la descripción tipográfica eran ambas abstracciones.
Guerrilla Girls - ¿Las mujeres tienen que estar desnudas para entrar en el Museo Met? 1989, Serigrafía sobre papel, 280x710mm, © Guerrilla Girls
Forma y la Palabra Pintada
Los artistas de hoy a menudo utilizan texto, muchas veces con la intención de que se tome al pie de la letra, para ser leído y entendido. Por ejemplo, las Guerilla Girls, un colectivo de artistas femeninas, que utilizan mensajes tipográficos no abstractos como una parte integral de su arte de justicia social.
El uso abstracto de la tipografía en el arte se involucra en una misión de justicia social diferente, una sin un objetivo claro. A través de la abstracción tipográfica, los artistas no están cuestionando un ideal cultural particular. Están cuestionando toda la noción de comunicación. A medida que nuestras sociedades se vuelven más complejas, nuestro uso de la tipografía a menudo solo complica aún más las cosas para las masas, mientras que los espectadores que han aprendido a traducir los mensajes ocultos comparten secretos a la vista de todos. El arte de la tipografía abstracta cuestiona el valor y la objetividad del lenguaje escrito, y se pregunta si algo más esencial que podríamos estar comunicando de maneras más intuitivas se está perdiendo.
Imagen destacada: Pablo Picasso - Naturaleza muerta con caña de silla, 1912, Óleo y técnica mixta sobre tela de aceite, 11 2/5 × 14 3/5 in, Musée National Picasso, París, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Foto: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
