¿Qué se puede considerar abstracto en la obra de Robert Rauschenberg?

Una abstracción es un punto de partida. Es la semilla de una idea que podría, bajo las circunstancias contemplativas adecuadas, circunstancias que requieren apertura para manifestarse, crecer en un bosque de pensamiento. La respuesta corta, por lo tanto, a la pregunta de si la obra de Robert Rauschenberg puede considerarse abstracta, es sí. Todo sobre ella puede leerse como abstracto. Cada elemento de cada obra de arte que Rauschenberg creó a lo largo de su carrera profesional de más de 60 años fue concebido como un instigador de pensamiento. Tenemos como prueba las palabras del artista en innumerables entrevistas, en las que señaló repetidamente la importancia del papel del espectador individual en el establecimiento del significado de sus experimentos. Y como una demostración adicional y decisiva de la naturaleza abstracta de su obra, tenemos la retrospectiva de Robert Rauschenberg que se inauguró el 1 de diciembre de 2016 en el Tate Modern de Londres. Es la primera exposición integral de su trabajo desde la muerte del artista en 2008, e incluye más de 200 obras de arte que abarcan toda la línea de tiempo de su carrera y la gama completa de medios con los que experimentó. La exposición viajará a continuación a San Francisco para una estancia en SFMoMA, y luego a MoMA en Nueva York. Las obras en su catálogo ofrecen una oportunidad para contemplar plenamente la vida y el trabajo de un artista que, sobre todo, esperaba convencernos de mirar de cerca nuestro mundo y nuestro tiempo, y determinar su significado por nosotros mismos.

El arte de su tiempo

La mencionada retrospectiva de Robert Rauschenberg actualmente en exhibición en el Tate Modern presenta la obra de Robert Rauschenberg en orden secuencial, de acuerdo con el año en que fue creada. Esta fue una decisión no tomada por razones de simplicidad. El tiempo es un elemento esencial en todo lo que Rauschenberg hizo. En cada etapa de su carrera, Rauschenberg fue un artista de su momento. No es que simplemente hiciera obras sobre su tiempo. Más bien, su obra fue un subproducto de su tiempo. Se manifestó a través de su interacción con la cultura del presente y emergió como una definición del ahora.

El primer cuerpo de trabajo que Rauschenberg creó y que definió audaz y precisamente el ahora fue una serie de grandes pinturas monocromas que pintó en varios colores, incluyendo blanco, negro, rojo y dorado. Era a principios de la década de 1950 y estaba inmerso en la escena artística de Nueva York, que estaba dominada por el Expresionismo Abstracto. Rauschenberg era amigo de muchos de los pintores de Ab Ex. Bebía con ellos, los llevaba a casa cuando bebían demasiado y compartía sus conversaciones diarias sobre arte y vida. Sus monocromos eran el resultado inevitable de su drama. Demuestran, aunque de manera abstracta, el simple valor inherente en hacer algo completamente diferente a lo que todos los demás están haciendo.

Robert Rauschenberg - Sin título (monocromo negro mate, tríptico), 1951, Óleo sobre lienzo, 72 x 108 in. © Fundación Robert Rauschenberg

Fuerzas combinadas

Después de hacerse un nombre con sus monocromos, Robert Rauschenberg comenzó sus primeros Combines, ensamblajes de desechos del mundo real que habitan un terreno intermedio entre varias formas artísticas tradicionales. Son parte pintura, parte escultura, parte readymade y parte collage. Anunciaron la conclusión ya prevalente e inevitable de que las clasificaciones formales tradicionales se habían vuelto irrelevantes y que todo arte podría ser un arte total.

Mientras que el Expresionismo Abstracto había estado impregnado en las emociones individuales de los propios artistas, las Combinas que hizo Rauschenberg eran una expresión de toda la cultura. Estaban hechas de recortes de noticias, basura, objetos encontrados, curiosidades, madera de desecho y, por supuesto, pintura. Son una imagen exacta y representativa del mundo, tal como existía en los días en que fueron creadas. Expresan simultáneamente la suma total de la sociedad humana mientras extienden una invitación abierta a contemplar su naturaleza y valores.

Robert Rauschenberg - Odalisk, 1955 – 1958, óleo, acuarela, lápiz, crayón, papel, tela, fotografías, reproducciones impresas, plano en miniatura, periódico, metal, vidrio, hierba seca y lana de acero con almohada, poste de madera, luces eléctricas y gallo sobre estructura de madera montada sobre cuatro ruedas.

Un mundo de imágenes

A pesar de que fue su contemporáneo Andy Warhol quien se volvió más famoso por la práctica, fue Robert Rauschenberg quien pionero el uso del proceso de serigrafía industrial para crear pinturas que incorporan fotografías tomadas de la cultura contemporánea, como deja claro la actual retrospectiva de Tate. El icónico Retroactive II, una serigrafía de Rauschenberg que presenta una imagen prominente de John F. Kennedy junto a una imagen de un astronauta, un medidor de tiempo, una Polaroid de un vaso de agua que tomó el artista y varias otras imágenes, parece ser especialmente apreciado por Tate, ya que fue utilizado en todos sus materiales publicitarios, incluyendo la portada del catálogo.

Además de la serigrafía, Rauschenberg también utilizó una variedad de otros procesos de impresión, como la litografía, a lo largo de su carrera. Algunas de sus impresiones (Retroactive II en particular) se leen como una entrada de diario, como si simplemente dijeran: “esto es lo que estoy pensando hoy, aunque no sé lo que significa.” Otras, como Earth Day, una litografía de 1970, se leen más como propaganda, expresando una postura de activismo social muy directa. Otras más, como Renascence, una serigrafía de 1962, parecen ser totalmente abstractas. Independientemente de su contenido aparente, las impresiones de Rauschenberg demuestran la intención general que Rauschenberg siempre tuvo, que era expresar su tiempo. Como él dijo: “Siempre quise que mis obras—lo que sucediera en el estudio—se parecieran más a lo que estaba ocurriendo fuera de la ventana. El trabajo del artista es ser un testigo de su tiempo en la historia.”

Robert Rauschenberg - Renacimiento, 1962, óleo e tinta de serigrafía sobre lienzo. © Fundación Robert Rauschenberg

El mundo es un escenario

Además de su trabajo en el estudio, Robert Rauschenberg también fue un colaborador activo en el mundo de la performance. A lo largo de su carrera, creó decorados, telones de fondo y vestuarios para una variedad de producciones de teatro y danza. Incluso actuó ocasionalmente en algunas de estas producciones. Una de sus piezas más famosas, un combine de 1954 titulado Minutiae, fue creada como una pieza escénica para un ballet de Merce Cunningham. (Se presenta una película del ballet en la retrospectiva de Tate.)

La forma en que interactúan específicamente con una obra de arte más grande hace que sus obras relacionadas con el rendimiento se destaquen de sus otros esfuerzos. Su marco conceptual nos brinda un contexto ampliado desde el cual interpretarlas. Si consideramos Minutiae puramente como un objeto de arte abstracto, podemos llegar a cualquier número de interpretaciones personales basadas en nuestra relación individual con su forma y sus diversos elementos estéticos. Pero como un elemento de un ballet, podemos alejarnos de la responsabilidad de la interpretación personal y verlo simplemente como decoración o una declaración sobre la narrativa que se desarrolla en el escenario. De hecho, es tentador preguntarse qué abstracciones adicionales podrían obtenerse al leer todo el trabajo de Rauschenberg como decoración o utilería en lugar de arte.

Robert Rauschenberg - Minutiae, 1954, óleo, papel, tela, periódico, madera, metal y plástico con espejo sobre alambre trenzado en estructura de madera. © Fundación Robert Rauschenberg

Lo que no se muestra

Aunque sus monocromos, Combines, impresiones y diseños de escenario son lo que más se conoce de Robert Rauschenberg, su prolífica creatividad se manifestó en otros medios también. Como ocurre con muchos artistas famosos, si los intereses financieros del mercado no consideran un cierto cuerpo de trabajo lo suficientemente valioso, a veces no se discute en el contexto más amplio de su obra. La actual exposición en Tate ayuda a los espectadores a escapar de esa visión miope al ofrecer un vistazo bienvenido a muchos de los primeros esfuerzos que Rauschenberg realizó antes de esas pinturas monocromas que primero lo hicieron famoso. Por ejemplo, se exhibe un hermoso ejemplo de sus inquietantes monoprints de plano expuesto. La exposición también presta la debida atención a sus esfuerzos fuera del estudio, ofreciendo un vistazo a algunos de los restos archivísticos de su trabajo benéfico, ejemplificado por la fundación sin fines de lucro Rauschenberg Foundation.

En su vida privada, Robert Rauschenberg era un realista. Aunque tenía la mente de un filósofo, también era conocido por su pasión, amabilidad, generosidad y sentido del humor. Y a veces mostraba todas esas cosas en su trabajo. Había elementos realistas, apasionados, amistosos y humorísticos en cada uno de los experimentos de Rauschenberg, ya que intentaba sin vergüenza mostrar a su generación su mundo. Lo que afortunadamente no se muestra en la actual retrospectiva de Tate son respuestas concluyentes sobre el significado de sus muchos experimentos. El elemento abstracto más obvio del legado que creó Rauschenberg es que cada una de sus obras de arte tiene un número potencialmente infinito de significados, limitado solo por la imaginación individual de cada espectador. Como dijo Rauschenberg, “Me gustaría hacer una pintura y una situación que deje tanto espacio para la persona que la mira como para el artista.”

Imagen destacada: Robert Rauschenberg - Charlene (detalle), 1954, óleo, carbón, papel, tela, periódico, madera, plástico, espejo y metal sobre cuatro paneles de Homasote, montados en madera con luz eléctrica. © Fundación Robert Rauschenberg
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio